05/01/2019 - 06/01/2019

La ciencia ficción es un género tan antiguo como el cine. De hecho, uno de los primeros cortos de Georges Méliès, quizás el más conocido, ya abordaba un hipotético viaje a la Luna allá por 1902. Desde entonces, el género ha evolucionado, tomando, a veces, derroteros muy extraños. Películas tan psicodélicas como Dune (1984), de David Lynch, Una Mirada a la Oscuridad (2006), de Richard Linklater, o La Fuente de la Vida (2006) de ‎Darren Aronofsky, son algunos ejemplos de largometrajes que es mejor ver, digamos, fumados. En este post vamos a sugerirte ver películas tan o más extrañas que las citadas, pero con un elemento en común: mejor disfrutar de ellas con un buen canuto.

5 Películas de Ciencia Ficción que es Mejor Ver Fumado

2001: Una Odisea del Espacio (1968)

Si hubiese que elegir a la mejor película de ciencia ficción de la historia, posiblemente muchos escogeríamos el film de Stanley Kubrick. Adelantada a su tiempo en más de un sentido, 2001: Una Odisea del Espacio aborda un tema tan crucial como controvertido, el del impulso evolutivo del hombre gracias a una todopoderosa inteligencia extraterrestre. Una de sus primeras escenas, la de la aproximación de la lanzadera del Dr. Heywood Floyd (William Sylvester) a la estación espacial que orbita la Tierra, ya invita a relajar la mente con una buena infusión de marihuana. 

Sin embargo, la escena psicodélica por excelencia de la película de Kubrick es el viaje que el astronauta David Bowman (Keir Dullea) emprende al entrar en contacto con el Monolito de Júpiter. Miles de colores saturados se funden e interactúan para representar, posiblemente, cómo sería un viaje por el hiperespacio. En definitiva, un vórtice de luces y colores alienígenas capaces de hacer volar la consciencia del espectador hasta el infinito, casi sin necesidad de echar mano de ninguna hierba.


Origen (2010)

También británico como Kubrick, Christopher Nolan es uno de esos realizadores capaces de hacer saltar los resortes de la realidad con sus historias. Antes de la también psicotrópica Interstellar (2014), en 2010 el director inglés nos sorprendía con un film cuyo guion, del propio Nolan, era casi tan estimulante como un buen viaje. A veces creo, sinceramente, que Nolan escribe sus guiones fumado. ¿Cómo explicar argumentos tan locos como ladrones de sueños o gente eternamente atrapada en sus pesadillas, incapaces de despertar? Eso, y mucho más, nos cuenta esta excelente película.

Si hay que elegir solo una, la escena en la que vemos doblarse la ciudad sobre sí misma merece figurar entre las visiones más alucinantes producto del mejor cannabis. Y si ha sido cultivado por ti mismo con los kits de Tecnocultivo, mejor que mejor. En definitiva, un largometraje visionario sobre una de las drogas más potentes que podemos probar: nuestros propios sueños.


Zardoz (1974)

Película postapocalíptica con guion y dirección de John Boorman (Excalibur, 1981) e interpretada por Sean Connery, quien se pasa casi todo el metraje vistiendo un taparrabos. La cinta gira en torno a una sociedad dividida entre seres superiores, los "elegidos", y los inferiores, los "brutales", dominados por aquellos mediante una colosal efigie volante. Si la premisa de la historia y la forma de contarla ya son psicotrónicas, no lo es menos el look de su protagonista. Botas altas, cartucheras cruzadas sobre el pecho, taparrabos rojo, pelo largo recogido en una trenza y un gran bigotón al más puro estilo mariachi. Oro puro.

Con un envoltorio extravagante y bizarro, aunque extrañamente cautivador, el film de Boorman pretendía lanzar ser una alegoría sobre la sociedad, quizás de forma algo obvia. Zardoz es un producto de su época, los 70, evocadora y extraña a la vez, ideal para degustar entre calada y calada de marihuana


Tron (1982)

Aunque no te lo creas, Disney demostró hace ya algunos años tener agallas para apostar por películas originales, imaginativas y arriesgadas. Pero para ello nos tenemos que remontar a los años 80, con producciones tan interesantes como El Dragón del Lago de Fuego (1981), Oz, un Mundo Fantástico (1985) o El Vuelo del Navegante (1986), entre otras joyas. Tron es una de ellas, una rara avis que se ha convertido en un film de culto por su alucinante diseño de producción, por ser el primer largometraje que usa masivamente el CGI y por un argumento inspirado directamente por la marihuana.

Solo la escena de las motos de luz ya vale su visionado, sin contar, por supuesto, los flipantes diseños de escenarios, máquinas y personajes, surgidos de talentos tan preclaros como Syd Mead (Blade Runner, Star Trek: la Película) o Jean Giraud "Moebius". A continuación, una perla que no pudimos ver en la versión final de la película, la escena de amor eliminada entre Tron (Bruce Boxleitner) y Yori (Cindy Morgan)


El Planeta Salvaje (1973)

No podía finalizar esta pequeña selección de filmes para ver fumado sin mencionar El Planeta Salvaje, de René Laloux y Roland Topor. Este fantástico largometraje animado, ganador del Premio Especial del Jurado de Cannes de 1973, nos sitúa en un futuro lejano en el que los humanos, los "oms", han sido esclavizados y llevados al planeta de los gigantes Draags. Los pocos humanos que han logrado escapar viven de forma salvaje, pero bajo la amenaza constante de los Draags y la bizarra fauna y flora del planeta.

La película, marcadamente surrealista, bebe de fuentes tan variopintas como el universo de Dalí o Chirico, todo ello sazonado con la fértil imaginación de Topor y la genialidad de un animador tan extraordinario como Laloux. Si crees que El Planeta Salvaje merece ser vista con un buen pitillo de cannabis entre los dedos, no te pierdas sus cortometrajes ni sus otras dos películas, Masters of Time (1982) y Gandahar (1987).

No se cómo me las apaño, pero las pocas veces que viajo al extranjero, siempre me pilla un acontecimiento importante relacionado con Batman. En este caso, ha sido la publicación del Detective Comics nº 1000. De hecho, no lo habían sacado de la caja cuando me hice con este cómic. A pesar de que no fue hasta el número 27 que Batman hizo su aparición, es evidente que se ha hecho dueño y señor de la cabecera durante 80 años, así que poco se tiene en cuenta que no la empezó él.

Batman: Detective Comics nº 1000

Lejos de sacar un tomo de lujo, DC Comics ha optado por un número de tapa blanda, no muy voluminoso, de 96 páginas, similar al esquema de publicación que sigue ECC Ediciones actualmente en España. Por cierto, no será hasta julio cuando la editorial española comience a publicar los números previos a tan importante evento, concretamente en el número 16 de la colección Detective Comics. Las portadas entre las que pude elegir no eran muy brillantes, optando por una de Bernie Wrightson. Desconozco si en otras tiendas habrá mas opciones. Dado que son historias homenaje a cargo de varios de los artistas más representativos del murciélago, procedo a analizar una por una.

BATMAN LONGEST CASE (SCOTT SNYDER, GREG CAPULLO)

Scott Snyder se aleja mucho de mi idea de un buen autor para Batman, así que encontrarme que su historia es la primera no fue de mi agrado. Sin embargo, evita en ella muchos de sus defectos, aunque no todos. Por ejemplo, se centra en el Batman más detectivesco. Sí acude, en cambio, a situaciones de lo más inverosímiles pero, afortunadamente, las páginas con las que cuentan los autores son bastante pocas. Esto provoca que evitemos sus eternos y pomposos diálogos, siendo una historia que tiene un final algo inocente. Claro que Snyder pocas veces trata a Batman como un hombre adulto y complejo, qué le vamos a hacer. En cuanto al dibujo, no podía ser otro que Greg Capullo, dada la larga trayectoria juntos. El hombre lo hace bastante bien, diría que incluso se ha esmerado bastante. Una buena introducción a pesar de mis prejuicios iniciales.

