2019

A estas alturas de la vida, nadie se ha librado de ir a una boda, ya sea como invitado o como protagonista. Si bien es raro que ocurra alguna incidencia, no es así en absoluto en el mundo de los cómics de superhéroes. Como si de la prolongación de una de sus habituales batallas se tratara, pocos autores regalan tranquilidad y un buen banquete a sus personajes a la hora de celebrar nupcias. Claro que, por otro lado, poco interés tendrían entonces para buena parte de sus lectores. Avisando ante todo de spoilers, os dejamos con una lista de bodas de personajes comiqueros donde el felices para siempre no siempre llegó.

5 Bodas de Superhéroes Donde Ocurrió el Desastre

BATMAN Y CATWOMAN

Para muchos, la no-boda de Batman y Catwoman ha sido el gran error del guionista Tom King, responsable de la caída de ventas de la colección y de que haya sido apartado antes de tiempo de la serie. Independientemente de que no nos haya gustado que no se casaran, hay que reconocer que el motivo de "tienes que ser infeliz para ser Batman y por eso me sacrifico y me voy" es toda una ridiculez. Aunque la continuación de la colección tenga momentos absolutamente brillantes, como Dias Fríos. La miniserie anunciada con los dos de protagonistas me parece una gran noticia, aunque eso de felices para siempre no creo que lo vayamos a encontrar.

STARFIRE Y NIGHTWING

Y de una suplantación a otra. Resulta que la pobre Starfire es suplantada por Mirage, una chica del futuro que dice ser el verdadero amor de Nightwing. Para ahorrarse explicaciones, esta toma el aspecto de Starfire y claro, el muchacho hace lo que dictan las hormonas con semejante novia... El problema es cuando la verdadera aparece y se entera de que su prometido no ha notado su ausencia. Así que para compensar el enfado, este le propone matrimonio a la original. Ya a punto de darse el sí quiero, Trigon aparece y lo echa todo a perder, mandando a Starfire a Tamaran y a Nightwing con la batfamilia, estando Bruce Wayne en silla de ruedas por aquella época. Claro que la culpa de la caída de interés de los Titanes en los 90 no era de Trigon, sino de los guionistas.

HAY QUE RECONOCER QUE LA PORTADA YA AVISABA DE QUE EL ENLACE NO ACABABA BIEN

CANARIO NEGRO Y GREEN ARROW

En este caso, sí que llegaron al altar... Ellos, y un montón de villanos. El lado bueno es que gracias  a eso Batman hizo acto de aparición, porque eso de ir de invitado normal lo rechazó desde el principio el muchacho. Finalmente, la batalla la ganan los buenos, y no porque fueran pocos de los malos... Eso sí, al final la pobre Canario Negro se queda sin noche nupcial, ya que su marido ha sido suplantado por otro con su mismo aspecto. Tardó un poquito en darse cuenta, la verdad.

CANARIO NEGRO Y GREEN ARROW
GREEN ARROW Y CANARIO NEGRO, LO OPUESTO A UN MATRIMONIO ABURRIDO

TÍA MAY y DR. OCTOPUS

La Tía May se convirtió en una heredera sorpresa, de manera que el Doctor Octopus, inquilino de la tía de Peter Parker en aquella época, aprovechó para intentar llevarla al altar y asegurarse su futuro. Si bien el nivel de este guión parece más propio de la Marvel actual que de la clásica, esto ocurrió en el año 1974. Si bien hubiera tenido mucho sentido que Peter Parker evitara aquello sin máscara alguna, fue su alter ego el que apareció para echarlo todo al traste.

AL POBRE PETER LE LLEGAN LOS DISGUSTOS CON DISFRAZ Y SIN DISFRAZ

SUSAN STORM Y REED RICHARDS

La primera boda canónica de los cómics Marvel. La ventaja de que los 4F no tienen identidad secreta facilitó que su lista de invitados diera envidia hasta al royal más popular. También provocaba que muchos de los curiosos que se presentan sin serlo, no era solo para hacer unas fotos, sino también para pelear contra todos ellos. Por ejemplo, el Doctor Doom. A pesar de la batalla campal que se libró, salieron casados y bien casados, formando la familia Marvel más estable hasta el día de hoy.

SUSAN STORM Y REED RICHARDS
SUE Y REED, POSIBLEMENTE EL PRIMER MATRIMONIO ENTRE SUPERHÉROES DE LA HISTORIA

Ya tendrían que ir superando los guionistas esa idea de que si un superhéroe se casa, ya no hay nada que contar. Que piensen y consigan historias interesantes a la vez que los personajes avanzan. Los lectores lo agradeceremos.

La plataforma Amazon Prime no es de las que más estrenos ofrece al mes. Su negocio obviamente es otro, y está primando intentar ofrecer calidad sobre cantidad. El muy publicitado estreno de Good Omens (Buenos Presagios), basada en el libro de Neil Gaiman, es la segunda colaboración de la plataforma con el autor británico tras American Gods. A diferencia de aquella, con un tono algo más tétrico y depresivo, en Good Omens prima la diversión con clase y el optimismo, sin abandonar el mundo de la fantasía de los dioses y demonios. ¿Merecen la pena los seis capítulos de esta serie?

Good Omens (Buenos Presagios)

Cuando una serie se anuncia demasiado, a veces es más por su falta de calidad que por otra cosa. Sin embargo, en este caso, afortunadamente no es así. Seguramente habéis visto anuncios de esta serie por todas partes, aunque no acaba de quedar muy claro en ellos qué nos ofrece. Good Omens junta a David Tennant (Jessica Jones, Doctor Who) y a Michael Sheen (Masters of Sex) interpretando a un demonio, Crowley, y un ángel, Aziraphale, respectivamente. Ambos se conocen desde el principio de los tiempos. Literalmente. Entre ellos se entabla una curiosa amistad mientras, supuestamente, van cumpliendo su misión entre los hombres a lo largo de los siglos. De repente, la plácida existencia que llevan de infiltrados entre nosotros, se ve alterada por la inminente llegada del anticristo, que llevará a cabo la destrucción total de la Tierra. Dado el apego que  ambos seres por el planeta, para nada compartido por sus respectivos supervisores, deciden evitar dicha catástrofe como puedan. El problema es que desde el nacimiento del niño, comprueban que no va a ser tan fácil.

Los diálogos entre ambos son de lo más irónicos y divertidos. A pesar de que parezca que ambos personajes son los grandes protagonistas, la serie se va abriendo a un grupo más coral a medida que avanzan los episodios. El problema es que son precisamente esos secundarios los responsables de que la serie vaya decayendo en interés. Me sobran algunos momentos protagonizados por ellos, y sus interacciones no alcanzan por lo general la chispa de Crowley Aziraphale.

GOOD OMENS APENAS NECESITA NADA MÁS QUE ESTOS DOS. SE SALEN, COMO SIEMPRE

Los saltos en el tiempo donde vamos conociendo como se ha ido forjando la amistad entre Aziraphale y Crowley son una delicia. Hubiera preferido más de esto en vez de tanto secundario y tanto niño sabiondo tan poco creíble.  

