2019

Before the introduction of vaporizers, life was different for smokers. A lot of stigmatization, and restrictions when you needed to take a puff, and the health implications of smoking came into place.

5 Things to know when shopping for vaporizers

However, thanks to the creativity of scientists, now smokers can have an easy time smoking their pot or nicotine without increasing their chances of getting a lung complication because of direct smoke. Now we have vaporizers.

They bring in so many benefits. For instance, once you inhale, it goes to the bloodstream instantly. Additionally, you can enjoy various flavors without any compromise. If you are in the process of looking for one of these units, here are some pointers that could help you shop.

1. Budget

How much money you have is a factor that you should consider when buying anything. The vaping market is full of vendors that sell these devices at distinct costs.

I mean, it would be embarrassing to buy a vaporizer that would get at a cheaper cost if you purchased it from the right dealer.

Remember, they have various characteristics and technicalities, which you have to consider when buying them.

2. Portability

When you think about vaporizers from this point of view, you will come across two kinds: The portable and desktop vaporizers.

Both differ in functionality. For example, if you are the type that likes to take small puffs on the go, then you could go for the portable version.

If you love the sophisticated ones that come with extra weight, then the desktop version should be your preference.

3. Combustion methods

All vaporizers have a heating chamber. However, did you know that they will differ in the way they heat the herbs and oils featured within it?

They will use either convection or conduction to heat the entire unit. In convection heating, the heat meets the herbs and conduction will first heat the air surrounding it then the heated air heats the oils.

Note, for convection heating to happen, there must be a liquid or a gas within it to facilitate combustion.

5 Things to know when shopping for vaporizers

4. The vaporizer’s design

It might be something you would want to ignore; nonetheless, this point carries a lot of sense, and that is why you should consider its construction.

You will encounter different design, which means that their mode of operation may not be suitable for your purpose.

Thus, you have to consult your vendor on the design, maintenance costs, and aesthetics. One that most people admire is the Vaporizador PAX 3.

5. Do your homework (research)

Do not just jump into the first vaporizer you meet. People who have the best products in the market always research.

Start by understanding whether you are buying from a trusted vendor. Another thing, try and read several reviews online.

People who have experience with the vaporizers that you require can give you vital information that your project needs.

Conclusion

Since everybody is talking about vaporizers, you should not worry about stigmatization. It is fading slowly. On the other hand, while using, let us say a portable vaporizer, it is always a good idea if you observe some smoking etiquette.


Bruce Wayne, Bruno Díaz, “el caballero de la noche” o simplemente Batman. Como sea que se le conozca, estamos hablando de uno de los personajes más importantes que ha existido en la historia de los superhéroes y de la ficción en general.

Este personaje recién cumplió 80 años entreteniendo a todo tipo de público. Y en tanto tiempo, han salido muchos videojuegos que llevan su nombre y emulan sus aventuras. 

Aquí el conteo de los 6 mejores videojuegos de Batman, el millonario caballero de la noche:

6. Batman Vengeance

El dibujo clásico de Batman, ese que todos conocemos y el más famoso de todos los 80 años del personaje, es el que Bruce Timm ideó en los años 90 y es el que está presente en este juego.

Este videojuego salió en el año 2001, así que su objetivo fueron las consolas PlayStation 2 y GameCube, claramente apuntando hacia un público adulto, pero nostálgico con este personaje tan importante en su niñez. No fue muy popular, pero es un must have gracias a las excelentes recreaciones gráficas de la serie animada.

5. Lego® Batman

Cuando Lego® comenzó a expandir su imperio y a lanzar sets inspirados en superhéroes, era simplemente cuestión de tiempo para que este nuevo mundo creciera y llegara hasta los videojuegos, lo cual ocurrió en 2007.

Este videojuego se enfoca en un público infantil, pero está plagado de historia pura del personaje. Está lleno de humor de tiras cómicas e historietas. Sería una pieza histórica de referencia para los juegos de superhéroes si las gráficas no estuvieran orientadas a emular las piezas de Lego®.

4. Batman and the Joker Jewels (Tragaperras)

Este juego de casino ambientado en el Batman de Adam West es probablemente una de las cosas más raras y geniales que existen. Las voces de Batman y Robin son las originales, al igual que la risa del Joker y la música de la serie.

El batimóvil, el cinturón de Batman, Batichica, la Baticueva y, por supuesto, Batman, Robin y el Joker son las imágenes que se quiere alinear al tirar o hacer spin buscando el premio gordo. Hoy es posible encontrarlo en los mejores casinos y también en línea, en sitios como https://www.mrgreen.com/latam/, donde además de tragaperras, hallarás ruleta, póker, blackjack y otros juegos de azar con divertidas temáticas.

3. Injustice: Gods Among Us

Técnicamente, este no es otro videojuego de Batman, sino de todo el DC Extended Universe, pero siendo Batman uno de los protagonistas es imposible excluirlo debido al peso que tiene en la historia de este videojuego al estilo what-if.

Batman es el único héroe que queda en pie tras un ataque de locura que llevó a Superman a declararse gobernador del mundo. Este videojuego salido en 2013 está lleno de peleas al estilo Mortal Kombat y de nuevos looks para los personajes de siempre en DC.

2. Batman: Arkham Knight

Este título sólo está presente en las consolas de última generación, por lo que los gráficos y la jugabilidad son verdaderamente sorprendentes. Este juego es el último de toda la saga de Arkham (2015) y pone sobre la mesa a un nuevo villano: el Caballero de Arkham o Arkham Knight.

Tanto peso tuvo este videojuego, que la continuidad de cómics de DC incluyó a este personaje desarrollado por Rocksteady en los cánones de la historieta. El Caballero de Arkham debutó en Detective Comics 1.000.

1. Batman: Arkham Asylum

La saga de Arkham abrió con esta entrega, así que es simplemente imposible dejarla afuera. Muchos dicen que es el videojuego en el que se nota más cariño y dedicación de parte de Rocksteady.

Salió a la venta en 2009 para las consolas del momento (Xbox y PS3), siendo uno de los juegos más vendidos del año y el primero en tener el modelo sandbox con el nombre de Batman en el título.

Su principal atractivo son la cantidad de objetos que Batman puede utilizar casi en cada momento del juego.

Batman cuenta con más de 20 videojuegos, pero estos 6 son historia y arte puro en el mundo del entretenimiento.

Paul Lehr no es uno de los artistas que más pueden sonar a los aficionados a la ilustración fantástica y de ciencia ficción. Sin embargo, sus obras ilustraron centenares de libros de ciencia ficción publicados entre la década de los sesenta y la de los ochenta del pasado siglo. Su estilo es muy característico, ya que en sus obras predominan los colores muy saturados, combinando lo abstracto y surreal con lo figurativo. Sus ilustraciones a menudo representan paisajes desolados en el que destaca algún objeto gigantesco, en ocasiones rodeado de personas empequeñecidas. 