No será hasta julio cuando ECC Ediciones comience a publicar los números previos a tan importante evento, concretamente en el número 16 de la colección Detective Comics


MANUFACTURE FOR USE (KEVIN SMITH - JIM LEE) 

En este caso, esta pareja de autores no habían coincidido antes, especialmente porque lo hecho por Kevin Smith a cargo de Batman prácticamente se reduce a la primera parte de la historia Espiral Interminable, la cual ya reseñamos. La historia nada en los comienzos propios del hombre murciélago y sus tormentos, en especial el más determinante. A través de nuestro conocido Matches Malone, se adentra en una escabrosa experiencia a la que intentará dar un sentido. El enfoque psicológico de Smith se combina con el dibujo de Jim Lee. No descubro nada si digo que los mejores tiempos de este dibujante ya pasaron, estando lejos del nivelazo de Hush o Batman: All Star. No obstante, este dibujante en su nivel bajo supera a la mayoría en su nivel óptimo, de manera que la historia no sufre por ello. Una bonita reflexión que bien podría extenderse para formar un número autoconclusivo, pero que tampoco lo necesita.



THE LEGEND OF KNUTE BRODY (PAUL DINI - DUSTIN NGUYEN)

Uno de los autores favoritos para muchos de los seguidores de Batman es el encargado de la siguiente historia. Le acompaña un habitual, con el que ya colaboró habitualmente en obras como Calles de Gotham. Dado que Paul Dini es uno de los responsables de Batman: The Animated Series, bien pudiera este Brody haber protagonizado uno de los mejores capítulos de dicha serie. Aúna todas sus virtudes: ser para todos los públicos sin insultar la inteligencia, liviana pero con fondo, divertida, con acción y respeto por Batman. Y, como no, con sorpresa final. Se nota en el dibujante una evolución de unos años acá, abandonando el exceso de dibujo con ángulos para dar un aspecto más natural, aunque es un artista que siempre me ha agradado.

THE BATMAN'S DESIGN (WARREN ELLIS - BECKY CLOONAN)

El afamado autor de Planetary, donde ya ofreció una versión hilarante de Batman, también se pasa por este número. El británico da su punto de vista del murciélago centrándose puramente en la acción. La superioridad que muestra Batman ante unos villanos de libro es brutal a todos los niveles, desde el físico al psicológico. Warren Ellis elige una conclusión muy satisfactoria a su turno sin perder de vista las verdaderas motivaciones del murciélago. El dibujo y los tonos elegidos se adecuan a la historia perfectamente, siendo un relato muy convincente. Sería fantástico que Ellis se animara, o lo animaran, a encargarse de Batman una temporada larga.

No descubro nada si digo que los mejores tiempos de Jim Lee ya pasaron, estando lejos del nivelazo de Hush Batman: All Star


RETURN TO CRIME ALLEY (DENNY O'NEIL - STEVE EPTING)

Que el ya anciano Denny O'Neil haya podido escribir este relato es todo un lujo. Acude a una vieja historia, There is no Hope in Crimey Alley, y la reinterpreta. Sin embargo, parece juzgar en demasía la violencia que Batman ejerce sobre los villanos, a modo de recapitulación vital. Es Leslie Thompkins la que cataliza esta manera de pensar en la historia, enfocándose solo en la agresividad de Batman, algo que tampoco es lo principal de su actuación. Es una historia lúgubre, en la que Batman se impone a Bruce Wayne, apenas una figura ensombrecida por el murciélago, según Leslie. Da que pensar este alegato contra la violencia por parte de uno de los editores y autores más importantes de Batman. Claro que en su época, poco había de la brutalidad actual que vemos en sus cómics. En cuanto al dibujo, acorde con el autor del que hablamos, también un clásico.

RETURN TO CRIME ALLEY (DENNY O'NEIL - STEVE EPTING)


HERETIC (CHRISTOPHER PRIEST - NEAL ADAMS)

El responsable de Predicador habría necesitado bastantes más páginas de las que dispone para contarnos su historia. Esto hace que resulte confusa y atropellada, al menos en mi opinión. Empezar una trama que no vas a finalizar, o al menos necesita una conclusión más clara, no es la idea de este recopilatorio. Son demasiados elementos, aunque sin duda homenajea al dibujante que le acompaña, el mítico Neal Adams. Curiosamente, resulta más anticuado este dibujo que el que hacía en los años 70, pero este hombre ya está por encima del bien y del mal, demasiado que a su edad haya participado en el homenaje. Se le debe demasiado como para atreverme a criticarle nada.

I KNOW (BRIAN MICHAEL BENDIS - ALEX MALEEV)


El poco partidario de niños en los cómics, Brian Michael Bendis, se atreve también en este homenaje y mira hacia el futuro. En él, vemos a un anciano Pingüino hablando con un anciano Bruce Wayne. Oswald Cobblepot, seguramente el más inteligente de los enemigos del murciélago, se dedica precisamente a presumir de ello. La conclusión es bastante buena y acorde con la personalidad (y el estado) en el que te imaginas a Bruce de mayor. En cuanto al búlgaro Alex Maleev, que nunca ha sido de mis dibujantes favoritos, reconozco que aquí me gusta mucho su trabajo, recordando a Batman del Futuro en su diseño, casi no le reconozco en el buen sentido. Otra buena aportación a este número 1000.

En este tomo, el ya anciano Denny O'Neil acude a una vieja historia, There is no Hope in Crimey Alley, y la reinterpreta


THE LAST CRIME IN GOTHAM (GEOFF JOHNS - KELLEY JONES)

Geoff Johns se pone sorprendentemente clásico y familiar. Como si de un elseworlds de Tierra 2 se tratara, Batman tiene una familia consolidada. Todo está controlado, y los villanos parecen haberse redimido sinceramente. Gotham  no representa tener muchos problemas con el crimen, salvo un caso algo truculento que tiene bastante significado simbólico. Es algo naif, probablemente de las peores historias del tomo. De este guionista esperaría bastante más. El dibujo de Kelley Jones es menos exagerado y grotesco de lo que suele ser habitual en él, pero no puede evitar las formas gargolescas y robustas que tan poco me fascinan. Muy tontorrón todo, a pesar de algún giro sorprendente.

THE PRECEDENT (JAMES TYNION IV - ÁLVARO MARTÍNEZ BUENO)

En vez de en Batman, este segmento se centra en su primer Robin, que por cierto cumplirá 80 años en el 2020, y en analizar si la existencia del mismo es buena o mala. Obviamente, estamos hablando del mundo de los cómics, no del real. Así que la emoción y la aventura de ser Robin, junto a las experiencias únicas que le han procurado, superan los riesgos y el no haber tenido una vida normal. La bendición del propio Dick Grayson a esta versión da un tono lúdico y alegre a esta historia. Si eres fan de Robin como yo y entiendes que no sobra en las historias de Batman, sino que fue una aportación clave para él, vas a disfrutar mucho estas viñetas. El dibujo es también muy bonito, con una última viñeta encantadora.