La ironía con la que se trata la similitud entre una multinacional y el mundo celestial, entre otras cuestiones, es tronchante. También de lo más irreverente, aviso para los más sensibles. Sin embargo, la serie va perdiendo fuelle a medida que avanzan los episodios. No voy a criticar la tremenda inverosimilitud con la que pasa el tiempo, no estamos hablando de una serie formal en ese sentido. Sí lo absurdo que me resulta la resolución de todo, desmereciendo el comienzo de la serie. Pienso que la historia no está bien cerrada, se habría merecido algo más épico y menos facilón. De todas formas, considero que para mucha otra gente esto no será un problema.

Buenos Presagios tiene un aspecto eminentemente británico, algo muy común en los autores nacidos en las islas, como es el caso de Gaiman. Desde las ciudades donde se desarrolla la acción presente hasta la elección de los actores. Aunque, dado el carisma y personalidad que ambos suelen tener, es raro que no se hagan con más papeles principales en cualquier serie.


Si bien  la serie se habría beneficiado de algún episodio menos, a pesar de ser solo seis, no deja de ser una aventura con clase que merece que le deis un buen y atento visionado. Por supuesto, en versión original. Además, está avalada por aquellos que han leído el libro, algo que siempre suele ser buena señal. Una razón más para pagar el abono a Amazon Prime Video

Tom King ha planteado en el tomo en edición cartoné que nos trae ECC Ediciones una aventura de los Omega Men de lo más inesperada. Estos, creados por Marv Wolfman y Joe Stanton en 1981, tuvieron serie propia del 83 al 86, y después, salvo una serie limitada en los 90 que no fue a más, desaparecieron. A lo largo de los 12 números que recopila este tomo, se siente la libertad absoluta de King para contar lo que le apetece, sin más límite que sus deseos. ¿Cómo definiríamos esta encumbrada obra?

Omega Men, de Tom King

Desde el comienzo ya estamos avisados que estamos muy alejados del típico número de aventuras espaciales con buenos y malos claramente establecidos. El sistema Vega, del que procede Starfire, aunque no la veréis, es inaccesible para los Green Lanterns en su tarea de policías espaciales. En el hay un virrey que gobierna con mano de hierro La Ciudadela. El White Lantern Kyle Rayner, con objeto de poder mediar en los conflictos entre planetas, accede a entregar su anillo para acceder a La Ciudadela, con consecuencias inesperadas.

El grupo de rebeldes Omega Men aprovecha su debilidad para raptarlo y, en un acto estremecedoramente similar a los que por desgracia sufrimos en la Tierra, muestran su aparente asesinato frente al Universo. Este paralelismo entre la historia que nos cuenta King y los sucesos terrenales que surgen en cualquier conflicto armado es constante en la obra. La religión es una de las razones más presentes de unos y otros para imponer sus respectivas creencias. Es lo bien trazado que está todo lo anterior por la que esta obra ha alcanzado la relevancia que actualmente ostenta entre los aficionados.

Como en cualquier conflicto bien analizado, la definición de buenos y malos pierde su sentido a medida que vamos avanzando en la historia. El ir conociendo lo que hay detrás de cada personaje nos ayuda a identificarnos con ellos y entender sus motivaciones, actos y decisiones. Sin embargo, King no pierde nunca el tono de aventura y emoción, aunque completamente a salvo de cualquier frivolidad. Lo que nos muestra el guionista en la lejana Vega es más real que cualquier telediario actual.

Omega Men, de Tom King

Nada chirría en su historia, todos sus personajes se sienten respetados por el autor, nadie nos sobra ni nadie falta. Seguramente los femeninos se llevan el premio a los más interesantes, la princesa Kalista y Scrapps. La historia detrás de esta última es estremecedora, recordando a las mejores entregas de Black Mirror. Curiosamente, el personaje más simple sea probablemente el White Lantern, la excusa para contarnos este Omega Men. Comienza con la simpleza del blanco y negro, para adentrarse en un fascinante mundo de grises. Este tomo se aleja mucho de las batallas bastantes más simples que, por otro lado, tanto disfrutamos en los cómics de superhéroes. Giros, sorpresas, problemas inesperados, secundarios fascinantes... y un gran mundo visual.

Como en cualquier conflicto bien analizado, la definición de buenos y malos pierde su sentido a medida que vamos avanzando en la historia


Omega Men contiene tanta verdad que supera en mucho a la habitual lucha espacial. Es por eso que el público que puede disfrutarlo es posiblemente mucho más amplio que el habitual de los cómics. Aquellos que consideran frívolo dicho mundo, bien pudieran sentarse a leer Omega Men. Por otra parte, los habituales de Green Lantern también tienen no solo guiños de sobra a la historia y características de estos, sino que además dota de gran profundidad al trabajo de estos policías espaciales. Lo que cuenta Tom King es innegable que proviene de su experiencia como agente de la CIA, pero a la vez es muy diferente de otras obras como El Sheriff de Babilonia o La Visión. Sí se mantiene la profundidad y conocimiento con los que trata estos temas, pero sin repetir más que la calidad.

KYLE RAYNER CAMBIARÁ COMPLETAMENTE DESPUÉS DE ESTA HISTORIA

En cuanto al dibujo, casi todo obra de Barnaby Bagenda, es muy apropiado al mundo que está representando, acorde a una space opera. Rasgos angulosos, pero bien definidos, importante para una trama de alienígenas. No siempre se detallan mucho los fondos, pero el tono ocre que impera es suficiente para trasladarnos a Vega con maestría. Un tomo muy especial que recopila la historia completa, con las ventajas que tiene no esperar mes a mes para ver qué ocurre en la historia.

OMEGA MEN (EDICIÓN CARTONÉ)
ECC Ediciones
Edición original: The Omega Men núms. 1 a 12 USA
Guion: Tom King
Dibujo: Barnaby BagendaToby Cypress
Cartoné, 296 págs. A color.
Precio: 29,50 €

Como viene siendo nuestra costumbre, a continuación vamos a desvelarte los lanzamientos que ECC Ediciones nos tiene preparados para el mes de agosto, novedades que irán saliendo a la venta escalonadamente durante julio. La primera novedad a resaltar es el comienzo de la publicación de la colección Green Lantern Saga, que recopilará todos los cómics de la historia reciente del personaje, comenzando con el reinicio de 2004 a cargo del guionista Geoff Johns

ECC Ediciones: Novedades de Agosto de 2019

Ante el anuncio de la adaptación al cine del cómic El Cuarto Mundo, de Jack Kirby, ECC Ediciones nos trae como novedad destacada el tomo Superpoderes, de Paul Kupperberg y Kirby, ambientado en los sucesos inmediatamente posteriores al último volumen de aquella mítica colección. Señalar también el estreno de una nueva serie, Liga de la Justicia: Odisea. Escrita por Joshua Williamson (Flash), esta vez los héroes tendrán que sumergirse en el espacio profundo con el fin de enfrentarse nada menos que a Darkseid... ¿O en realidad viene en son de paz?

¿Son estas las únicas novedades que ECC Ediciones nos traerá en agosto? ¡Ni mucho menos! Te invito a qu descubras el resto en el siguiente PDF.

La Noche Más Oscura (Blackest Night) es, junto a Flashpoint, uno de los crossovers más importantes de DC Comics de los últimos años. Publicado entre 2009 y 2010, este magno evento transcurre, aparte de en su serie principal, en las colecciones de Green Lantern y los Green Lantern Corps, con numerosos cruces con las de Superman, Batman o Wonder Woman, entre otras. ECC Ediciones, dentro de su línea XP, ha decidido lanzar este gran evento en una colección de cinco magníficos tomos, cuyo número uno tengo entre mis manos, bellamente adornado con detalles en tinta fosforescente.