"THE LAUGHTER AT NIGHT"
"THE LAUGHTER AT NIGHT", PORTADA DEL LIBRO "OPERATION ARES", DE GENE WOLFE (1970)

Nacido en 1930, Lehr estudia bellas artes en el Instituto Pratt, una prestigiosa institución donde recibe clases de Stanley Meltzoff, también ilustrador de libros de ciencia ficción que influiría en su obra temprana. Su primer trabajo data de 1958, la portada de la novela Satellite E One, de Jeffery L. Castle, publicada en formato bolsillo por la editorial Bantam. Sin embargo, ya a principios de los sesenta, Lehr comienza a desarrollar su característico estilo, con portadas cada vez más cercanas al surrealismo.

Es a partir de mediados de la década de los sesenta cuando el artista desarrolla plenamente el estilo que lo haría famoso entre los aficionados a la ciencia ficción clásica. Es en estos años cuando comienza a plasmar en sus pinturas esos extraños objetos ovoidales, a veces rotos, que se convertirán en su marca característica. A pesar de que en sus obras predomina el paisaje, Lehr no teme representar la figura humana con gran maestría.

ILUSTRACIÓN PARA EL RELATO "EL CANGREJO" (1981)
PORTADA DEL LIBRO "THE NETS OF SPACE", DE EMIL PETAJA (1969)

En los años ochenta, el estilo de los portadistas de colecciones de ciencia ficción se hace más realista, abandonando prácticamente el surrealismo y la abstracción. En esta etapa, Lehr encuentra un importante nicho para su peculiar estilo en revistas como Omni, Analog, Life o Playboy, así como en editoriales de fuera de Estados Unidos. 

Tras retirarse de la ilustración, Paul Lehr decidió dedicarse a la escultura, trabajando la madera y el metal, falleciendo en 1998.

"OFFWORLD"
"OFFWORLD"

"PUERTA AL VERANO", DE ROBERT A. HEINLEIN (1959)
"PUERTA AL VERANO", DE ROBERT A. HEINLEIN (1959)

PORTADA DEL LIBRO "THE BEST SF OF 1973"

"ISLANDS IN THE SKY", ARTHUR C. CLARKE (1960)
"ISLANDS IN THE SKY", ARTHUR C. CLARKE (1960)

"NEPTUNE'S TOMB"
"NEPTUNE'S TOMB"

"ASTOUNDING TALES OF SPACE AND TIME", JOHN W. CAMPBELL (1964)
"ASTOUNDING TALES OF SPACE AND TIME", JOHN W. CAMPBELL (1964)

PORTADA DEL LIBRO "THE ALIENS AMONG US", DE JAMES WHITE (1969)
PORTADA DEL LIBRO "THE ALIENS AMONG US", DE JAMES WHITE (1969)

"LAS ESTRELLAS MI DESTINO", ALFRED BESTER (1970)
"LAS ESTRELLAS MI DESTINO", ALFRED BESTER (1970)

"EL MUNDO DE LOS NO-A", DE A. E. VAN VOGT (1974)
"EL MUNDO DE LOS NO-A", DE A. E. VAN VOGT (1974)

PORTADA DE "EL FABULOSO MUNDO DE ROBERT SHECKLEY" (1979)
PORTADA DE "EL FABULOSO MUNDO DE ROBERT SHECKLEY" (1979)

"JOURNEY TO MEMBLIAR", DE SHARON BAKER (1987)
"JOURNEY TO MEMBLIAR", DE SHARON BAKER (1987)

PORTADA DE LA REVISTA "TOMORROW: SPECULATIVE FICTION" (1994)
PORTADA DE LA REVISTA "TOMORROW: SPECULATIVE FICTION" (1994)

Las vacaciones de Semana Santa no interrumpen la llegada a las librerías de nuevos lanzamientos, como los que nos trae Diábolo Ediciones para este mes de abril. Comencemos con un libro excepcional: Mazinger Z. Guía de la Serie de Animación, de Marc Escarrá. Este monográfico ahonda en todas las vertientes de un anime que marcó toda una generación: las bestias mecánicas, aquellos maravillosos villanos como el Barón Ashler, el Doctor Infierno, los entrañables amigos de Koji y Sayaka... 

Novedades de Diabolo Ediciones para Abril de 2019

Los fans del dibujante español Guillem March están de enhorabuena porque Diabolo lanza un segundo volumen de ilustraciones con la figura femenina como protagonista. En Summer Muse II, el artista que ha triunfado en USA en colecciones como Batman o Harley Quinn vuelve a demostrar  su increíble dominio de la anatomía femenina.

Otras novedades de este mes son La Tele de los 70: del Blanco y Negro al Color, de Miguel  Herrero, y Robots de Cine: de María a Alita, de Jordi Ojeda. Para más detalles echa un vistazo al siguiente  PDF.

Todavía con la resaca del recién finalizado 37 Salón del Comic de Barcelona, ECC Ediciones nos presenta sus flamantes novedades para el mes de junio, lanzamientos que irán llegando a las librerías a lo largo de mayo. Uno de estos lanzamientos es la edición deluxe de Noches Oscuras: Metal, un tomo que recopila la totalidad del evento surgido de la mente y el lápiz de Scott Snyder y Greg Capullo.

ECC Ediciones: Novedades de Junio de 2019

La boda de BatmanCatwoman ha dejado a los fans con más preguntas que respuestas. Una de ellas es, precisamente, qué ha sucedido con Selina Kyle, algo sobre  lo que abunda la guionista y dibujante Joëlle Jones en el especial Catwoman: Imitadoras.

De Gotham nos trasladamos  al universo Vértigo, con la reedición  de un cómic  imprescindible: Transmetropolitan, de Warren Ellis y Darick Robertson. La serie, publicada entre 1997 y 2002, es ahora recopilada por ECC en cinco lujosos tomos repletos de extras. 

Esto es solo una pequeña muestra de lo que ECC Ediciones nos tiene preparados para el próximo junio. Si deseas conocer el resto de publicaciones, echa un vistazo al siguiente PDF.

Estrenada en el 2000, X-Men inauguró una saga de películas basadas en los mutantes de los cómics Marvel que aún hoy día, 18 años después, tiene continuidad con algunos de los actores originales interpretando los mismos papeles. Sin embargo, los mutantes con habilidades especiales en la gran pantalla no se reducen a los X-Men, sino que podría decirse que constituyen todo un subgénero de la ciencia ficción cinematográfica. He aquí ocho películas de mutantes con poderes que nada tienen que ver con los X-Men... salvo algún clamoroso plagio.

Carrie (1976)

La Furia (The Fury, 1978)

Dirigida por Brian De Palma y con una banda sonora nada menos que de John Williams, esta película giraba en torno a una agencia secreta del gobierno estadounidense que reclutaba chicos con poderes psíquicos con el fin de convertirlos en asesinos. La cinta es un batiburrillo que mezcla la temática política, tan propia de la época, el cine de espías y el de suspense. El film fue protagonizado por Kirk Douglas a petición del propio De Palma, ya que este pensaba que el fracaso de su anterior película, Carrie (1976), se debió a que no contó en su elenco con ninguna estrella.