THE PRECEDENT (JAMES TYNION IV - ÁLVARO MARTÍNEZ BUENO)


BATMAN GREATEST CASE (TOM KING - TONY S. DANIEL - JOËLLE JONES)


No podía faltar en esta recopilación el actual responsable de la cabecera de Batman. En este caso, Tom King hace una celebración de la familia, reuniendo a los actuales miembros de la batfamilia y entablando una divertida conversación entre Dick Grayson y Damian Wayne. Se va tejiendo un misterio y un aniversario, y un tributo bastante bonito, o a mí me lo parece. Cumple King con lo que se le pide, y el dibujo es también muy agradable, ya que Tony S. Daniel y Joëlle Jones son una gran combinación.

MEDIEVAL (PETER TOMASI - DOUG MAHNKE)


La última historia sirve de aperitivo de qué nos espera en los próximos números de Detective Comics, A cargo de Peter Tomasi, cuya etapa en Batman y Robin no pudo entusiasmarme más. Es tan solo un repaso de algunos momentos clásicos de la historia de Batman y algunos enfrentamientos, a la espera de ver lo que nos depararán los próximos 1000 Detective Comics.

En conclusión, un tomo muy satisfactorio donde todas las historias, o casi, tienen su encanto o razón de ser. Un bonito recopilatorio que cualquiera debería llevarse a casa como hecho histórico que es, ya que es muy accesible para el público casual, sin evitar los guiños a los lectores más conocedores de la trayectoria del murciélago. No nos da la vida para llegar a ver el 2000, si es que se publica, así que disfrutemos de este. Batman se lo merece y nosotros también.

DETECTIVE COMICS # 1000 
1970'S Variant Edition
Edición original en inglés
Guion: Scott Snyder, Kevin Smith, Paul Dini, Warren Ellis, Denny O'Neil, Christopher Priest, brian Michael Bendis, Geoff Johns, James Tynion IV, Tom King, Peter Tomasi
Dibujo: Greg Capullo, Jim Lee, Dustin Nguyen, Becky Cloonan, Stev Epting, Neal Adams, Alex Maleev, Kelley Jones, Álvaro Martínez Bueno, Joëlle Jones, Tony S. Daniel, Doug Mahnke
Tapa blanda, 96 págs., color
Precio, 9,99 $

Con una semana de diferencia respecto al estreno en la BBC ONE, llega a HBO el primer episodio de Years and Years, una serie creada y dirigida por Russell T. Davies (Doctor Who, Queer as Folk). La serie nos cuenta las vivencias de una familia desestructurada de Manchester, los Lyons, formada por cuatro hermanos ya adultos y la abuela. La recordada madre falleció y el padre no parece tener contacto con sus hijos. A través de ellos, vemos una interpretación de lo que los hechos políticos actuales pueden acabar derivando. De fondo, tenemos a Vivienne Rock (Emma Thompson), una política que comienza siendo la friki discordante para poco a poco ir tomando relevancia. ¿Qué podemos decir de este primer episodio de casi una hora de duración?



Sin negar a la serie las virtudes que probablemente posee, la sensación que me ha quedado es que Years and Years no acaba de mezclar bien los géneros que pretende ligar. Por un lado, Russell advierte de los peligros de los tiempos convulsos que vivimos, tanto por los peligros de la invasión de la tecnología en nuestras vidas, como por los acontecimientos políticos y sus consecuencias. La familia Lyons pretende ser el catalizador a través del cual una familia media británica vive esos hechos. Sin embargo, no logran ser creíbles. Por un lado, tenemos a Stephen, casado con Celeste y padres de dos hijas adolescentes. Inspirado sin duda en Black Mirror y su visión distópica de los avances informáticos, su familia sufre a través de una de sus hijas el daño que el futuro inminente puede traer a los más jóvenes. 

Luego tenemos a Daniel, que trabaja en el ayuntamiento dando alojamiento a los refugiados, y que vive con su novio. Las hermana mayor es Edith Lyon, la hija pródiga que va por el mundo buscando calamidades y escribiendo sobre ellas, lo que le da cierta fama. En cambio, está despegada de lo que ocurre en su propia familia. Por último, tenemos a Rosie, afectada por espina bífida y madre soltera de dos hijos, que no por ello renuncia a los hombres.

EMMA THOMPSON ES SIN DUDA LO MEJOR DE LA SERIE

La elección de las características de la familia es tan políticamente correcta que no se ve natural: tenemos homosexualidad, parejas de razas distintas e hijos acordes, minusvalía, madres solteras... Todo un canto a lo que mandan últimamente los cánones de lo políticamente correcto, pero alejado de lo que encuentras en una familia media real. Tienen de todo como en botica. Sin embargo, entre tanta diversidad, ninguno tiene un trabajo de mierda o problemas económicos, algo bastante más abundante que todo lo anterior. 

Los Lyons parecen hablar entre ellos como comentaristas televisivos sobre temas como las fake news o los peligros de la invasión tecnológica. También se censuran entre ellos al hablar como si emitieran en directo, lo cual no es muy plausible. En conjunto, resultan algo fríos e histéricos, fallando en el objetivo de engancharnos para preocuparnos por saber qué pasa con ellos. Los hijos de estos son retratados apenas como unos zombies delante de distintas pantallas. Los problemas reales y mundanos de una familia, como la inseguridad laboral, el estrés, o la falta de tiempo para estar con los tuyos no se muestran. Se van a discursos desacertados sobre qué bien estábamos antes de 2008, como si antes todo fuera paz y tranquilidad, un mensaje bastante ignorante. Si no te gusta Alexa, puedes hacer como yo, no comprarla. Culpar a la sociedad en exceso de decisiones que al fin y al cabo son tuyas me parece un mensaje muy victimista y determinante. Salvaría a la abuela Muriel de la quema familiar, el personaje más acertado y divertido.

UNA FAMILIA CON CURIOSAS PRIORIDADES EN MOMENTOS EXTREMOS

La otra vertiente de la serie, la que nos muestra las noticias políticas, es para mi la más exitosa. La sutil presencia de Vivienne es asimilable a casos muy recientes de ascensos políticos fulgurantes imprevisibles, y Emma Thompson está fantástica, como siempre. Resulta divertido que, en vez de imaginar un presidente norteamericano ficticio que tomara decisiones catastróficas, les bastara el actual. Se ve que no se puede mejorar para dicho papel al señor Donald Trump. No evita el señor Russell mostrarnos a su familia real en este futuro inminente, que nos retrata en un guiño algo cruel.

La política va convulsionando en un escenario que perfectamente puede tener su base en nuestra actualidad. Esa asimilación es la que consigue impactarnos de verdad, con un final que va in crescendo, bien contado y con mucha tensión, donde los Lyon dan rienda suelta a la histeria y a las decisiones disparatadas y fuera de lugar.

Mejor nos habría ido si la serie se hubiera centrado en Vivienne y en cómo va ascendiendo, en vez de mostrar esta familia de una manera tan fallida. Dado que son sólo seis episodios, al estilo británico, queda la esperanza de que el protagonismo que vaya ganando Vivienne en la serie haga que esta suba de interés, porque, a pesar de que Years and Years no me parece tan buena como se está diciendo, se merece que veamos su segundo capítulo. ¿Acaso eso no es un valor a tener en cuenta en estos tiempos?

Once años después de la última película dirigida por Guillermo del Toro, Hellboy II: El Ejército Dorado, llega el reboot de la franquicia, estreno rodeado de polémica por la supuesta censura a la que ha sido sometida la cinta aquí en España. Dirigida por Neil Marshall (Dog Soldiers, The Descent), la película cuenta, como nuevo Hellboy, con David Harbour, popular actor a raíz de su papel de sheriff Jim Hopper en la serie Stranger Things. Estrenada en Estados Unidos el pasado 12 de abril, la película lleva apenas recaudados 22 millones de dólares en aquel país. La taquilla internacional apenas rebasa los 18 millones de dólares. En otra palabras: la cinta está levantando poco entusiasmo entre el público, y menos aún entre la crítica. 