La Noche Más Oscura XP Vol. 01 (de 5)

En este primer volumen, de casi 450 páginas, se incluye, en primer lugar, la historia que inspiró a Geoff Johns desarrollar este tremendo crossover. Escrito por Alan Moore en 1986 y dibujado por Kevin O'Neill, este Tales of the Green Lantern Corps Annual #2 venía rellenar algunos huecos en la biografia de Abin Sur, el Green Lantern que otorgó el anillo de poder a Hal Jordan. En apenas ocho páginas, Moore nos plantea una historia oscura, un universo de pesadilla, la verdadera semilla de lo que, muchos años después, Johns desarrollaría en Blackest Night.

Moore, por supuesto, al saber que se estaba gestando este proyecto, no perdió ni un minuto en volver a ensañarse de nuevo con la falta de originalidad de la actual industria norteamericana del cómic.

“Cuando dije en entrevistas que no parecía que la industria estadounidense del cómic haya tenido una idea propia en los últimos 20 o 30 años, solo estaba siendo cruel. No esperaba que las compañías interesadas dijeran más o menos: 'Sí, tiene razón. Veamos si podemos encontrar otra de sus historias de hace 30 años para convertirla en una saga espectacular." 

La Noche Más Oscura, a pesar de las declaraciones del guionista británico, consiguió enganchar a los lectores, desarrollando de manera brillante (¿u oscura?) una sencilla historia de poco más de ocho páginas.

En este primer volumen, además de la historia de Moore y O'Neill, se incluyen los números de las diversas colecciones a través de las cuales se desarrolló el evento: Blackest Night: Tales of the Corps, Titans, DC Universe, Green Lantern, Blackest Night, o Green Lantern Corps, entre otras. La miniserie principal tiene nueve números, contando el número cero, todos dibujados de manera exquisita por Ivan Reis.

La Noche Más Oscura XP Vol. 01 (de 5)

Articulada en torno a la figura de William Hand, un villano de tercera recuperado por Johns para la ocasión, Blackest Night es una historia coral, con multitud de protagonistas. Dos de los más importantes son Hal Jordan y un resucitado Barry Allen, los dos personajes elegidos por Johns para protagonizar el número cero de la colección principal. Tras unos primeros números centrados básicamente en los diferentes cuerpos de Linternas Verdes que intervendrán en la historia, llegamos al Green Lantern #43, que sirve de preámbulo al evento principal en sí.

Tras asistir a la génesis de William Hand como Mano Negra y el robo del cráneo de Bruce Wayne de su tumba por parte del villano, Johns pisa el acelerador de su historia. Es cuando comenzamos a ver desfilar por las viñetas al ejército del villano, compuesto por héroes muertos, como Detective Marciano o Ralph Dibny y su mujer Sue. Paralelamente a lo que transcurre en la Tierra, se intercalan algunos números de las diversas colecciones de los Green Lanterns, mostrándonos la encarnizada batalla que los distintos cuerpos sostienen contra los terribles Black Lanterns.

Articulada en torno a la figura de William Hand, un villano de tercera recuperado por Johns para la ocasión, Blackest Night es una historia coral, con multitud de protagonistas


A medida que avanza la historia, los héroes van cayendo, engrosando tanto las filas de las huestes de Mano Negra como de los Black Lanterns. Tanto Johns como los guionistas de las distintas colecciones que componen el evento no se andan con medias tintas a la hora de alentar a sus dibujantes a traspasar los límites de violencia gráfica. Desmembramientos, cortes y heridas de toda índole, así como generosas raciones de sangre salpican al lector cada pocas viñetas, haciendo pocas concesiones a ese viejo adagio que dice "es mejor sugerir que mostrar".

La Noche Más Oscura XP Vol. 01 (de 5)

Por tanto, lejos de atenuar las graves consecuencias que estos sucesos tienen para el Universo DC, Johns apuesta por impactarnos con hechos cada vez más terribles para los héroes. Seres amados que regresan de la tumba como zombies descerebrados o viejos compañeros de armas convertidos en enemigos conforman la amenaza a la que se enfrentan los héroes en esta Noche Más Oscura.

En cuanto al apartado gráfico, el evento cuenta con artistas de primer nivel. Aparte de Ivan Reis ilustrando la colección central, nos encontramos con dibujantes de tanto talento como Doug Mahnke, Patrick Gleason, Jerry Ordway, Rags Morales, Eddy Barrows o Ed Benes, entre otros. Combinando a la perfección la oscuridad que requería la historia con el colorido de los héroes, Blackest Night es el máximo exponente de una forma de hacer cómics que DC ha incorporado como sello de la casa. Pasar las páginas de este volumen es descubrir cómo una buena historia puede alcanzar altísimas cotas de interés, tan solo mimando un poco su apartado gráfico, algo de lo que no pueden presumir todas las editoriales.

Lejos de atenuar las graves consecuencias que estos sucesos tienen para el Universo DC, Johns apuesta por impactarnos con hechos cada vez más terribles para los héroes


Al final del tomo se incluye una galería de portadas, tanto oficiales como alternativas, de los números recopilados. También se añade una entrevista al artista Ethan van Sciver en la que este desvela cómo diseñó los símbolos de los distintos cuerpos de Green Lanterns, como la Tribu Índigo, los Orange Lanterns o los Zafiros Estelares.

En definitiva, La Noche Más Oscura es un evento esencial en la historia reciente de los cómics DC. Combinando a la perfección la acción terrenal con lo cósmico, Geoff Johns idea a partir del germen de Moore una historia en la que los héroes se enfrentan a sus peores enemigos: ellos mismos. Complicada de seguir a veces, la historia, sin embargo, está lejos de ser aburrida, sosteniendo un ritmo trepidante y con continuas sorpresas que dejarán con la boca abierta a más de un lector. Se trata, por tanto, de una colección fundamental si de verdad te consideras fan del Universo DC. La edición de ECC es otra buena razón para hacerte con los cinco tomos que forman la colección, cuyos lomos forman, como no, el ominoso símbolo de los Black Lanterns

LA NOCHE MÁS OSCURA XP VOL. 01 (DE 5)
ECC Ediciones
Guion:  Alan Moore, Geoff Johns, J. T. Krul, James Robinson, Peter Tomasi, Sterling Gates
Dibujo: Doug Mahnke, Ed Benes, Eddy Barrows, Ethan Van Sciver, Gene Ha, Ivan Reis...
Cartoné, 448 págs. A color.
Precio: 38,50 €

No es ningún secreto el tiempo que todos pasamos de media en las redes sociales. No se trata ya de publicar como en los comienzos de Facebook, una de las redes sociales más antiguas, sino de seguir la inmediata actualidad de lo que más nos interesa, como ocurre con Twitter o Instagram. Hace tan solo unos años, cuando deseábamos orientarnos sobre si una película o serie merecía la pena, nos dejábamos guiar por unos cuantos críticos de referencia. Actualmente, las interacciones y el feedback que observamos en redes sociales resulta mucho más útil e impactante que la opinión de cualquier profesional.