Push (2009)

Esta irregular película podría decirse que es casi un remake de la anterior, ya que también giraba en torno a un grupo de jóvenes con poderes que intentan ser controlados por una agencia secreta gubernamental. El film está protagonizado por Chris Evans, en el que fue su tercer papel interpretando a un sujeto con habilidades especiales. En algunos países de habla hispana se tituló "Héroes", lo que confundió a muchos espectadores al creer que la película tenía algo que ver con la serie de televisión del mismo título.

Una Cuestión de Tiempo (About Time, 2013)

Antes de enfundarse el uniforme de la Primera Orden como General HuxDomhnall Gleeson encarnó a un joven con el poder de viajar en el tiempo con una particularidad: no es capaz de cambiar el curso de la historia con sus actos pero sí el de su propia vida. El tema de los romances a través del tiempo es tan común en el cine que da hasta para otra lista de la que, posiblemente, me encargue otro día. Quien le cogió el gusto a este subgénero fue Rachel McAdams, quien también interpreta a la mujer de un viajero temporal en Más Allá del Tiempo (The Time Traveler's Wife, 2009).

Cromosoma 3 (The Brood, 1979)

En esta inquietante película, el realizador canadiense David Cronenberg llevaba al extremo la premisa según la cual algunas personas son capaces de provocarse enfermedades o incluso autolesionarse solo con el poder de su propia mente. Samantha Eggar interpreta a una mujer con problemas psíquicos la cual, tras recibir una innovadora terapia, desarrolla la capacidad de "dar a luz" seres nacidos de su propia rabia. Cronenberg escribió el guion tras un complicado proceso de divorcio, confesando incluso que muchos de los rasgos del personaje de Samatha Eggar tenían mucho en común con los de su ex-mujer.

Powder (Pura Energía, 1995)

En esta película, Sean Patrick Flanery encarnaba a un chico albino con poderes especiales relacionados con la electricidad que, como es habitual, ha de enfrentarse al rechazo de los que le rodean. Esta película, distribuida por Disney, estuvo envuelta en una gran controversia debido a que su director, Victor Salva, había cumplido una condena en prisión por abusos a un menor. El resultado en taquilla fue mediocre, debido en parte a este escándalo. Disney no volvió a contar con este director para ninguna película más.

Jumper (2008)

Tras encarnar a Anakin Skywalker en la denostada nueva trilogía de Star Wars, ahora reivindicada por los que abominan de Los Últimos JediHayden Christensen interpretó a un chico con el increíble poder de teletransportarse a cualquier lugar del mundo, un papel que en principio iba a ser para el rapero Eminem. Obviamente, con un poder así, lo primero que se le ocurre es colarse en la caja fuerte de un banco. El guion, de David S. Goyer (Batman V Superman, 2016), está basado en el libro homónimo del escritor de ciencia ficción Steven Gould, quien ha escrito, hasta la fecha, tres entregas más basadas en estos personajes.

Carrie (1976)

De nuevo De Palma y de nuevo mutantes con poderes telequinéticos... y otra vez basándose en una novela de Stephen King. Esta vez una chica, interpretada por Sissy Spacek, es la que desencadena sus habilidades especiales debido a la presión que recibe de su madre, una fanática religiosa, y el acoso de sus compañeros de instituto. Como seguramente sabrás, la cosa termina como el rosario de la aurora... Spacek, como otras muchas actrices en papeles de adolescente, era bastante mayor que su personaje, 25 años, mientras que Carrie tenía solo 17.

Sky High: Una Escuela de Altos Vuelos (2005)

Esta comedia de Disney para adolescentes gira en torno a una escuela de superhéroes (que no son de los cómics y por eso están en esta lista) en un mundo en el que estos son aceptados por la sociedad. Curiosamente, el protagonista es un chico sin poderes, que oculta este hecho a sus padres, una pareja de héroes interpretada por Kurt Russell y Kelly Preston. Curiosamente, el personaje de Lynda Carter llevaba unos brazaletes en honor a su papel en la serie de Wonder Woman de los 70s. Sin embargo, Warner Bros. se opuso a que se hiciera referencia alguna al personaje de DC Comics en un film Disney.

¿Quién no conoce a los personajes más famosos de los cómics? Hoy en día, las películas tienen el poder de popularizar aún más a estos personajes que conviven con nosotros desde hace décadas. Los casinos no han podido dejar de incluirlos y ahora también viven en las máquinas y juegos de la mayoría de ellos, especialmente en las tragamonedas, ya que en estos juegos muchas veces se desarrollan historias temáticas en las que pueden estar incluidos los superhéroes, clásicos y personajes del cine y muchos héroes y villanos de las películas animadas.

Tragaperras Terminator 2

Es importante destacar que las historias que se desarrollan en las películas del cine internacional son un tema muy habitual en las máquinas tragamonedas. Por ejemplo, hoy existen tragamonedas (o tragaperras) con temas como Gladiator, RoboCop, Matrix e Indiana Jones, entre otros.

La atracción de estos juegos se basa en sus gráficas y su atractiva música de fondo, pero las historias y sus personajes aportan un valor muy importante. Naturalmente, hoy en día, las tragaperras son muy diferentes a las primeras máquinas y mucho más sofisticadas.

Los personajes de las películas de animación son lo suficientemente encantadores para atraer a una gran cantidad de público a través de los juegos de casino. Personajes como los que conviven con la Pantera Rosa, aparecen en South Park o forman las familias de Los Picapiedras divierten a los jugadores mientras apuestan en las tragaperras.

Los desarrolladores de software para los juegos de casinos online también utilizan los mismos temas que los de los casinos tradicionales, y sus juegos muestran las mejores gráficas del mercado. Por ejemplo, en Casino777 las tragaperras presentan personajes legendarios de historias y aventuras recordadas por todos, además de personajes de la música y actuación.

Por otro lado, los artistas que desarrollan las historias y los dibujos que vemos habitualmente en los cómics se nutren de la creatividad de los juegos de casino. Este es el caso del póquer que aparece con frecuencia en las historietas más reconocidas, especialmente las de Marvel, cuyos personajes han jugado este juego varias veces. De hecho, Iron Man, Hulk y otros superhéroes se han enfrentado en famosas partidas de póquer. 

Asimismo, DC Comics ha hecho su aparición en los juegos de casino con sus personajes más reconocidos en el mundo. Sus superhéroes se reúnen en las tragaperras de la Liga de la Justicia para comenzar nuevas aventuras y luchar contra los malos. En los rodillos, los apostadores se van a encontrar con Cyborg, la Mujer Maravilla y Batman, o un Wild que trae ventajas únicas. Este juego tiene un pozo progresivo y es un desarrollo de Playtech. Seguramente, esta alianza entre los cómics y los juegos de casino va a seguir creciendo para la diversión de los apostadores.