Hellboy (2019)

Mi sexto sentido sobre los estrenos siempre me avisa de que, si dicen que una película es muy mala, probablemente será mejor de lo que la pintan; si aseguran que es la mejor del año, posiblemente será decepcionante. Y es lo que me ha sucedido con Hellboy.

El prólogo de la película sí es decepcionante. El blanco y negro no le viene nada bien a la escena en la que se nos presenta lo que será el mcguffin de la historia: la muerte en el siglo VI de la bruja Vivian Nimue (Milla Jovovich) a manos del rey Arturo. La escena, que parece un anuncio de televisión (ni por un momento te crees ni a ese Arturo metrosexual ni al extraño mago Merlín), está saturada de fondos verdes y CGI, y no demasiado conseguido. Un mal comienzo que ya nos hace dudar que lo que vendrá después pueda ser mejor.

Sin embargo, la cosa mejora. La escena de Hellboy en el ring de lucha libre es todo un homenaje al cómic Hellboy en México (2010), y un guiño al realizador de las anteriores dos entregas. La escena me recordó a Abierto Hasta el Amanecer (1996) y los vampiros mexicanos monstruosos que poblaban la excelente cinta de Robert Rodríguez. Tras esta introducción, que sirve para presentarnos la nueva encarnación del personaje, la historia comienza a desarrollarse, desfilando en pantalla los elementos habituales de los cómics de Mike Mignola: sociedades secretas, ectoplasmas, gigantes, brujas rusas y al socarronería y humor negro propio de Hellboy.

David Harbour, Ian McShane
"¿ME DEJAS QUE TE LIME LOS CUERNOS?" ESTA Y OTRAS FRASES TE SACAN CONTINUAMENTE DE LA PELÍCULA


La película nos muestra a un Hellboy algo más joven, en su comportamiento, comparado al que interpretara Ron Perlman en las películas de del Toro. La actitud hacia su padre adoptivo, Trevor Bruttenholm (Ian McShane), llamándolo "papá" a cada momento, parece darnos a entender que estamos ante un Hellboy menos experimentado y curtido que el anterior. Si bien McShane interpreta a un eficaz Profesor Bruttenholm, la relación padre-hijo no está tan bien perfilada como la de Perlman/John Hurt. 

La interpretación de Harbour como Hellboy no está nada mal. Se nota que el actor se esfuerza por hacer un buen papel, aunque el guion no le dé demasiadas facilidades. Se ha dicho que tanto él como Ian McShane metieron mano en el guion durante el rodaje, rumores desmentidos por los productores, claro está. También se ha comentado que los dos productores se inmiscuyeron en la labor del realizador Neil Marshall, llegando a despedir a su director de fotografía habitual solo para dejar claro quién estaba al mando. Del propio Harbour se dice que abandonó el set en varias ocasiones al negarse a repetir algunas escenas por orden de Marshall. Por ello, no es de extrañar que la película haya acusado estos problemas, dando la sensación, en muchos momentos, que estamos viendo una producción en la que ha metido la mano mucha gente, y no precisamente para bien.

MILLA JOVOVICH
MILLA JOVOVICH, EN EL PAPEL DE LA MALÉFICA DAMA DEL LAGO ARTÚRICA


A pesar de sus 120 minutos de duración, de su montaje algo caótico, su guion errático y sus personajes secundarios no demasiado carismáticos, Hellboy no llega a aburrir. La acción es casi continua, destacando sobre todo la lucha del protagonista con los tres gigantes, la escena con la bruja Baba Yaga  y el clímax del film. Se dice que la versión estrenada en Estados Unidos, clasificada R, contiene bastante gore y escenas violentas. Solo hay que comparar el tráiler español y el americano. De hecho, en la película, se notan los cortes que han suprimido los planos más sangrientos. Aún así, la violencia mostrada en esta película es superior a la de las dos entregas dirigidas por del Toro. ¿Habría cambiado sustancialmente la película de habernos llegado íntegra, sin censura? Seguramente no. Los problemas de este Hellboy no son producto del corte de ciertas escenas, sino de un guion mal planteado, una producción no demasiado cuidada y una falta de valentía al no querer explorar la rica mitología del personaje.

En cuanto a los efectos visuales, como digo más arriba, la película ya comienza mal. Luego, la cosa mejora, sobre todo el excelente maquillaje de Baba Yaga, la criatura cerdo Gruagach, los gigantes o el propio Hellboy. Sin embargo, la escena del Londres invadido por las criaturas sobrenaturales tira demasiado de CGI, con unos diseños que recuerdan bastante al de los monstruos de las películas de Guillermo del Toro, y no solo las de Hellboy. En definitiva, se nota bastante que el presupuesto, de 50 millones de dólares, no daba para mucho más, rozando peligrosamente el aspecto que lucen producciones como las de la productora The Asylum (saga Sharknado) o las del inefable Uwe Boll (Alone in the Dark, En el Nombre del Rey). Solo hay que ver los ectoplasmas, bastante grimosos, la verdad. O el personaje de Daniel Dae KimBen Daimio, un hombre jaguar que aparece fugazmente para que no nos demos cuenta de lo mal recreado que está por CGI.

Daniel Dae Kim, David Harbour, Sasha Lane
ALICE MONAGHAN Y BEN DAIMIO, PERSONAJES RECURRENTES DE LA COLECCIÓN DE CÓMICS BRPD (AIDP EN ESPAÑOL)


Hellboy es un cajón de sastre en el que todo cabe. Una bruja ancestral, interpretada convincentemente por Jovovich, reyes de baratillo, luchadores mexicanos, caballeros ingleses matagigantes, médiums, gente del bosque, chistes malos y un final demasiado parecido al de la película Fuerza Vital (Lifeforce), de 1985. Adelante, revisa los últimos diez minutos del film de culto de Tobe Hooper y me cuentas en los comentarios...

La película, con dos escenas postcréditos en la mejor tradición de Marvel, da a entender que las intenciones de la productora son las de rodar una secuela. Sin embargo, muy bien se le tiene que dar en la taquilla internacional para que esto finalmente suceda. Y es una pena, porque David Harbour ha demostrado encarnar a un más que eficaz "Rojo", lidiando como ha podido con un guion caótico, problemas entre bambalinas y la inevitable comparación con las dos películas anteriores. La rica mitología del personaje creado por Mignola allá por 1993 (atentos a la aparición de Bogavante Johnson, al que da vida Thomas Haden Church) da para mucho más. Lo difícil va a ser que alguien decida apostar de nuevo su dinero para ofrecernos una película, al menos, a la altura de las dos que nos dejó Guillermo del Toro.

No hay más que abrir cualquier web de noticias para saber por qué hemos hecho esta lista. Cuando Ben Affleck fue anunciado como el nuevo Batman, fuimos de los primeros en poner el grito en el cielo. Sin embargo, fuimos capaces de reconocer que nos equivocamos y que el actor encarnó a un estupendo Batman. El anuncio de que Robert Pattinson será el nuevo Bruce Wayne, en principio, nos ha sentado tan mal como cabría esperar. Una vez reflexionamos, nos dimos cuenta de que quizás es hora de dar una oportunidad al chico. El público no solo nos equivocamos con Affleck, sino que actores que tuvieron que aguantar todo tipo de boicots cuando se anunció su casting, acabaron siendo la única cara que se podía imaginar para el papel. Os dejamos con una lista que da bastante margen a la esperanza para Battinson.