Cómo las Redes Sociales han Cambiado la Forma de Ver el Cine y las Series

En la era de las redes sociales, el espectador tiene el mando, de forma literal y metafórica. Ya no vemos una película o serie y nos conformamos con la experiencia, haya sido buena o mala. Los espectadores, ahora, somos capaces de amplificar nuestra opinión sobre cualquier producto audiovisual hasta niveles globales, algo inédito hasta hace relativamente poco. Obviamente, esa difusión solo se logra a través de los seguidores, una pieza del engranaje de las redes sociales imprescindible. Cuanto más seguidores, mayor alcance, por lo que no pocos influencers echan mano de herramientas tan útiles como las que ofrece https://Seguidores.Shop.

Actualmente, las interacciones y el feedback que observamos en redes sociales resulta mucho más útil e impactante que la opinión de cualquier profesional


Entre el infinito maremagnum de series que se estrenan casi a diario, destacar cada vez es más complicado, independientemente de la calidad del producto. Es ahí donde las redes sociales juegan hoy día un papel primordial, consiguiendo que cualquier producción alcance relevancia. Incluso para aquellos que no suelan visitar de webs de estrenos, si de repente empiezan a ver en sus redes sociales comentarios favorables de una serie o película, sin duda les picará la curiosidad. ¿La consecuencia? Posiblemente se animen a darles una oportunidad a algo que, a priori, no conocían o no les interesaba demasiado y, finalmente, acudir al cine o suscribirse a la plataforma de streaming que emita la serie o película en cuestión. 

Un caso reciente es el de Chernobyl, una serie de HBO que, tratando un tema tan difícil y, en apariencia, tan poco atractivo para el público como la catástrofe nuclear de 1986, ha fascinado en redes sociales hasta ser considerada por los usuarios la mejor serie de la historia. Lo mismo podemos decir de Juego de Tronos, cuya primera temporada no tuvo demasiada relevancia hasta que las redes la encumbraron hasta convertirla en el fenómeno televisivo de la década. Que hablen de ti en redes sociales es actualmente la mejor garantía de que vas a tener más y más relevancia. Los memes con tus personajes para hacer referencia a temas de actualidad, como ocurre con El Cuento de la Criada, o las referencias estéticas a la serie en cuestión es asegurarse su rentabilidad.


Además, a diferencia de la época anterior a las redes sociales, las actuales plataformas de streaming no solo permiten una larga vida a series y películas mediante el constante visionado de los suscriptores, como es el caso de Friends, que sigue generando un negocio millonario años después de su final. También series que no destacaron en su estreno, como La Casa de Papel, se convierten en favoritas del público al darles un escaparate más amplio que el que ofrece la emisión un día a la semana.

El volumen de personas que interactúan en las redes sociales incrementa que todo esto suceda, siendo los seguidores un medidor de la capacidad de difusión de la opinión de medios especializados e influencers. Por ello es tan importante la utilización de herramientas que nos ayuden a lograr un mayor número de seguidores, factor imprescindible hoy en día si quieres ser alguien en el complicado y competitivo mundo de los influencers.

Imagen de Gerd Altmann en Pixabay

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La Colección Novelas Gráficas de ECC Ediciones y Salvat recopila algunas de las mejores historias de los personajes DC. En la misma han incluido este Green Arrow y Canario Negro: Álbum de Boda, protagonizada por Oliver Queen y Dinah Lance. Dado que actualmente estoy disfrutando de la lectura de la fantástica recopilación de Aves de Presa protagonizada por Dinah, que Planeta DeAgostini dejó incompleta, y la debilidad que tengo por el viejo Oliver, me animé a hacerme con este tomo. Tampoco viene mal su ajustadísimo precio. ¿Que me he encontrado en él?

Green Arrow y Canario Negro: Álbum de Boda

El comienzo de la historia nos presenta un breve resumen de la situaciones que han vivido Oliver y Dinah. La obra es de 2007, con lo cual Oliver Queen ha vuelto de la muerte de la mano de Kevin Smith. Ha sido alcalde de Star City y es el tutor legal de Mia, que se ha convertido en su ayudante. Dinah está a cargo de Sin, la niña destinada a ser la sucesora de Lady Shiva. Con el ritmo trepidante que suelen tener las aventuras de Dinah Lance, vamos presenciando la acción a través de varios frentes. Viejos conocidos de la pareja, o bien de ella sola, van apareciendo y complicando las cosas bastante para la pareja. La proposición de matrimonio de Oliver no resulta ser lo exitosa que a este le hubiera gustado en un principio, pero teniendo en cuenta el título del tomo, los más románticos podrán disfrutar de grandes momentos a cargo de la misma.

La decisión final de Dinah tiene una buena justificación, y la resolución a su situación inicial también. El breve respiro aparente se dedica a disfrutar de los preparativos de la boda, lo que sin duda provoca los momentos más cómicos del tomo. Las reacciones de sus conocidos, los detalles, las particularidades de sus decisiones y preparativos dan lugar a situaciones que pocas veces disfrutamos en un cómic de superhéroes. Sin embargo, se agradecen estas salidas de tono de lo habitual y es, sin duda, una de las razones por las que te haces con un tomo como este.


Green Arrow y Canario Negro: Álbum de Boda


La historia que ambos comparten es tormentosa y eso se refleja en lo que leemos. Ambos tienen su pasado y sus errores, compartidos y en solitario, y no lo pueden ignorar. Como promete el título, llegamos al momento de la boda pero, por decirlo suavemente, se aleja mucho de la que disfrutaron Donna Troy y Terry Long allá por los 80, de las pocas que ocurrieron sin incidencias. Extenderse más es revelar la trama y no es mi intención. Es mejor que lo descubráis vosotros.

En cuanto al dibujo, hay que reconocer que hay un gran desfile de artistas para no ser un tomo tan amplio. Esto se debe a que recopila historias de varias colecciones. El estilo en general es muy propio de la época en la que se publicó, finales de la primera década de los 2000. No es que sea la mejor época del arte en el cómic, pero cumple. El tomo se complementa con la típica historia clásica, el Justice League número 75, donde la pareja se conoce por primera vez. 

Un tomo lúdico, aventurero y trepidante, con una de las parejas más atractivas de los cómics, alejada de idealismos y llena de problemas, lo cual los hace únicos y terrenales. Sólo pediría la continuación de este tomo, ya que el final es de lo más intrigante y quiero saber cómo continúa. Buena cosa en un comic.

COLECCIÓN NOVELAS GRÁFICAS NÚM. 78: GREEN ARROW Y CANARIO NEGRO: ÁLBUM DE BODA
ECC Ediciones/Salvat
Edición original: Green Arrow núm. 75 USA, Black Canary núms. 1-4 USA, Black Canary Wedding Planner núm. 1 USA (one-shot), Green Arrow & Black Canary Wedding Special núm. 1 USA (one-shot), Justice League of America núm. 75 USA
Guion: J. Torres, Judd Winick, Tony Bedard 
Dibujo: Amanda Conner, Amilton Santos, Christine Norrie, Joe Prado, Karl Story, Lee Ferguson, Mike Norton, Paulo Siqueira, Rodney Ramos, Tom Derenick
Cartoné. 192 págs. A color.
Precio: 12,99 €

La ciencia ficción es un género tan antiguo como el cine. De hecho, uno de los primeros cortos de Georges Méliès, quizás el más conocido, ya abordaba un hipotético viaje a la Luna allá por 1902. Desde entonces, el género ha evolucionado, tomando, a veces, derroteros muy extraños. Películas tan psicodélicas como Dune (1984), de David Lynch, Una Mirada a la Oscuridad (2006), de Richard Linklater, o La Fuente de la Vida (2006) de ‎Darren Aronofsky, son algunos ejemplos de largometrajes que es mejor ver, digamos, fumados. En este post vamos a sugerirte ver películas tan o más extrañas que las citadas, pero con un elemento en común: mejor disfrutar de ellas con un buen canuto.