La coincidencia en la cartelera de dos películas como ¡Shazam! y Capitana Marvel ha supuesto una de esas casualidades que en ocasiones se dan en el mundo del cine. Y digo casualidad porque, precisamente, Marvel registró los derechos del nombre Capitán Marvel en 1968, al percatarse de que estaban libres. Como consecuencia de ello, DC Comics se vio obligada a relanzar a su personaje no ya como Capitán Marvel, sino como Shazam, la palabra mágica que le otorgaba sus increíbles poderes. Lejos ya de cualquier posible confusión entre personajes, llega a las salas de cine ¡Shazam!, una película dirigida por David F. Sandberg (Annabelle: CreationNunca Apagues la Luz) en la que el realizador sueco abandona el género del terror para adentrarse en la comedia superheroica.

¡Shazam! (2019)

Aunque los intentos de llevar a la pantalla grande al personaje datan de principios de este siglo, ya existían numerosas adaptaciones de Shazam tanto al cine como a la televisión. De hecho, uno de los primeros superhéroes en ser llevado al cine en forma de serial fue el Capitán Marvel, allá por los años 40 del pasado siglo. Esta nueva versión, que se decanta por explorar el lado cómico del personaje, es un intento por parte de Warner Bros. de dar un golpe de timón a su Universo Extendido DC, con producciones más modestas protagonizadas por héroes menos conocidos pero con mucho potencial. De hecho, se trata casi de la misma estrategia que llevó a cabo Marvel Studios con el primer Iron Man y que tan buenos resultados le dio.

¡Shazam! es, obviamente, una película de origen. Irónicamente, no comienza relatando el origen del protagonista, sino el de uno de sus archienemigos, el Dr. Thaddeus Sivana, al que da vida el actor inglés Mark Strong. Sivana es el segundo personaje de DC Comics que Strong interpreta. Seguro que todos lo recordamos como el villano Sinestro en la infame Green Lantern de 2011. La primera secuencia de la película se centra, por tanto, en un joven Sivana, abducido por fuerzas mágicas que lo conducen a la Roca de la Eternidad, refugio del último de los magos, de nombre Shazam (Djimon Hounsou). El mago, que busca ceder su poder a un humano puro de corazón, ve como Sivana falla en la prueba a la que es sometido, provocando que este pase toda su vida buscando cómo volver a aquel lugar para tener una segunda oportunidad. 

Jack Dylan Grazer, Zachary Levi

Tras esta secuencia inicial, y ya en la actualidad, se nos presenta al protagonista de la historia: Billy Batson (Asher Angel), un chico obsesionado con encontrar a su madre y que solo ha conocido hogares de acogida. Tras ser asignado a una nueva familia, Billy conecta especialmente con uno de los huérfanos, Freddy Freeman (Jack Dylan Grazer), un chico discapacitado que sufre los abusos de un par de alumnos del colegio al que acuden. Precisamente por salir en ayuda de Freddy, Batson tendrá que huir de los matones, subiendo al vagón de metro que le conducirá a la cueva del mago que le elegirá como nuevo Shazam.

Una de las bazas más importantes con la que contaban los guionistas de esta película es el hecho de tener como protagonista un chico de catorce años con el cuerpo de un adulto de treinta y tantos. Esta situación, sin duda, ofrece infinidad de oportunidades de plantear situaciones cómicas y absurdas, precisamente a lo que asistimos en esta película. Pero, contrariamente a otras producciones en las que el humor es introducido con calzador (y no me refiero solamente a las de Marvel Studios, también alguna que otra del Universo Expandido DC), en ¡Shazam! la comicidad fluye con naturalidad, fruto de la excelente relación que establecen sus tres protagonistas, Freddy, Billy y el alter ego de este, el propio Shazam, al que da vida un inspirado Zachari Levi.

Mark Strong, Zachary Levi

Otras de las cualidades de la película que dirige David F. Sandberg es el balance entre el humor y el drama. ¡Shazam! es, básicamente, una comedia pero, sin embargo, el drama está bien presente. Está presente en el menosprecio del padre y hermano mayor de Sivana hacia este desde pequeño, y cómo ese menosprecio crece hasta convertirlo en todo un supervillano. Está presente también en el hecho de que Billy Batson no ha conocido otra vida que ir rodando por familias de acogida, siempre escapando para buscar a su madre perdida. De hecho, este es el mayor drama que retrata el film, sobre todo cuando Batson descubre la verdad que se esconde tras su madre desaparecida, todo un golpe en el estómago que, aunque el espectador es capaz de prever, no por ello deja de tener su impacto.

Otro de los aspectos que retrata de manera muy divertida esta película es la evolución del héroe. La evolución de Batson hasta convertirse en el héroe que vemos al final de la película está muy bien retratada. En realidad, solo en el último tercio del film vemos a un Shazam ya plenamente consciente de que "un gran poder conlleva una gran responsabilidad". Hasta ese momento, asistimos a una sucesión de escenas en la que Shazam y su sidekick Freddy Freeman exploran las recién adquiridas capacidades del héroe de las formas más divertidas. Es en esta parte de la película en la que cualquier espectador avezado podrá descubrir, aquí y allá, guiños a películas como Big (ese piano gigante de la tienda de juguetes), Dos Tontos Muy Tontos (cuando Shazam y Freddy salen cargados de chucherías de la tienda), Un Padre en Apuros (la pelea en la juguetería), y muchos más.

Jack Dylan Grazer, Zachary Levi

Quien vaya a ver ¡Shazam! esperando ver mucha acción quizás se sienta decepcionado. Solo al final de la cinta, coincidiendo con el enfrentamiento final con Sivana y sus Siete Pecados Capitales, asistimos a lo que normalmente esperaríamos de un film de superhéroes. Se rumorea que New Line Cinema, la productora de Warner Bros. que ha realizado el film, solo se ha gastado unos setenta millones de dólares. Estamos, por tanto, ante una película modesta para los estándares actuales del cine de superhéroes. Pero ¡Shazam! no es una película de superhéroes al uso, ni falta que le hace. Es una tremendamente divertida historia de origen, familiar pero a la vez inmersa en el Universo Cinematográfico DC, considerablemente más oscuro que el retratado en las películas de Marvel Studios

Esa aparente dualidad, en cambio, no hace que el espectador sienta que está viendo una historia que sucede en otro universo distinto al de Superman, Batman, Wonder Woman o Aquaman, ya que estos personajes, de un modo u otro, acaban haciendo su pequeña aportación a la historia. De hecho, uno de ellos hace una aparición estelar en la película, aunque no del modo en que a los fans del personaje nos habría gustado, posiblemente por razones contractuales.


No te voy a engañar: no soy un gran seguidor de Shazam en los cómics. Quizás por ello se me habrán escapado muchos de los numerosos guiños que los guionistas se han encargado de ir dejando por la historia. De hecho, tuve que informarme del significado de las dos escenas post-créditos que tiene la película, ya que en una de ellas aparece un peculiar personaje que fui incapaz de reconocer. La cinta, para quien sea fan del personaje, es todo un festín de guiños y referencias casi continuas, pero tan bien introducidas en la trama que no llegan a cansar ni distraen.