TOM CRUISE, ENTREVISTA CON EL VAMPIRO (1994)

Aunque fuera a primeros de los años 90, y eso de las redes sociales y sus recepciones negativas no se imaginaba ni en los más premonitorios libros de ciencia ficción, Tom Cruise no se libró. Hasta la autora del libro Entrevista con El Vampiro, Anne Rice, declaró que "El casting de Tom Cruise es tan extraño, que es casi imposible imaginar cómo lo van a hacer funcionar". El pobre hombre dió lo mejor de sí, hasta colgarse boca abajo para que sus venas fueran más reales... y lo hizo funcionar. La propia escritora reconoció que, nada más verlo en la película, "Cruise fue Lestat para mi". La taquilla y la crítica dieron su bendición, enfilando la carrera de Cruise como actor serio y profesional que hoy tiene consolidada.

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO (1994)
CRUISE HA CONSEGUIDO SER UNO DE LOS ACTORES MÁS RESPETADOS DE HOLLYWOOD

HEATH LEDGER , EL CABALLERO OSCURO (2008)

Qué podemos decir del fallecido Heath Ledger, el único actor de película de superhéroes que ha conseguido el Oscar por aparecer en una de ellas. Sustituir a Jack Nicholson, el perfecto Joker incluso para el productor de todas las películas de Batman, Michael Uslan, era tarea titánica. Cuando se anunció su casting, la gente pensó que Christopher Nolan se había vuelto loco. Ledger apenas era un guaperas australiano del montón para muchos, a pesar de Brokeback Mountain. Resultó que Nolan le ofreció el papel incluso antes de ser escrito, y que el actor accedió tras ver el enfoque de Batman Begins, Según el director británico, El Joker de Ledger fue creación del actor, que sorprendía al director con su enfoque. Tan solo hay que caminar por la calle un rato para ver camisetas con el actor caracterizado 10 años después del estreno de la película para medir su impacto.

HEATH LEDGER , EL CABALLERO OSCURO (2008)
UN ICONO QUE YA FORMA PARTE DE LA CULTURA POPULAR

DANIEL CRAIG, CASINO ROYALE (2006)

"Bajito", "rubio" y "bastante lejos de ser guapo" eran muchas de las críticas que se le hicieron al sustituto del elegante Pierce Brosnan. Difícil de imaginar entonces que el actor cobraría 150 millones de dólares por encarnar el papel por quinta vez. Los productores prefieren pagarle ese disparate que jugársela con otro actor. Dado que se ha lesionado en el rodaje, se ve que ha sido previsor. El enfoque de Daniel Craig para el James Bond del siglo XXI ha salvado completamente un personaje que no siempre ha sido rentable, y al que muchos calificaban de "pasado de moda". Los clásicos nunca mueren, y menos si se reinventan bien.

DANIEL CRAIG, CASINO ROYALE (2006)
YA ERA HORA DE QUE EL CUERPAZO DE LA PELI DE BOND FUERA TAMBIÉN DEL CHICO BOND

ZACHARY QUINTO, STAR TREK (2009)

El inolvidable Sylar de la serie Héroes no era del agrado del fandom para encarnar a un personaje tan mítico como el Doctor Spock. Leonard Nimoy hizo suyo el papel durante tantos años que a sus fans se les olvidó que era mortal y envejecía como todos. Sin embargo, la renovación de la franquicia llegó y con ella un nuevo Spock. La interpretación del actor superó las expectativas, y nadie discute su idoneidad para el papel.

ZACHARY QUINTO, STAR TREK (2009)
SPOCK ES MUCHO MÁS QUE TENER OREJAS PUNTIAGUDAS, Y QUINTO LO SABE

BEN AFFLECK, BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA (2016) 

Incluso nosotros hicimos una lista de por qué no debía ser Batman. Internet se llenó de memes y protestas, avisando Warner Bros. a Ben Affleck de que se alejara de las redes sociales durante un tiempo para no verse afectado por ello. Hasta que se estrenó Batman V Superman. Y lo que muchos destacaron como lo mejor de la película fue su actuación... o sólo su actuación. Una pena que sus circunstancias personajes y el rendimiento menor de lo esperado nos haya privado de más apariciones de Batfleck como Bruce Wayne/Batman.

BEN AFFLECK, BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA (2016)
BATFLECK SE DESPIDE DEL PAPEL CALLANDO MUCHAS BOCAS... COMO LA NUESTRA

CHRIS PRATT, GUARDIANES DE LA GALAXIA (2014)

¿El chico regordete de Parks and Recreation de superhéroe espacial? Ni el director de la película, James Gunn, quería hacerle una prueba. Sin embargo, su asistente de casting le convenció para ello y rápidamente lo vió en el papel... y en el gimnasio. Tras el esfuerzo físico y nutricional realizado, los 136 kilos que llegó a pesar el actor por exigencias del guión se transformaron en 100 kilos de músculo. Es cierto que ha bajado de forma física desde la primera película de Guardianes, pero ahora que su suegro es Arnold Schwarzenegger, seguro que lo pone firme de nuevo. Es, probablemente, el héroe Marvel que mejor le ha ido fuera de La Casa de las Ideas.

CHRIS PRATT, GUARDIANES DE LA GALAXIA (2014)
- ¡VOY A PROTAGONIZAR PELIS DE MARVEL Y  DE JURASSIC PARK!
- CLARO QUE SÍ, DE SUPERBARRIGA...

ANNE HATHAWAY, EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE (2012)

Otra que no convenció en su momento como partenaire de Batman. La chica era demasiado delgada, poco sexy, enclenque... Frente a otras actrices más impactantes visualmente como Jessica Biel. Pero las pruebas de casting están para algo, así que Anne Hathaway se llevó el papel en The Dark Knigt Rises a pesar de no ser, en principio, la más guapa de las opciones. Y finalmente, nos ofreció una elegante, carismática y ágil Catwoman a la que pocos peros se le pueden buscar.

ANNE HATHAWAY, EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE (2012)
ANNE HATHAWAY SE LLEVÓ POR DELANTE A BANE Y A LA CRÍTICA CON SU INTERPRETACIÓN

La conclusión es que, con estos antecedentes, debemos tener un margen de confianza y entender que nuestro trabajo no es hacer películas, ni elegir actores. Mi favorito era Armie Hammer (Operación U.N.C.L.E., El Llanero Solitario), pero qué le vamos a hacer... Matt Reeves (El Amanecer del Planeta de los Simios, Cloverfield) es el autor del guión, y él sabrá qué necesita para que su película sea el éxito que el mundo espera. Esperemos que acierte.

Uno de los eventos comiqueros más esperados de los últimos años ha sido, sin duda alguna, el cruce entre el universo de Watchmen, ideado por Alan Moore y Dave Gibbons a finales de la década de los 80, y el Universo DC actual. ECC Ediciones, como novedad destacada, inicia el mes de julio la publicación, en doce grapas, de El Reloj del Juicio Final, una miniserie donde finalmente descubriremos si el responsable de haber trasteado con la continuidad del Universo DC ha sido, como sospechamos, el Dr. Manhattan. A los mandos del proyecto, Geoff Johns y Gary Frank.

ECC Ediciones: Novedades de Julio de 2019

Una lectura más liviana es la nueva serie trimestral dedicada a Shazam, también con Geoff Johns como guionista. Tras el sorprendente y divertido enfoque de la reciente película, ahora toca descubrir el nuevo Shazam de Renacimiento. Otro guionista estrella es Brian Michael Bendis, un reciente fichaje que está dando mucho que hablar, como es el caso de su nueva colección Young Justice, que inicia su andadura el mes de julio.