5 Películas de Ciencia Ficción que es Mejor Ver Fumado

2001: Una Odisea del Espacio (1968)

Si hubiese que elegir a la mejor película de ciencia ficción de la historia, posiblemente muchos escogeríamos el film de Stanley Kubrick. Adelantada a su tiempo en más de un sentido, 2001: Una Odisea del Espacio aborda un tema tan crucial como controvertido, el del impulso evolutivo del hombre gracias a una todopoderosa inteligencia extraterrestre. Una de sus primeras escenas, la de la aproximación de la lanzadera del Dr. Heywood Floyd (William Sylvester) a la estación espacial que orbita la Tierra, ya invita a relajar la mente con una buena infusión de marihuana. 

Sin embargo, la escena psicodélica por excelencia de la película de Kubrick es el viaje que el astronauta David Bowman (Keir Dullea) emprende al entrar en contacto con el Monolito de Júpiter. Miles de colores saturados se funden e interactúan para representar, posiblemente, cómo sería un viaje por el hiperespacio. En definitiva, un vórtice de luces y colores alienígenas capaces de hacer volar la consciencia del espectador hasta el infinito, casi sin necesidad de echar mano de ninguna hierba.


Origen (2010)

También británico como Kubrick, Christopher Nolan es uno de esos realizadores capaces de hacer saltar los resortes de la realidad con sus historias. Antes de la también psicotrópica Interstellar (2014), en 2010 el director inglés nos sorprendía con un film cuyo guion, del propio Nolan, era casi tan estimulante como un buen viaje. A veces creo, sinceramente, que Nolan escribe sus guiones fumado. ¿Cómo explicar argumentos tan locos como ladrones de sueños o gente eternamente atrapada en sus pesadillas, incapaces de despertar? Eso, y mucho más, nos cuenta esta excelente película.

Si hay que elegir solo una, la escena en la que vemos doblarse la ciudad sobre sí misma merece figurar entre las visiones más alucinantes producto del mejor cannabis. Y si ha sido cultivado por ti mismo con los kits de Tecnocultivo, mejor que mejor. En definitiva, un largometraje visionario sobre una de las drogas más potentes que podemos probar: nuestros propios sueños.


Zardoz (1974)

Película postapocalíptica con guion y dirección de John Boorman (Excalibur, 1981) e interpretada por Sean Connery, quien se pasa casi todo el metraje vistiendo un taparrabos. La cinta gira en torno a una sociedad dividida entre seres superiores, los "elegidos", y los inferiores, los "brutales", dominados por aquellos mediante una colosal efigie volante. Si la premisa de la historia y la forma de contarla ya son psicotrónicas, no lo es menos el look de su protagonista. Botas altas, cartucheras cruzadas sobre el pecho, taparrabos rojo, pelo largo recogido en una trenza y un gran bigotón al más puro estilo mariachi. Oro puro.

Con un envoltorio extravagante y bizarro, aunque extrañamente cautivador, el film de Boorman pretendía lanzar ser una alegoría sobre la sociedad, quizás de forma algo obvia. Zardoz es un producto de su época, los 70, evocadora y extraña a la vez, ideal para degustar entre calada y calada de marihuana


Tron (1982)

Aunque no te lo creas, Disney demostró hace ya algunos años tener agallas para apostar por películas originales, imaginativas y arriesgadas. Pero para ello nos tenemos que remontar a los años 80, con producciones tan interesantes como El Dragón del Lago de Fuego (1981), Oz, un Mundo Fantástico (1985) o El Vuelo del Navegante (1986), entre otras joyas. Tron es una de ellas, una rara avis que se ha convertido en un film de culto por su alucinante diseño de producción, por ser el primer largometraje que usa masivamente el CGI y por un argumento inspirado directamente por la marihuana.

Solo la escena de las motos de luz ya vale su visionado, sin contar, por supuesto, los flipantes diseños de escenarios, máquinas y personajes, surgidos de talentos tan preclaros como Syd Mead (Blade Runner, Star Trek: la Película) o Jean Giraud "Moebius". A continuación, una perla que no pudimos ver en la versión final de la película, la escena de amor eliminada entre Tron (Bruce Boxleitner) y Yori (Cindy Morgan)


El Planeta Salvaje (1973)

No podía finalizar esta pequeña selección de filmes para ver fumado sin mencionar El Planeta Salvaje, de René Laloux y Roland Topor. Este fantástico largometraje animado, ganador del Premio Especial del Jurado de Cannes de 1973, nos sitúa en un futuro lejano en el que los humanos, los "oms", han sido esclavizados y llevados al planeta de los gigantes Draags. Los pocos humanos que han logrado escapar viven de forma salvaje, pero bajo la amenaza constante de los Draags y la bizarra fauna y flora del planeta.

La película, marcadamente surrealista, bebe de fuentes tan variopintas como el universo de Dalí o Chirico, todo ello sazonado con la fértil imaginación de Topor y la genialidad de un animador tan extraordinario como Laloux. Si crees que El Planeta Salvaje merece ser vista con un buen pitillo de cannabis entre los dedos, no te pierdas sus cortometrajes ni sus otras dos películas, Masters of Time (1982) y Gandahar (1987).

No se cómo me las apaño, pero las pocas veces que viajo al extranjero, siempre me pilla un acontecimiento importante relacionado con Batman. En este caso, ha sido la publicación del Detective Comics nº 1000. De hecho, no lo habían sacado de la caja cuando me hice con este cómic. A pesar de que no fue hasta el número 27 que Batman hizo su aparición, es evidente que se ha hecho dueño y señor de la cabecera durante 80 años, así que poco se tiene en cuenta que no la empezó él.

Batman: Detective Comics nº 1000

Lejos de sacar un tomo de lujo, DC Comics ha optado por un número de tapa blanda, no muy voluminoso, de 96 páginas, similar al esquema de publicación que sigue ECC Ediciones actualmente en España. Por cierto, no será hasta julio cuando la editorial española comience a publicar los números previos a tan importante evento, concretamente en el número 16 de la colección Detective Comics. Las portadas entre las que pude elegir no eran muy brillantes, optando por una de Bernie Wrightson. Desconozco si en otras tiendas habrá mas opciones. Dado que son historias homenaje a cargo de varios de los artistas más representativos del murciélago, procedo a analizar una por una.

BATMAN LONGEST CASE (SCOTT SNYDER, GREG CAPULLO)

Scott Snyder se aleja mucho de mi idea de un buen autor para Batman, así que encontrarme que su historia es la primera no fue de mi agrado. Sin embargo, evita en ella muchos de sus defectos, aunque no todos. Por ejemplo, se centra en el Batman más detectivesco. Sí acude, en cambio, a situaciones de lo más inverosímiles pero, afortunadamente, las páginas con las que cuentan los autores son bastante pocas. Esto provoca que evitemos sus eternos y pomposos diálogos, siendo una historia que tiene un final algo inocente. Claro que Snyder pocas veces trata a Batman como un hombre adulto y complejo, qué le vamos a hacer. En cuanto al dibujo, no podía ser otro que Greg Capullo, dada la larga trayectoria juntos. El hombre lo hace bastante bien, diría que incluso se ha esmerado bastante. Una buena introducción a pesar de mis prejuicios iniciales.