En resumen, ¡Shazam! es esa película que los fans del Universo DC más temíamos que llegara... pero que más hemos disfrutado finalmente. Si entras en su juego, la película puede ofrecer casi todo lo que buscarías en un film de origen, aderezado con generosas dosis de humor y salpimentado con una pizca de drama. Si bien tuve mis reticencias cuando vi a Zachari Levi por primera vez vestido de Shazam, mis temores se desvanecieron al verlo actuar. Sin duda, se nota que el actor se siente cómodo con el papel, seguro que infinitamente más que como su desperdiciado Fandral de las películas de Thor. Casi bordeando la parodia, pero sin caer en ella, ¡Shazam! es un soplo de aire fresco al drama por el que apuestan tanto la franquicia DC como la Marvel, al mismo tiempo que todo un puñetazo en la cara a aquellos que siguen pensando que el cine de superhéroes está agotado.

El artista británico Ricky Gervais está resultando ser de lo más prolífico y polifacético. Su última apuesta en Netflix, After Life, escrita y protagonizada por él, cumple con la costumbre británica de hacer temporadas de seis episodios de media hora de duración. Para los que estamos bastante ocupados y nos da pereza embarcarnos en temporadas eternas, es un aliciente. Así que me animé a verla sin saber cuál era la temática, y a pesar de que el nombre de la serie no es especialmente atrayente. Una vez vista completa, debo decir que la he encontrado de lo más recomendable y que, si os animáis a verla, difícilmente os arrepentireis.

After Life, de Ricky Gervais

Ricky Gervais interpreta a Tony, un periodista de un periódico gratuito local sin mayor trascendencia, que acaba de perder a su mujer por un cáncer. El estado depresivo y desesperado de Tony ante la tragedia es el comienzo de la serie. Al no tener hijos, la compañía se reduce a su perra y a los vídeos que su mujer le dejó grabados para ayudarle a pasar el trance de su ausencia. Gracias a ellos conocemos  la gran complicidad que tenían, sin caer en romanticismos estereotipados. Nos hacemos una idea de cómo eran como pareja y entendemos bien el dolor del protagonista.

A pesar de lo que pudiera parecer, Ricky Gervais interpreta bien su papel de hombre venido abajo, que se dedica a trolear todo lo que se le pone por delante: compañeros de trabajo, su psiquiatra, titulares de periódicos, las absurdas limitaciones al menú infantil en los comercios y, sobre todo, en su visión del tipo de noticias que trata su gaceta. Es aquí donde los fans de Gervais podrán ver su lado más corrosivo, resumidas en su famosa frase: "porque algo te moleste, no por eso está mal". 

A pesar de lo que pudiera parecer, Ricky Gervais interpreta bien su papel de hombre venido abajo, que se dedica a trolear todo lo que se le pone por delante


Sin embargo, no estamos ante una comedia, sino ante una serie que retrata una vida común y corriente, con secundarios que tratan de ayudar a Tony con su dolor, sin conseguir mucho aparentemente. Destacaría a su jefe, hermano además de la fallecida, perfectamente caracterizado como buena persona, sensible y empática, de la que se aprovechan sus trabajadores. Las personas que se va encontrando Tony en su camino nos hacen el transcurrir de la serie muy agradable, pues todos son interesantes y aportan al protagonista una nueva forma de ver las cosas, contribuyendo a su recuperación. Nunca cae en la ñoñez, ni en el drama extremo. Todo cuanto acontece en la serie se siente muy plausible, y la evolución del protagonista a través de ella. Además, está perfectamente ajustada a sus seis episodios y a la duración de media hora que tiene cada uno de ellos.

After Life, de Ricky Gervais
EL ELENCO DE PERSONAJES QUE ACOMPAÑAN A TONY NO ES CASUAL

Se empatiza enormemente con Tony al principio y, yo al menos, coincido con la serie en reclamar ese derecho a darte tu tiempo ante una tragedia de tal calibre, y no tener que obligarse a estar bien a toda costa. No siempre se ayuda queriendo animar, sino compartiendo la frustración que supone una calamidad como perder a tu pareja de esa manera. Actualmente, la sociedad parece querer evitar cualquier tipo de dolor por todos los medios, con mensajes positivos ante cualquier evento y con medicamentos que eviten el menor sufrimiento. Creo que las intenciones de Ricky Gervais posiblemente vayan por ahí, reclamar el derecho a estar mal, algo cada vez peor visto por el  buenrollismo imperante. 


Una propuesta que deberíais tener en cuenta entre la continua avalancha de estrenos seriéfilos en todas las plataformas actuales, y las que vendrán. Independientemente de lo que os parezca este cómico británico que suele generar polémica, dadle una oportunidad sin prejuicios. En este caso se abstiene de extremos políticamente incorrectos, y nos ofrece una producción muy disfrutable que sinceramente, recomiendo.

Una de las épocas más remarcables de los cómics es, posiblemente, la segunda mitad de los años 80. La publicación de obras como El Regreso del Señor de la Noche, de Frank Miller, de alguna manera inspiró al resto para dar lo mejor de sí mismos. Claro que Jim Starlin no es que necesitara, precisamente, tomar nota de nadie. Esta obra, de 1988, se ambienta en el final de la Guerra Fría, con un enemigo venido, directamente, de la Unión Soviética. Con un dibujo a cargo del irrepetible Jim Aparo, procedemos a analizar esta obra que acaba de reeditar ECC Ediciones en un volumen en tapa dura.

Batman: Las 10 Noches de la Bestia
NO ENTIENDO QUE LA PORTADA NO SEA DEL DIBUJANTE DE LA OBRA. NI QUE SEA TAN FEA...

Como ya hemos comentado, la obra ya apunta que el final de la Guerra Fría está cerca, de manera que cuida el origen del villano, apartándolo del cliché del simple ruso malo. Es inevitable pensar que este KGBestia se parece no mucho, sino muchísimo, a Bane, creado posteriormente (en Batman: Vengeance of Bane #1, enero de 1993). La obra de Starlin y Aparo dedica mucho tiempo a la narrativa, algo que ha dejado de hacerse en los cómics, pero no porque los lectores nos hayamos quejado. Es una historia compleja, que se toma su tiempo en explicarnos cómo llega el villano a Gotham, y las consecuencias que tiene su venida en la ciudad. La brutalidad de los crímenes de KGBestia eran raros para la época, y consiguen impresionar.

Batman se siente aturdido ante esta mole que debe enfrentar, hasta el punto de reconocer que ha encontrado a alguien superior a él. El Robin que le acompaña es Jason Todd, en una de las pocas historias realmente relevantes que tuvo ocasión de compartir antes de su fatal desenlace. Sin embargo, tiene un papel asistencial, lo cual es bastante más creíble que convertirlo en estrella. Starlin no ignora a Robin, pero sabe que el protagonista de su historia es Batman.

EL DISEÑO DEL TRAJE DE KGBESTIA... SE PUEDE MEJORAR, ENTONCES Y AHORA

Los enredos políticos (con invitado sorpresa), los dobles juegos, los disfraces y los misterios forman parte de la trama, necesitando toda tu atención para no perderte. Ya no se cuentan las historias de esta forma, y es un gustazo reencontrarse con este estilo.  