El mítico guionista Marv Wolfman regresa con su obra Hombre y Superman, un cómic ilustrado por Claudio Castellini (DC vs. Marvel) en el que se exploran los primeros años de Clark Kent en Metropolis. Y para acabar con la ronda de recomendaciones, destacar el tomo omnibus DC / Hannah Barbera Integral, en el que se recopilan todos sus especiales: Booster Gold / The Flintstones, Green Lantern / Space Ghost, Adam Strange / Future Quest y otros muchos.

En el siguiente PDF encontrarás el resto de novedades que ECC irá sacando a la venta los días 4, 11, 18 y 26 de junio.

Nos acercamos al verano, época del año propicia para el descanso y, por supuesto, la lectura. Por ello, Diábolo Ediciones lanza en mayo y junio seis publicaciones para llenar esos agradables momentos de lectura junto al mar o la piscina. En primer lugar, y para los amantes de la poesía, llega la segunda edición del cómic Antonio Machado: Los Días Azules, de Cecilia Hill y Josep Salvia. En esta obra, ambos autores hacen un recorrido por la vida del poeta andaluz en los azarosos años de la Guerra Civil. En definitiva, una bella novela gráfica que nos descubre la manera de ser y de pensar de un literato universal durante un período tan triste de nuestra historia.

Diábolo Ediciones. Novedades de Mayo y Junio de 2019

A finales de mayo sale a la venta la segunda edición de Tim Burton. Simios, Murciélagos y Jinetes sin Cabeza, de David G. Panadero y Miguel Ángel Parra. En esta edición, actualizada hasta su última producción, Dumbo, los autores analizan la carrera de este genial aunque controvertido cineasta, odiado y amado a partes iguales. Puedes leer nuestra reseña de la primera edición en este enlace

Para los amantes del misterio, Diábolo Ediciones presenta una obra fundamental sobre una de las escritoras más influyentes del género: Agatha Christie. En el libro El Universo de Agatha Christie, Juan José Montijano Ruiz nos desvela cómo alguien aparentemente tan dulce y apacible era capaz de idear crímenes y misterios tan enrevesados y absorbentes. Un libro esencial para los fanáticos de la conocida como "Duquesa de la Muerte".

Del crimen y del misterio pasamos a los juguetes de nuestros padres, las inolvidables muñecas Mariquita Pérez. En el libro Descubriendo a Mariquita Pérez, Alicia Amigó y Salud Amores hacen un excelente trabajo de investigación en torno a estas míticas muñecas. Curiosidades, orígenes y todo lo relacionado con un juguete que todavía hace furor entre los coleccionistas de lo añejo. 

Y para terminar, dos cómics. En primer lugar, el tercer volumen de la Biblioteca de Cómics de Terror de los Años 50, esta vez dedicado a los zombis. Artistas como Gene Colan, Reed Crandall o Wally Wood nos dejaron algunas de las historietas de horror más memorables de la historia del cómic, época de esplendor tristemente truncada por el infame Dr. Fredric Wertham y su libro "la Seducción del Inocente", que dio lugar a la autocensura en los cómics estadounidenses. El segundo cómic es la edición en color de Miau, de José Fonollosa, una novela gráfica gatuna superventas que hará las delicias de los amantes de estos felinos.

Se estaba destacando mucho en medios esta estreno de Netflix, protagonizado por Christina Applegate (Matrimonio con Hijos), como toda una sorpresa. Dado que sus episodios solo duraban media hora, algo que tantas veces reclamamos a Netflix, me animé con ella. Sin embargo, una vez terminada, debo decir que no merece tanta alabanza como está recibiendo. ¿A qué se debe esta impresión?

Dead To Me , Muertos Para Mí

Antes que nada, considero que debemos acuñar un nombre para definir esas series que, sencillamente, van de la vida de las personas. Erróneamente, se llama "comedia" a todo, cuando en estas se da por sentado que vas a reirte, cuando no es el caso. Quizás "serie cotidiana" encajaría más con esta producción. Jen (Christina Applegate) acaba de perder a su marido por culpa de un conductor que se dio a la fuga. En terapia conoce a Judy (Linda Cardellini), con la que hace estupendas migas, y en la que se apoya enormemente en unos momentos tan duros. Poco a poco, vamos descubriendo el por qué de esa aparente amistad casual, y la realidad de ambas mujeres, llenas de problemas como la vida de cualquiera.

Si bien las dos mujeres protagonistas son las mejor perfiladas de la serie, del resto no podemos decir lo mismo. La pareja de Judy, Steve (James Marsden) está al servicio de una historia que cada vez se torna más inverosímil. Es imposible que ese hombre hubiera dejado tantos cabos sueltos en la posición que está. Tampoco la suegra de Jen va más allá del cliché de madre política odiosa que no disimula el rencor hacia su nuera, cuando estos temas suelen ser mucho más sutiles.

SABER QUE EL MÍTICO LOU GRANT (EDWARD ASNER) SIGUE EN ACTIVO, DE LO MEJOR DE LA SERIE

A pesar de ser sólo 10 episodios de media hora, se hacen algo pesados. Sobran unos pocos, y si he finalizado la serie es más por cabezonería que porque merezca la pena. Poco a poco se van desgranando tópicos y momentos más propios de un telefilm que de una serie que va a alguna parte o pretende aportar algo. No lo hace, al contrario: va de más a menos a lo largo de los episodios. Los personajes masculinos salen bastante mal parados, y las decisiones que van tomando las mujeres poco se ajustan a la verosimilitud. A pesar de lo dicho de los personajes secundarios, sí destacaría el papel de Abe, el inolvidable Lou Grant que da alegría que siga en activo. Es de lo más emotivo.

La pareja de Judy, Steve (James Marsden) está al servicio de una historia que cada vez se torna más inverosímil


Salvando algunos momentos bien llevados sobre el duelo de la protagonista, y el estrés de Judy, el resto no merece demasiado la pena. Menos si tienes que dedicarle cinco horas de tu vida para saber el final. Por ejemplo, los hijos de Jen dan bastante menos problemas de lo que lo hacen los hijos a su edad, y no se profundiza mucho, ni se sabe, de cómo afecta a los pequeños lo que ha ocurrido con su padre. Entiendo que la serie no es un estudio psicológico sobre nada, pero se puede hacer bastante mejor. Los personajes casuales que van apareciendo y que son claves para la trama son demasiado forzados. Y, por supuesto, un final acorde con lo políticamente correcto, lo único que podría haber salvado la serie.

JAMES MARSDEN EN UN PAPEL PURAMENTE ALIMENTICIO AL SERVICIO DE LOS DISPARATES DEL GUION

Es posible que hagan una segunda temporada, pero no seré yo quien la vea. Hay muchas mejores series que ver antes que esta, que son capaces de aportar algo más que ideas trilladas y soluciones fáciles. Sólo se me ocurre recomendarla si queréis una serie de fondo que no necesite mucha atención y os permita hacer otras actividades. Si no, de verdad que hay mucho, muchísimo que ver mejor que esto.