No será hasta julio cuando ECC Ediciones comience a publicar los números previos a tan importante evento, concretamente en el número 16 de la colección Detective Comics


MANUFACTURE FOR USE (KEVIN SMITH - JIM LEE) 

En este caso, esta pareja de autores no habían coincidido antes, especialmente porque lo hecho por Kevin Smith a cargo de Batman prácticamente se reduce a la primera parte de la historia Espiral Interminable, la cual ya reseñamos. La historia nada en los comienzos propios del hombre murciélago y sus tormentos, en especial el más determinante. A través de nuestro conocido Matches Malone, se adentra en una escabrosa experiencia a la que intentará dar un sentido. El enfoque psicológico de Smith se combina con el dibujo de Jim Lee. No descubro nada si digo que los mejores tiempos de este dibujante ya pasaron, estando lejos del nivelazo de Hush o Batman: All Star. No obstante, este dibujante en su nivel bajo supera a la mayoría en su nivel óptimo, de manera que la historia no sufre por ello. Una bonita reflexión que bien podría extenderse para formar un número autoconclusivo, pero que tampoco lo necesita.



THE LEGEND OF KNUTE BRODY (PAUL DINI - DUSTIN NGUYEN)

Uno de los autores favoritos para muchos de los seguidores de Batman es el encargado de la siguiente historia. Le acompaña un habitual, con el que ya colaboró habitualmente en obras como Calles de Gotham. Dado que Paul Dini es uno de los responsables de Batman: The Animated Series, bien pudiera este Brody haber protagonizado uno de los mejores capítulos de dicha serie. Aúna todas sus virtudes: ser para todos los públicos sin insultar la inteligencia, liviana pero con fondo, divertida, con acción y respeto por Batman. Y, como no, con sorpresa final. Se nota en el dibujante una evolución de unos años acá, abandonando el exceso de dibujo con ángulos para dar un aspecto más natural, aunque es un artista que siempre me ha agradado.

THE BATMAN'S DESIGN (WARREN ELLIS - BECKY CLOONAN)

El afamado autor de Planetary, donde ya ofreció una versión hilarante de Batman, también se pasa por este número. El británico da su punto de vista del murciélago centrándose puramente en la acción. La superioridad que muestra Batman ante unos villanos de libro es brutal a todos los niveles, desde el físico al psicológico. Warren Ellis elige una conclusión muy satisfactoria a su turno sin perder de vista las verdaderas motivaciones del murciélago. El dibujo y los tonos elegidos se adecuan a la historia perfectamente, siendo un relato muy convincente. Sería fantástico que Ellis se animara, o lo animaran, a encargarse de Batman una temporada larga.

No descubro nada si digo que los mejores tiempos de Jim Lee ya pasaron, estando lejos del nivelazo de Hush Batman: All Star


RETURN TO CRIME ALLEY (DENNY O'NEIL - STEVE EPTING)

Que el ya anciano Denny O'Neil haya podido escribir este relato es todo un lujo. Acude a una vieja historia, There is no Hope in Crimey Alley, y la reinterpreta. Sin embargo, parece juzgar en demasía la violencia que Batman ejerce sobre los villanos, a modo de recapitulación vital. Es Leslie Thompkins la que cataliza esta manera de pensar en la historia, enfocándose solo en la agresividad de Batman, algo que tampoco es lo principal de su actuación. Es una historia lúgubre, en la que Batman se impone a Bruce Wayne, apenas una figura ensombrecida por el murciélago, según Leslie. Da que pensar este alegato contra la violencia por parte de uno de los editores y autores más importantes de Batman. Claro que en su época, poco había de la brutalidad actual que vemos en sus cómics. En cuanto al dibujo, acorde con el autor del que hablamos, también un clásico.

RETURN TO CRIME ALLEY (DENNY O'NEIL - STEVE EPTING)


HERETIC (CHRISTOPHER PRIEST - NEAL ADAMS)

El responsable de Predicador habría necesitado bastantes más páginas de las que dispone para contarnos su historia. Esto hace que resulte confusa y atropellada, al menos en mi opinión. Empezar una trama que no vas a finalizar, o al menos necesita una conclusión más clara, no es la idea de este recopilatorio. Son demasiados elementos, aunque sin duda homenajea al dibujante que le acompaña, el mítico Neal Adams. Curiosamente, resulta más anticuado este dibujo que el que hacía en los años 70, pero este hombre ya está por encima del bien y del mal, demasiado que a su edad haya participado en el homenaje. Se le debe demasiado como para atreverme a criticarle nada.

I KNOW (BRIAN MICHAEL BENDIS - ALEX MALEEV)


El poco partidario de niños en los cómics, Brian Michael Bendis, se atreve también en este homenaje y mira hacia el futuro. En él, vemos a un anciano Pingüino hablando con un anciano Bruce Wayne. Oswald Cobblepot, seguramente el más inteligente de los enemigos del murciélago, se dedica precisamente a presumir de ello. La conclusión es bastante buena y acorde con la personalidad (y el estado) en el que te imaginas a Bruce de mayor. En cuanto al búlgaro Alex Maleev, que nunca ha sido de mis dibujantes favoritos, reconozco que aquí me gusta mucho su trabajo, recordando a Batman del Futuro en su diseño, casi no le reconozco en el buen sentido. Otra buena aportación a este número 1000.

En este tomo, el ya anciano Denny O'Neil acude a una vieja historia, There is no Hope in Crimey Alley, y la reinterpreta


THE LAST CRIME IN GOTHAM (GEOFF JOHNS - KELLEY JONES)

Geoff Johns se pone sorprendentemente clásico y familiar. Como si de un elseworlds de Tierra 2 se tratara, Batman tiene una familia consolidada. Todo está controlado, y los villanos parecen haberse redimido sinceramente. Gotham  no representa tener muchos problemas con el crimen, salvo un caso algo truculento que tiene bastante significado simbólico. Es algo naif, probablemente de las peores historias del tomo. De este guionista esperaría bastante más. El dibujo de Kelley Jones es menos exagerado y grotesco de lo que suele ser habitual en él, pero no puede evitar las formas gargolescas y robustas que tan poco me fascinan. Muy tontorrón todo, a pesar de algún giro sorprendente.

THE PRECEDENT (JAMES TYNION IV - ÁLVARO MARTÍNEZ BUENO)

En vez de en Batman, este segmento se centra en su primer Robin, que por cierto cumplirá 80 años en el 2020, y en analizar si la existencia del mismo es buena o mala. Obviamente, estamos hablando del mundo de los cómics, no del real. Así que la emoción y la aventura de ser Robin, junto a las experiencias únicas que le han procurado, superan los riesgos y el no haber tenido una vida normal. La bendición del propio Dick Grayson a esta versión da un tono lúdico y alegre a esta historia. Si eres fan de Robin como yo y entiendes que no sobra en las historias de Batman, sino que fue una aportación clave para él, vas a disfrutar mucho estas viñetas. El dibujo es también muy bonito, con una última viñeta encantadora.