La sensación de angustia que genera las atrocidades de Anatoli Knyazev, la KGBestia, se va desarrollando a lo largo del tomo, y llegas a cuestionarte si Batman podrá con él. Estamos ante un Batman humano y urbano, lejísimo de ser el héroe infalible de los últimos tiempos. El tiempo que Starlin dedica al sufrimiento de Batman cayendo desde un edificio es brillante. Solo pondría la pega de que Jim Aparo no supo transmitir en sus dibujos la escena que provoca la decisión que hace caer a Batman. No se entiende, pues no cuadra con lo que se nos cuenta.

Batman: Las 10 Noches de la Bestia

Una historia bastante adulta, que destaca de principio a fin. De hecho, el final es bastante sorprendente, alejado de lo que se supone, deberíamos esperar. Me atrevería a decir que contradice la versión políticamente correcta que se le impone a Batman en los últimos tiempos, algo digno de celebrar.

El dibujo de Aparo para mi generación es clave para identificar a Batman. Entiendo que para los lectores actuales, esos fondos monocromáticos rosas o amarillos sean algo chocantes, pero yo los sigo disfrutando enormemente. Eso sí, reconozco que el diseño del traje del KGBestia es más apropiado para una película porno, pero la moda era la que era.

Un gran clásico, inteligente y audaz, que merece mucho la pena. Solo sorprende que este villano no haya tenido más relevancia posteriormente, seguramente porque el papel de villano ultrafuerte ha sido tomado por Bane. Curioso.

BATMAN: LAS DIEZ NOCHES DE LA BESTIA
ECC Ediciones
Edición original: Batman núms. 417 a 420 USA
Guion: Jim Starlin
Dibujo: Jim Aparo
Cartoné, 96 págs. A color
Precio: 12,95 €

Seguramente, si eres aficionado al mundo del cómic, te suene el nombre de Atlas Comics. Sí, es el nombre que recibió Marvel tras la II Guerra Mundial, hasta entonces conocida como Timely Comics. Hace unos años dediqué un  par de posts a este sello editorial que puedes leer aquí y aquí. La decisión de cambiar el nombre fue de Martin Goodman, quien fundara la editorial en 1939. Fue Goodman quien, en los años setenta, tras abandonar la Casa de las Ideas, crea una nueva editorial, Seaboard Periodicals, cuyo división de cómics es bautizada, precisamente, Atlas Comics. Pero ¿por qué nadie recuerda ya estos cómics? ¿Tan corta fue su carrera? ¿Por qué sus portadas eran tan similares a las de Marvel? A continuación, intentaré despejar estas y otras incógnitas acerca de uno de los sellos más efímeros del mundo del cómic.

MORLOCK 2001 #2, PORTADA DE LARRY LIEBER
MORLOCK 2001 #2, PORTADA DE LARRY LIEBER

ENTRE "PRIMOS" ANDA EL JUEGO

Como desvela el historiador del cómic Jason Sacks en su obra American Comic Book Chronicles: The 1970s, la fundación de Atlas Comics por Goodman no fue más que una especie de venganza contra la que había sido su compañía durante más de treinta años. En 1968, Goodman vendió Marvel a la compañía Perfect Film and Chemical con el compromiso de que mantuvieran el icónico nombre y a su hijo, Charles "Chip" Goodman, como director editorial. Sin embargo, en 1973, Stan Lee, que era primo político de Goodman, pasó a ocupar el sillón de editor de Marvel, dejando a Chip Goodman en la calle.

Martin Goodman
EN 1937, MARTIN GOODMAN EVITÓ MORIR EN EL DIRIGIBLE HINDENBURG AL CANCELAR SUS BILLETES EN EL ÚLTIMO MOMENTO

LA VENGANZA DE MARTIN GOODMAN

Contrariado por la situación, Goodman padre decidió contraatacar. ¿Cómo? Creando una nueva editorial de cómics con la intención de rivalizar con Marvel. De este modo mataba dos pájaros de un tiro: se vengaba de los propietarios de la editorial por no mantener el trato y daba un "carguito" a su hijo Charles. Para que sus intenciones de revancha fueran más evidentes, Goodman escogió el nombre de Atlas Comics para su división de historietas, como he dicho más arriba, una de las marcas de la Casa de las Ideas antes de convertirse en Marvel.

DIFUSIÓN, VENTAS, CALIDAD, COMPETENCIA... Y SED DE VENGANZA

Estos eran, básicamente, los objetivos que Martin Goodman perseguía con su maniobra. Sus intenciones eran implantar rápidamente sus cómics en los puntos de venta, ofrecer calidad, vender, convertirse en un competidor serio de Marvel, a la vez que se vengaba de su compañía propietaria, ahora llamada Cadence Industries. Marvel había tardado casi 35 años en alcanzar el éxito del que disfrutaba en los setentas, entonces, ¿cómo iba a lograrlo Atlas Comics con la rapidez que Goodman quería? Pues a base de convertirse en uno de los editores que más pagaba a sus guionistas y dibujantes.

PLANET OF THE VAMPIRES #2, PORTADA DE NEIL ADAMS Y DICK GIORDANO
PLANET OF THE VAMPIRES #2, PORTADA DE NEAL ADAMS Y DICK GIORDANO

PODEROSO CABALLERO ES DON DINERO

Según cuenta Jason Sacks en su obra, el dibujante portorriqueño Ernie Colón (La Espada Salvaje de Conan, John Carter), al ser entrevistado para unirse al proyecto de Goodman, solicitó 65 $ por página. Obviamente, el artista había inflado su tarifa para la negociación. Sin embargo, Jeff Rovin, contratado por Goodman como editor de su línea de comic books a color, le dijo que "él valía más que eso", añadiendo 40 $ a lo que Colón pedía. Goodman no solo ofreció más dinero a escritores y artistas, sino algo mucho más importante: participación en los beneficios y respetar la autoría de los personajes que crearan para la editorial. Los personajes ya no pertenecerían a la editorial, como ocurría en Marvel y DC, sino a los autores que los habían creado.

LA IMPRESIONANTE PLANTILLA DE ATLAS COMICS

Con estas atractivas condiciones, Goodman consiguió reclutar a algunas de la figuras más prominentes del cómic norteamericano de la época. Además de Colón, nombres como Neal Adams, Pat Boyette, Howard Chaykin, Steve Ditko, Dick Giordano, Archie Goodwin, Russ Heath, Jeff Jones, Pablo Marcos, Al Milgrom, Larry Lieber (hermano de Stan Lee), Walt Simonson, Wally Wood, Frank Thorne o Alex Thot, entre otros, pararon a formar parte del proyecto de Martin Goodman. La cosa pintaba bien, ¿verdad?