Reconozco que cuando Movistar+ se lanzó a crear sus series propias viendo que se quedaba sin los derechos de las ajenas con tanta competencia, no albergaba grandes expectativas. Además, no publicita a todas por igual. Producciones como Velvet o la no renovada Arde Madrid, cuyo primer capítulo fue suficiente para no ver más, se anuncian en marquesinas de buses, canales televisivos y webs seriéfilas. Sin embargo, otras apenas reciben bombo que las hagan destacar, al menos en principio, entre la ingente oferta. Es el caso de El Día de Mañana, dirigida por Mariano Barroso. Lo poco que oí de ella al estrenarse no transmitía en absoluto la grandísima serie que es. La he visto casi un año más tarde de su estreno, y por recomendación de un familiar. Es por eso que escribo esta reseña, para que os acerquéis a ella y veáis que en España se hacen series imbatibles cuando queremos.

El Día de Mañana

La serie está basada en el libro del mismo nombre, del autor Ignacio Martínez de Pisón. No me lo he leído, pero ganas no me faltan tras disfrutar de esta producción de seis episodios absorbentes, y las alabanzas de quienes lo han leído hacia la misma. La historia comienza en la España tardofranquista de los años 60, donde conocemos a Justo Gil. Este se presenta en la casa de su primo proveniente del pueblo, para que le ayude a curar a su madre que permanece catatónica. A pesar de que no lo recuerda, su primo le ayuda  a instalarse en su casa en contra de la opinión de su mujer. El trastorno familiar que esto provoca se retrata especialmente bien. Los diálogos son de lo más naturales y las situaciones totalmente asimilables a la época reflejada. A pesar de que Justo es un cateto de libro, rápidamente aprende a desenvolverse y a encontrar oportunidades laborales en una Barcelona en pleno desarrollo. La caracterización del actor Oriol Pla es fabulosa, consiguiendo que todo cuanto hace Justo sea comprendido por el espectador, incluso en aquellas ocasiones que daña de manera terrible a su entorno.

La serie está basada en el libro del mismo nombre, del autor Ignacio Martínez de Pisón


El objetivo de salvar a su madre y conseguir el dinero necesario para ello va quedando atrás mientras lo vemos ir subiendo en la escala social tirando de su viveza y capacidad de aprendizaje. Sin embargo, nunca nos parece excesiva su fortuna, ya que no es lineal ni continuamente provechosa su trayectoria.

No falta la chica objeto del interés amoroso de Justo, otro punto fuerte de la serie. El retrato de Carme (Aura Garrido) y su familia, especialmente su tío, es otra muestra fantástica del realismo de esta serie, que no necesita más que la cotidianidad de la época para que cada capítulo nos absorba sin falta.

El Día de Mañana
A JUSTO LE TOCA SALIR DE APUROS CADA DOS POR TRES

Los acontecimientos se van sucediendo sin que averiguar lo que va a suceder sea posible para el espectador. El tiempo va pasando e influyendo en lo que ocurre. Los personajes secundarios son todos destacables e interesantes, ayudados tanto por grandes interpretaciones como por una caracterización y ambientación excelentes. La policía franquista y los acontecimientos políticos tienen su peso en la serie, ayudando a dar un trasfondo aún más interesante. Advierto que algún momento puede ser algo duro o violento en este aspecto, pero es lo que había y disimularlo es peor que contarlo tal cual.

El enigmático Justo es un perfecto antihéroe que te atrapará sin dudar desde los primeros minutos de metraje. Cada uno puede juzgar si lo que hace está bien, mal o regular. Indiferente seguro que no. Poco más debo contar porque la serie va avanzando en el tiempo y en la trama de una manera poco previsible, y así debéis disfrutarla. El problema de llamarse como una popular película relativamente reciente con la que nada tiene que ver quizás le haya venido mal de cara a promocionarla. Supongo que habría sido mejor llamarla de manera diferente al libro como se hace en otras ocasiones. Y algo más de promoción también, ya que esta parece asignarse más por la fama de los actores que por la calidad de la serie. 

Si las sublimes series que RTVE de principios de la década de los 80 de las obras de Galdós o Blasco Ibáñez hubieran evolucionado de una manera natural, sin duda El Día de Mañana sería su heredera más justa. Para todos aquellos que hayáis perdido la esperanza de volver a ver ese tipo de producciones tan superiores a lo que se hace actualmente, no os perdáis esta serie. Hay esperanza.

Como viene siendo habitual, los videojuegos van teniendo su repercusión en el mundo del cómic. Es el caso de esta historia, Los Pecados del Padre, novedad de ECC Ediciones, donde se continúa lo visto en The Telltale Series hasta llegar a la segunda parte del videojuego, The Enemy Within. Desafortunadamente, no tengo tiempo para dedicarlo a los videojuegos, así que no lo conozco. De todas formas, con saber que se basa en la idea de que Thomas Wayne fue un malvado que cimentó su fortuna aprovechando el poder que le daba su posición de médico decidiendo quién entraba o no en Arkham, es suficiente. ¿Merece la pena esta historia llevada al cómic de la mano del guionista Christos Gage?

Batman: Los Pecados del Padre

Debo reconocer que me animé con esta historia porque había visto buenas referencias por la web, ya que no me suelen entusiasmar este tipo de cómics. La historia comienza con un Bruce Wayne muy avergonzado por los horrores cometidos por su padre. No solo eso, sino que las consecuencias legales de aquello ponen en peligro la continuidad de Empresas Wayne.

A partir de aquí es cierto que se va construyendo un relato bastante más complejo de lo que suelen ser estas historias originadas en videojuegos salvando, por supuesto, Injustice, Gods Among Us. Muchos matices afectan a lo que va sucediendo y hay sorpresas interesantes por el camino. Sin embargo, hay algo de rigidez en el Batman que nos representan. En mi opinión, se aleja de los retratos más ambiguos del murciélago, para mí los más interesantes. Verlo aplicar reglas sin matices no me resulta demasiado interesante, sino copiar una idea de Batman quizás apropiada para lectores casuales, pero no tanto para los habituales. Por otro lado, su lado más sentimental está más aflorado de lo normal. Estamos ante un Batman que está asimilando que su padre era bastante peor persona que la mayoría de los que él detiene. Y esto no es un problema de Batman, sino de Bruce Wayne. Por eso se le dedica más tiempo a su parte civil y a lo que todo esto significa para la empresa que encabeza, así como las posibles soluciones que puede dar a los damnificados por los horrores perpetrados por su padre. Eso sí, en esta historia, batfamilia poca.

¿VEIS A QUÉ ME REFIERO CON LA RIGIDEZ EN EL DIBUJO?

En cuanto a la historia del villano, me ha sorprendido por ser tan detallada y no escatimar temas algo escabrosos y evitados por lo general. La rigidez de la respuesta de Batman, o mejor Bruce Wayne, se hace poco comprensible en este trato. Todos los villanos no son iguales y a estas alturas debería saberlo mejor que nadie. Es una historia libre de continuidad, y por eso las biografías de unos y otros no tienen que cuadrar con nada previo.

El dibujo de Raffaele Ienco no me ha seducido demasiado. Es correcto, con algunos momentos mejores que otros, pero algo anticuado en el estilo. Quizás le falta agilidad y flexibilidad, como ocurría en los videojuegos más antiguos. Correcto es, pero sorprendente no.

No es un tomo imprescindible, seguramente porque apunta a un público ocasional que provenga de los videojuegos, pero le reconozco la virtud de estar por encima de la media de los cómics que provienen de estos. Si os apetece, echadle un vistazo, si no, tampoco pasa nada.