THE PRECEDENT (JAMES TYNION IV - ÁLVARO MARTÍNEZ BUENO)


BATMAN GREATEST CASE (TOM KING - TONY S. DANIEL - JOËLLE JONES)


No podía faltar en esta recopilación el actual responsable de la cabecera de Batman. En este caso, Tom King hace una celebración de la familia, reuniendo a los actuales miembros de la batfamilia y entablando una divertida conversación entre Dick Grayson y Damian Wayne. Se va tejiendo un misterio y un aniversario, y un tributo bastante bonito, o a mí me lo parece. Cumple King con lo que se le pide, y el dibujo es también muy agradable, ya que Tony S. Daniel y Joëlle Jones son una gran combinación.

MEDIEVAL (PETER TOMASI - DOUG MAHNKE)


La última historia sirve de aperitivo de qué nos espera en los próximos números de Detective Comics, A cargo de Peter Tomasi, cuya etapa en Batman y Robin no pudo entusiasmarme más. Es tan solo un repaso de algunos momentos clásicos de la historia de Batman y algunos enfrentamientos, a la espera de ver lo que nos depararán los próximos 1000 Detective Comics.

En conclusión, un tomo muy satisfactorio donde todas las historias, o casi, tienen su encanto o razón de ser. Un bonito recopilatorio que cualquiera debería llevarse a casa como hecho histórico que es, ya que es muy accesible para el público casual, sin evitar los guiños a los lectores más conocedores de la trayectoria del murciélago. No nos da la vida para llegar a ver el 2000, si es que se publica, así que disfrutemos de este. Batman se lo merece y nosotros también.

DETECTIVE COMICS # 1000 
1970'S Variant Edition
Edición original en inglés
Guion: Scott Snyder, Kevin Smith, Paul Dini, Warren Ellis, Denny O'Neil, Christopher Priest, brian Michael Bendis, Geoff Johns, James Tynion IV, Tom King, Peter Tomasi
Dibujo: Greg Capullo, Jim Lee, Dustin Nguyen, Becky Cloonan, Stev Epting, Neal Adams, Alex Maleev, Kelley Jones, Álvaro Martínez Bueno, Joëlle Jones, Tony S. Daniel, Doug Mahnke
Tapa blanda, 96 págs., color
Precio, 9,99 $

Con una semana de diferencia respecto al estreno en la BBC ONE, llega a HBO el primer episodio de Years and Years, una serie creada y dirigida por Russell T. Davies (Doctor Who, Queer as Folk). La serie nos cuenta las vivencias de una familia desestructurada de Manchester, los Lyons, formada por cuatro hermanos ya adultos y la abuela. La recordada madre falleció y el padre no parece tener contacto con sus hijos. A través de ellos, vemos una interpretación de lo que los hechos políticos actuales pueden acabar derivando. De fondo, tenemos a Vivienne Rock (Emma Thompson), una política que comienza siendo la friki discordante para poco a poco ir tomando relevancia. ¿Qué podemos decir de este primer episodio de casi una hora de duración?



Sin negar a la serie las virtudes que probablemente posee, la sensación que me ha quedado es que Years and Years no acaba de mezclar bien los géneros que pretende ligar. Por un lado, Russell advierte de los peligros de los tiempos convulsos que vivimos, tanto por los peligros de la invasión de la tecnología en nuestras vidas, como por los acontecimientos políticos y sus consecuencias. La familia Lyons pretende ser el catalizador a través del cual una familia media británica vive esos hechos. Sin embargo, no logran ser creíbles. Por un lado, tenemos a Stephen, casado con Celeste y padres de dos hijas adolescentes. Inspirado sin duda en Black Mirror y su visión distópica de los avances informáticos, su familia sufre a través de una de sus hijas el daño que el futuro inminente puede traer a los más jóvenes. 

Luego tenemos a Daniel, que trabaja en el ayuntamiento dando alojamiento a los refugiados, y que vive con su novio. Las hermana mayor es Edith Lyon, la hija pródiga que va por el mundo buscando calamidades y escribiendo sobre ellas, lo que le da cierta fama. En cambio, está despegada de lo que ocurre en su propia familia. Por último, tenemos a Rosie, afectada por espina bífida y madre soltera de dos hijos, que no por ello renuncia a los hombres.

EMMA THOMPSON ES SIN DUDA LO MEJOR DE LA SERIE

La elección de las características de la familia es tan políticamente correcta que no se ve natural: tenemos homosexualidad, parejas de razas distintas e hijos acordes, minusvalía, madres solteras... Todo un canto a lo que mandan últimamente los cánones de lo políticamente correcto, pero alejado de lo que encuentras en una familia media real. Tienen de todo como en botica. Sin embargo, entre tanta diversidad, ninguno tiene un trabajo de mierda o problemas económicos, algo bastante más abundante que todo lo anterior. 

Los Lyons parecen hablar entre ellos como comentaristas televisivos sobre temas como las fake news o los peligros de la invasión tecnológica. También se censuran entre ellos al hablar como si emitieran en directo, lo cual no es muy plausible. En conjunto, resultan algo fríos e histéricos, fallando en el objetivo de engancharnos para preocuparnos por saber qué pasa con ellos. Los hijos de estos son retratados apenas como unos zombies delante de distintas pantallas. Los problemas reales y mundanos de una familia, como la inseguridad laboral, el estrés, o la falta de tiempo para estar con los tuyos no se muestran. Se van a discursos desacertados sobre qué bien estábamos antes de 2008, como si antes todo fuera paz y tranquilidad, un mensaje bastante ignorante. Si no te gusta Alexa, puedes hacer como yo, no comprarla. Culpar a la sociedad en exceso de decisiones que al fin y al cabo son tuyas me parece un mensaje muy victimista y determinante. Salvaría a la abuela Muriel de la quema familiar, el personaje más acertado y divertido.

UNA FAMILIA CON CURIOSAS PRIORIDADES EN MOMENTOS EXTREMOS

La otra vertiente de la serie, la que nos muestra las noticias políticas, es para mi la más exitosa. La sutil presencia de Vivienne es asimilable a casos muy recientes de ascensos políticos fulgurantes imprevisibles, y Emma Thompson está fantástica, como siempre. Resulta divertido que, en vez de imaginar un presidente norteamericano ficticio que tomara decisiones catastróficas, les bastara el actual. Se ve que no se puede mejorar para dicho papel al señor Donald Trump. No evita el señor Russell mostrarnos a su familia real en este futuro inminente, que nos retrata en un guiño algo cruel.

La política va convulsionando en un escenario que perfectamente puede tener su base en nuestra actualidad. Esa asimilación es la que consigue impactarnos de verdad, con un final que va in crescendo, bien contado y con mucha tensión, donde los Lyon dan rienda suelta a la histeria y a las decisiones disparatadas y fuera de lugar.

Mejor nos habría ido si la serie se hubiera centrado en Vivienne y en cómo va ascendiendo, en vez de mostrar esta familia de una manera tan fallida. Dado que son sólo seis episodios, al estilo británico, queda la esperanza de que el protagonismo que vaya ganando Vivienne en la serie haga que esta suba de interés, porque, a pesar de que Years and Years no me parece tan buena como se está diciendo, se merece que veamos su segundo capítulo. ¿Acaso eso no es un valor a tener en cuenta en estos tiempos?