TALES OF EVIL #3, ATLAS COMICS
TALES OF EVIL #3, ATLAS COMICS, PORTADA DE RICK BUCKLER

LAS PINTORESCAS COLECCIONES DE ATLAS COMICS

Entre las 28 colecciones (23 en formato comic book y 5 magazines) que lanzó Atlas al mercado podemos encontrar nombres tan sugerentes como Blazing Battle Tales (una especie de Sargento Rock), Ironjaw (un cómic de espada y brujería al estilo Conan), The Scorpion (personaje que Howard Chaykin reciclaría más tarde para Marvel) o Planet of Vampires, una curiosa mezcla entre lo cósmico y el horror. Ninguna de las colecciones superó los cuatro números. Algunas, incluso, solo tuvieron un número, como Barbarians, en el que, por cierto, el español Jordi Bernet (Torpedo 1936) dibujaba una de sus historias. También es el caso de Fright, un cómic protagonizado nada menos que por el Hijo de Drácula, escrito por Gary Friedrich (Ghost Rider, Sargento Furia) y dibujado por Frank Thorne (Ghita de Alizarr, Red Sonja).

LOS PROBLEMAS CRECEN

Pagar tan bien a sus artistas y escritores y lanzar tantas colecciones a la vez en tan poco tiempo pasó factura a los Goodman, padre e hijo. El mercado del comic book no era tan boyante como Goodman esperaba como para sostener los elevados sueldos de su plantilla. Debido a ello, tuvo que contratar autores y artistas más jóvenes y, por tanto, más baratos. Goodman, por su parte, tampoco estaba demasiado contento con el contenido de las colecciones. Por ejemplo, pensaba que el dibujo de Chaykin en The Scorpion era confuso y el guion demasiado sofisticado. Tampoco estaba conforme con la ambientación futurista de la colección Morlock 2001, y asignó a Steve Ditko a la colección de Tiger-Man para hacerlo más similar a Spider-Man. La distribución de las colecciones también tuvieron su parte de culpa en el declive de la editorial. De hecho, parece que, mientras los libreros se quejaban de que los cómics de Atlas no llegaban a sus negocios, miles de ejemplares languidecían en los almacenes...
PRIMERA PÁGINA DE THE DESTRUCTOR #1, DIBUJADO POR STEVE DITKO Y WALLY WOOD Y CON GUION DE ARCHIE GOODWIN
PRIMERA PÁGINA DE THE DESTRUCTOR #1, DIBUJADO POR STEVE DITKO Y WALLY WOOD Y CON GUION DE ARCHIE GOODWIN

LA VIEJA FÓRMULA DE COPIAR LO EXITOSO

¿Por qué las portadas de las colecciones de Atlas Comics nos recuerdan tanto a las de Marvel? Simplemente, por la obsesión de Martin Goodman de copiar el estilo de la Casa de las Ideas. Goodman no estaba haciendo otra cosa que intentar repetir la fórmula que había implementado cuando dirigió Marvel durante tres décadas: copiar los cómics que se vendían bien en cada momento y pasar al siguiente cuando la fórmula se agotaba. En su afán por mimetizar a Marvel, ordenó cambios radicales en varias colecciones cuando no habían alcanzado ni los cuatro números.  

EL PRINCIPIO DEL FIN

Probablemente, habrás sospechado que Chip Goodman era solo un hombre de paja dado que apenas me he referido a él. Estás en lo cierto. Quien tomaba las decisiones importantes en la editorial era su padre. Los cambios que demandó a sus artistas y guionistas hicieron que muchos de ellos se marcharan. Jeff Rovin, editor de los comics books en color, dimitió, pasando el hermano menor de Stan Lee, Larry Lieber, a ocuparse de esta línea junto a los magazines. Es decir, todas las publicaciones de Atlas/Seabord. Lieber, que carecía del empuje y la visión de su hermano mayor, se vio desbordado enseguida por tal cantidad de trabajo y responsabilidad.

STAN LEE JUNTO A SU HERMANO MENOR LARRY LIEBER
STAN LEE JUNTO A SU HERMANO MENOR LARRY LIEBER

LA AVENTURA DE ATLAS COMICS LLEGA A SU FIN

Atlas Comics cancela sus publicaciones en otoño de 1975 tras solo 67 números publicados, quizás demasiados para tan efímera existencia. Goodman se retiró y su hijo se dedicó al mundo de los magazines para adultos, abarcando gran variedad de temáticas. El hijo de Charles "Chip" Goodman intentó, en 2010, revivir los viejos cómics de Atlas de su abuelo. Se relanzaron colecciones de Atlas como Grim Ghost o Phoenix, ambas con siete números.

Y esta es, a grandes rasgos, la breve historia de una aventura editorial, Atlas Comics, que quiso hacer sombra a Marvel. Tenía todos los ingredientes para el éxito pero falló estrepitosamente, quizás por la soberbia de su creador, quizás porque carecía de alguien que agarrara firmemente el timón y fijara un rumbo, como Stan Lee en la Casa de las Ideas. Quién sabe...

H. P. Lovecraft es, sin temor a equivocarme, uno de los autores más influyentes del siglo XX. Pocos escritores pueden presumir de haber ejercido su influencia en tantos autores posteriores (y coetáneos), unidos todos por la fascinación por el misterio y el terror. No es extraño, por tanto, que se publiquen tantos ensayos, monografías y estudios en torno al autor de Providence, glosando la vida y obra de tan singular escritor. H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas es una de esas obras. Escrito por Agustín Conde de Boeck (San Miguel de Tucumán, Argentina, 1987) e ilustrado primorosamente por su hermano Hernán, este estudio es, a la vez, una guía literaria y una biografía de Lovecraft. Publicado en España por Diábolo Ediciones, este volumen toca todos y cada uno de los aspectos de la vida del maestro del terror cósmico, al mismo tiempo que analiza la mayoría de sus relatos.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas

El libro se encuentra dividido en más de un centenar de breves capítulos, de extensión variable, en los que el autor, licenciado en Literatura y especialista en narrativa fantástica, desgrana la vida y obra de Lovecraft. No se trata de una biografía lineal; los temas que trata de Boeck en su obra saltan de la anécdota al episodio biográfico, alternado entre ambos el análisis de tal o cual relato. El texto, en consecuencia, es menos pormenorizado que otras biografías del autor, como la que escribió L. Sprague de Camp y que ya reseñé aquí.

No obstante, la obra de Agustín y Hernán Conde de Boeck no carece de profundidad. Más bien al contrario. De hecho, lo más destacable del volumen, aparte de la parte biográfica y las inquietantes ilustraciones, son los acertados análisis que el autor hace de las narraciones lovecraftianas. Estamos ante una especie de "Lovecraft Anotado", solo que nos faltan los relatos. La práctica totalidad de la producción literaria de Lovecraft es diseccionada por el autor argentino, deteniéndose en las influencias del autor de Providence y dando un trasfondo sus narraciones.

La práctica totalidad de la producción literaria de Lovecraft es diseccionada por el autor argentino


Tras una primera parte en la que de Boeck nos describe a un joven Lovecraft, así como sus cuentos primerizos, el autor del ensayo comienza a comentar sus relatos más conocidos, siguiendo un orden cronológico. Entremetidos entre relato y relato, el autor intercala piezas de la vida de Howard Phillips Lovecraft, ayudando con ello a dibujar el contexto en el que fueron creados sus cuentos y novelas cortas. Se trata, por tanto, de un estudio en el que el análisis de los relatos va plasmando un fresco del universo lovecraftiano, de sus personajes, deidades, lugares y criaturas, así como de las relaciones existentes entre todos esos elementos. De este modo, a lo largo de este ensayo vamos aprendiendo a distinguir entre las distintas etapas del autor de Providence, como su Ciclo Onírico, su Ciclo de Randolph Carter o los propios Mitos de Cthulhu, un concepto, por cierto, que Lovecraft nunca se preocupó de sistematizar.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas

Esta manera de combinar la vida del Solitario de Providence con el análisis de su producción literaria hace que la lectura de esta obra sea amena a la par que apasionante. Sin embargo, hay que advertir que no estamos ante una lectura ligera. La cantidad de datos y referencias que un experto en literatura fantástica como de Boeck vierte en este ensayo hace que debamos enfrentarnos a este libro con paciencia, degustando y digiriendo con calma el enorme torrente de información que destila la obra de Lovecraft. Influencias, autores fetiche, ideologías, sentimientos, fobias... todo tiene su impacto en la obra lovecraftiana y así lo deja de manifiesto de Boeck en su libro.

No estamos, por tanto, ante un libro más sobre el autor de Providence, sino ante un estudio sesudo sobre su obra, uno de los más completos que, hasta ahora, he leído en castellano. Quizás las ilustraciones que acompañan al texto, a medio camino entre el horror y la caricatura, hagan pensar que estamos ante una biografía de Lovecraft para dummies. Nada de eso. H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas nada tiene que envidiar a otros ensayos más académicos, como los diversos libros escritos por el experto S. T. Joshi.

Influencias, autores fetiche, ideologías, sentimientos, fobias... todo tiene su impacto en la obra lovecraftiana y así lo deja de manifiesto de Boeck en su libro


Otro valor añadido de este libro son sus ilustraciones. Realizadas por el hermano del autor, constituyen todo un bestiario de las criaturas surgidas de la imaginación de Lovecraft. En otros casos, se trata de caricaturas del autor de Providence como un personaje más de sus propias narraciones. Estas ilustraciones, de línea clara, a color y en blanco y negro, imitando en ocasiones los grabados que ilustraban antiguas ediciones, son el soporte perfecto para una obra, ya de por sí, de gran interés para todo aficionado a la literatura de terror.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas

El volumen concluye con un útil listado de la obra de Lovecraft, en el que se detalla el título original, el año de publicación, el formato (cuento, novela corta, poema, ensayo...) y, algo muy importante, si fue escrito en colaboración con otro autor. Quienes amen la obra de Lovecraft sabrán apreciar este listado, especialmente útil para completistas, buscadores impenitentes de cuentos perdidos, antologías y ediciones raras de sus relatos. 

Quienes nos asomamos al horror cósmico por primera vez de la mano de Lovecraft siempre buscaremos nuevas narraciones que nos recuerden su obra. Los escritos del llamado Círculo de Lovecraft (Robert Bloch, Clark Ashton Smith, August Derleth, entre otros), así como la obra de literatos posteriores, como Brian Lumley o Thomas Ligotti, siguen ahondando en la inagotable veta del terror cósmico. Pocos autores norteamericanos han influenciado tanto a escritores posteriores, un hecho que Agustín Conde de Boeck se encarga muy bien de poner de relieve en su libro. 

En definitiva, H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas es una obra que, lejos de lo que sugiere su casi cómica portada, constituye un completo estudio sobre el autor de Providence y sus relatos. No estamos ante una obra superficial, sino ante un libro serio y fundamentado sobre la narrativa lovecraftiana y los elementos de la vida del autor de Providence que ayudaron a darle forma. Agustín y Hernán, que actualmente tienen en proyecto estudios similares de otros maestros del fantástico, como E.T.A. Hoffman o Ligotti, han sabido conjugar el tono académico con el divulgativo, logrando captar desde la primera página tanto al fan acérrimo de Lovecraft, como este que escribe, como a cualquier amante de la literatura en general.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas
Autor: Agustín Conde de Boeck, con ilustraciones de Hernán Conde de Boeck
Diábolo Ediciones
Cartoné, B/N y color, 269 págs.
Precio: 27,95 €


Posiblemente ya lo sabrás, pero no está de más recordarlo. Del 5 al 7 de abril se celebra en Barcelona su 37º Salón del Cómic en el que, por supuesto, ECC Ediciones estará presente mostrando todas sus publicaciones en un espectacular stand. Además, y como es habitual, habrá autores invitados, como Lee Bermejo, el excepcional artista de obras como Antes de Watchmen: RorschachBatman: NoelBatman: Condenado, entre otras. También estará Igor Kordey, un dibujante al que seguramente conocerás por cómics como La Historia Oculta o Imperio (obra que reseñé aquí), ambas del guionista galo Jean-Pierre Pécau. También estará presente el dibujante aragonés Fernando Blanco, quien ha sabido labrarse una respetable carrera en el cómic USA gracias a colecciones como Batman Eterno, Midnighter y Apolo o Batwoman, entre otras.

ECC Ediciones: Novedades Extra de Mayo 2019

Como no podía ser de otro modo, una evento como el Salón del Cómic de Barcelona merecía una doble tanda de novedades. Así, a partir del 16 de abril llegará a las librerías un nuevo ejemplar de la revista ECC Cómics, con contenidos tan jugosos como un especial dedicado a Shazam, coincidiendo con el estreno de la película en nuestro país, una aventura inédita de los Jóvenes Titanes o una entrevista a Grant Morrison y Liam Sharp, quienes nos desvelarán cómo va a ser la nueva etapa de Green Lantern.

Y dado que Shazam está de plena actualidad, ECC lanza a partir de mediados del mes de abril el tomo ¡Shazam!, de Geoff Johns y el dibujante Gary Frank, una aventura que pone al día la mitología del personaje. Además, el volumen costará solo 9,95 €, un precio excepcional para una obra de tal interés y calidad. Pero si eres de esos que les gusta lo exclusivo, hazte con la edición especial de ¡Shazam! en un estuche en el que se incluye, además, una camiseta con el famoso rayo amarillo. Resérvalo ya que solo se lanzarán 500 unidades...

No puedo acabar esta breve reseña de las novedades de ECC para mayo sin mencionar una nueva incorporación al catálogo que distribuye la editorial barcelonesa. A partir de abril, ECC distribuirá algunos títulos selectos de la editorial Akal, como el extraordinario volumen H. P. Lovecraft Anotado, con prologo de Alan Moore, o cómics tan interesantes como Pésame Street. ¿Qué Nos Dirían los Animales si Pudieran Hablar?, de Niko, o ¡Paso a las Mujeres!, un volumen recopilatorio de viñetas de prensa acerca de los derechos de la mujer.