Once años después de la última película dirigida por Guillermo del Toro, Hellboy II: El Ejército Dorado, llega el reboot de la franquicia, estreno rodeado de polémica por la supuesta censura a la que ha sido sometida la cinta aquí en España. Dirigida por Neil Marshall (Dog Soldiers, The Descent), la película cuenta, como nuevo Hellboy, con David Harbour, popular actor a raíz de su papel de sheriff Jim Hopper en la serie Stranger Things. Estrenada en Estados Unidos el pasado 12 de abril, la película lleva apenas recaudados 22 millones de dólares en aquel país. La taquilla internacional apenas rebasa los 18 millones de dólares. En otra palabras: la cinta está levantando poco entusiasmo entre el público, y menos aún entre la crítica. 

Hellboy (2019)

Mi sexto sentido sobre los estrenos siempre me avisa de que, si dicen que una película es muy mala, probablemente será mejor de lo que la pintan; si aseguran que es la mejor del año, posiblemente será decepcionante. Y es lo que me ha sucedido con Hellboy.

El prólogo de la película sí es decepcionante. El blanco y negro no le viene nada bien a la escena en la que se nos presenta lo que será el mcguffin de la historia: la muerte en el siglo VI de la bruja Vivian Nimue (Milla Jovovich) a manos del rey Arturo. La escena, que parece un anuncio de televisión (ni por un momento te crees ni a ese Arturo metrosexual ni al extraño mago Merlín), está saturada de fondos verdes y CGI, y no demasiado conseguido. Un mal comienzo que ya nos hace dudar que lo que vendrá después pueda ser mejor.

Sin embargo, la cosa mejora. La escena de Hellboy en el ring de lucha libre es todo un homenaje al cómic Hellboy en México (2010), y un guiño al realizador de las anteriores dos entregas. La escena me recordó a Abierto Hasta el Amanecer (1996) y los vampiros mexicanos monstruosos que poblaban la excelente cinta de Robert Rodríguez. Tras esta introducción, que sirve para presentarnos la nueva encarnación del personaje, la historia comienza a desarrollarse, desfilando en pantalla los elementos habituales de los cómics de Mike Mignola: sociedades secretas, ectoplasmas, gigantes, brujas rusas y al socarronería y humor negro propio de Hellboy.

David Harbour, Ian McShane
"¿ME DEJAS QUE TE LIME LOS CUERNOS?" ESTA Y OTRAS FRASES TE SACAN CONTINUAMENTE DE LA PELÍCULA


La película nos muestra a un Hellboy algo más joven, en su comportamiento, comparado al que interpretara Ron Perlman en las películas de del Toro. La actitud hacia su padre adoptivo, Trevor Bruttenholm (Ian McShane), llamándolo "papá" a cada momento, parece darnos a entender que estamos ante un Hellboy menos experimentado y curtido que el anterior. Si bien McShane interpreta a un eficaz Profesor Bruttenholm, la relación padre-hijo no está tan bien perfilada como la de Perlman/John Hurt. 

La interpretación de Harbour como Hellboy no está nada mal. Se nota que el actor se esfuerza por hacer un buen papel, aunque el guion no le dé demasiadas facilidades. Se ha dicho que tanto él como Ian McShane metieron mano en el guion durante el rodaje, rumores desmentidos por los productores, claro está. También se ha comentado que los dos productores se inmiscuyeron en la labor del realizador Neil Marshall, llegando a despedir a su director de fotografía habitual solo para dejar claro quién estaba al mando. Del propio Harbour se dice que abandonó el set en varias ocasiones al negarse a repetir algunas escenas por orden de Marshall. Por ello, no es de extrañar que la película haya acusado estos problemas, dando la sensación, en muchos momentos, que estamos viendo una producción en la que ha metido la mano mucha gente, y no precisamente para bien.

MILLA JOVOVICH
MILLA JOVOVICH, EN EL PAPEL DE LA MALÉFICA DAMA DEL LAGO ARTÚRICA


A pesar de sus 120 minutos de duración, de su montaje algo caótico, su guion errático y sus personajes secundarios no demasiado carismáticos, Hellboy no llega a aburrir. La acción es casi continua, destacando sobre todo la lucha del protagonista con los tres gigantes, la escena con la bruja Baba Yaga  y el clímax del film. Se dice que la versión estrenada en Estados Unidos, clasificada R, contiene bastante gore y escenas violentas. Solo hay que comparar el tráiler español y el americano. De hecho, en la película, se notan los cortes que han suprimido los planos más sangrientos. Aún así, la violencia mostrada en esta película es superior a la de las dos entregas dirigidas por del Toro. ¿Habría cambiado sustancialmente la película de habernos llegado íntegra, sin censura? Seguramente no. Los problemas de este Hellboy no son producto del corte de ciertas escenas, sino de un guion mal planteado, una producción no demasiado cuidada y una falta de valentía al no querer explorar la rica mitología del personaje.

En cuanto a los efectos visuales, como digo más arriba, la película ya comienza mal. Luego, la cosa mejora, sobre todo el excelente maquillaje de Baba Yaga, la criatura cerdo Gruagach, los gigantes o el propio Hellboy. Sin embargo, la escena del Londres invadido por las criaturas sobrenaturales tira demasiado de CGI, con unos diseños que recuerdan bastante al de los monstruos de las películas de Guillermo del Toro, y no solo las de Hellboy. En definitiva, se nota bastante que el presupuesto, de 50 millones de dólares, no daba para mucho más, rozando peligrosamente el aspecto que lucen producciones como las de la productora The Asylum (saga Sharknado) o las del inefable Uwe Boll (Alone in the Dark, En el Nombre del Rey). Solo hay que ver los ectoplasmas, bastante grimosos, la verdad. O el personaje de Daniel Dae KimBen Daimio, un hombre jaguar que aparece fugazmente para que no nos demos cuenta de lo mal recreado que está por CGI.

Daniel Dae Kim, David Harbour, Sasha Lane
ALICE MONAGHAN Y BEN DAIMIO, PERSONAJES RECURRENTES DE LA COLECCIÓN DE CÓMICS BRPD (AIDP EN ESPAÑOL)


Hellboy es un cajón de sastre en el que todo cabe. Una bruja ancestral, interpretada convincentemente por Jovovich, reyes de baratillo, luchadores mexicanos, caballeros ingleses matagigantes, médiums, gente del bosque, chistes malos y un final demasiado parecido al de la película Fuerza Vital (Lifeforce), de 1985. Adelante, revisa los últimos diez minutos del film de culto de Tobe Hooper y me cuentas en los comentarios...

La película, con dos escenas postcréditos en la mejor tradición de Marvel, da a entender que las intenciones de la productora son las de rodar una secuela. Sin embargo, muy bien se le tiene que dar en la taquilla internacional para que esto finalmente suceda. Y es una pena, porque David Harbour ha demostrado encarnar a un más que eficaz "Rojo", lidiando como ha podido con un guion caótico, problemas entre bambalinas y la inevitable comparación con las dos películas anteriores. La rica mitología del personaje creado por Mignola allá por 1993 (atentos a la aparición de Bogavante Johnson, al que da vida Thomas Haden Church) da para mucho más. Lo difícil va a ser que alguien decida apostar de nuevo su dinero para ofrecernos una película, al menos, a la altura de las dos que nos dejó Guillermo del Toro.