BATMAN: LOS PECADOS DEL PADRE
ECC Ediciones
Edición original: Batman Sins of the Father núms. 1-6 USA
Guion: Christos N. Gage
Dibujo: Raffaele Ienco
Rústica, 144 págs. A color.
Precio: 13,50 €

Estrenada en 2001, El Viaje de Chihiro, dirigida por el maestro de la animación japonesa Hayao Miyazaki, puede considerarse una de las películas más influyentes de la cinematografía nipona de principios de este siglo. Tras una gran acogida por parte de crítica y público, algo evidenciado por los más de treinta premios recibidos, el largometraje de Miyazaki se ha convertido, no solo en un clásico instantáneo, sino en objeto de culto de toda una generación. Álvaro López Martín pertenece a esa generación, como lo demuestra el enorme impacto que la película dejó en este madrileño de apenas 35 años, autor del libro al cual dedico esta reseña y del que Diábolo Ediciones acaba de lanzar su cuarta edición.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

Álvaro es autor, entre otras obras, de Mi Vecino Miyazaki. Studio Ghibli, la Animación Japonesa que lo Cambió Todo (2014), que ya va por su sexta edición, y Antes de Mi vecino Miyazaki. El Origen de Studio Ghibli (2016), obra esta última que reseñamos aquí, ambos editados por Diábolo. Por ello, no era raro que alguien tan versado en el maravilloso mundo surgido de la imaginación del maestro Miyazaki no dedicara un volumen a analizar la que, según algunos, es la obra cumbre del animador y realizador nipón.

El libro va por su cuarta edición, lo que da una idea del enorme interés que esta icónica película sigue generando, no solo entre seguidores del anime, sino entre amantes del Séptimo Arte en general. Prologado por la periodista Marta Fernández (El País, Jot Down), el libro se divide en ocho capítulos, ocho etapas que siguen cronológicamente el fascinante y surrealista viaje de la joven protagonista. El autor, queriendo analizar con todo detalle todas y cada una de las escenas de la película, se detiene y recrea en cada plano, cada fotograma. De este modo, leer este libro es como sumergirse de nuevo en el universo de Chihiro, solo que con otros ojos, los ojos del autor de este cautivador libro.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

De este modo, plano a plano, escena a escena, secuencia a secuencia, el autor desgrana los mensajes ocultos de una película preciosista, sujetos a variedad de interpretaciones. En ocasiones, el autor se basa en la mitología e historia niponas para tratar de contextualizar la película. En otras ocasiones, al igual que Chihiro, se permite la licencia de echar a volar su imaginación y su sabiduría sobre el manga y el anime, dicho sea de paso, para dar su propia interpretación sobre ciertos momentos de la cinta. No debemos culpar a Álvaro de ofrecer su visión subjetiva de El Viaje de Chihiro (como he leído en alguna reseña), a fin de cuentas es el autor y es libre de trasladarnos su propia visión de las cosas. Si duda, se trata de un pecado menor comparado con la enorme labor que ha supuesto condensar en apenas 280 páginas un análisis tan completo e interesante como el que nos ofrece en su obra.

El autor, queriendo analizar con todo detalle todas y cada una de las escenas de la película, se detiene y recrea en cada plano, cada fotograma


Para hacer más amena la lectura (si tal cosa es posible), el autor ha querido ofrecernos cuadros fuera de texto sobre tal o cual detalle de la película. La cantidad de información que nos ofrece Álvaro con estos recuadros es impresionante. De este modo, conocemos algunas curiosidades sobre el automóvil de la familia de Chihiro, el cual aparece en las primeras escenas, información sobre lo que comen los protagonistas o datos sobre las ricas tradiciones japonesas relativas al mundo espiritual. Incluso, el autor se permite comparar el clásico de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas con el film de Miyazaki, influencia reconocida en varias ocasiones por el animador japonés. Se trata, en definitiva, de cuadros de información que enriquecen y complementan la descripción que el autor va haciendo de la película de manera cronológica.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

Una de las señas de identidad de Diábolo Ediciones es la gran cantidad de imágenes que acompañan los textos de su colección sobre la cultura popular. Este libro, obviamente, no iba a ser una excepción. De hecho, los fotogramas más importantes del largometraje de Miyazaki sirven de apoyo al texto del autor, sirviendo como recordatorio de una película que, parafraseando el título del libro, no necesita ser recordada porque no se olvida jamás...

Claro está, una obra tan completa y rigurosa como esta no podía carecer de un capítulo dedicado a la producción de El Viaje de Chihiro. Aquí, el autor nos desvela cómo la idea de hacer esta película surge como reacción de Miyazaki a la traumática producción de La Princesa Mononoke (1997) y el fallecimiento de su amigo y mano derecha en Estudio Ghibli Yoshifumi Kondô en 1998. Miyazaki deseaba realizar un largometraje más optimista, y ahí surgió El Viaje de Chihiro, inspirado en el libro "Un Pueblo Misterioso Más Allá de la Niebla", de Sachiko Kashiwaba.

La idea de hacer esta película surge como reacción de Miyazaki a la traumática producción de La Princesa Mononoke


A pesar del optimismo que Miyazaki quería imprimir a la cinta, la producción no estuvo exenta de problemas. Finalmente, la película fue estrenada en todo el mundo con una recaudación global en salas que alcanzaría los 274 millones de dólares. En un apartado especial, el autor enumera todos y cada uno de los galardones obtenidos por esta película, así como sus nominaciones.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

El autor finaliza el volumen con una sentida reflexión acerca de la película. A modo de conclusión, Álvaro López imagina qué sucede a Chihiro tras los títulos de crédito finales, cómo el maravilloso viaje que ha experimentado (¿ha sido real o solo un ensueño?) la cambia para bien y la empuja a ocupar su lugar en el mundo. El Viaje de Chihiro no es solo una película de dibujos animados, es filosofía concentrada, es saber cómo vivir y cómo crecer. Es una hermosa obra de arte con un contenido que trasciende sus imágenes y toca el corazón del espectador. Es, en definitiva, una película tan inmensa y rica en contenido que no debemos extrañarnos que un autor como Álvaro López Martín, un enamorado de la cultura japonesa, haya dedicado tanto esfuerzo y pasión a un libro que nos desvela los secretos más íntimos de esta gran película, como la bella cita que titula su capítulo final: "Nada de lo que sucede se olvida jamás, aunque tú no puedas recordarlo."

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás
Diábolo Ediciones
Autor: Álvaro López Martín
Cartoné, 280 págs. color
Precio: 25,95 €

Forjado por lo herreros enanos con el indestructible metal asgardiano uru, el martillo Mjolnir es una de las armas más poderosas del Universo Marvel. En una de sus caras, una inscripción reza como sigue: "Cualquiera que sostenga este martillo, si es digno, poseerá el poder de Thor". Incluso quien no haya leído nunca un cómic de Thor sabe que no solo el hijo de Odín es capaz de alzar el martillo ya que, en las películas, Visión (sí, ya sé que es un robot) y Capitán América también lo han levantado. La lista de "dignos" es, en los cómics, mucho más larga. Incluso, han sido varios los villanos que, de un modo u otro, han blandido el todopoderoso martillo. En esta entrada repasaremos los personajes dignos de levantar Mjolnir, dejando los "no dignos" para otra ocasión.

"Cualquiera que sostenga este martillo, si es digno, poseerá el poder de Thor"

JANE FOSTER

Tras perder Thor su poder para levantar a Mjolnir, una mujer desconocida asume el rol de Diosa del Trueno. Esa mujer no es otra que Jane Foster quien, enferma de cáncer de mama, resulta ser digna de blandir tan fenomenal arma. Irónicamente, los poderes que le brinda el martillo no solamente no la curan del cáncer, sino que agudizan su enfermedad, al ser eliminada la radiación con la que era tratada gracias a la protección del arma. Este arco argumental, de 2014, ya había sido explorado hacía ya algunos años, concretamente en 1978, en el número 10 del volumen 1 de la colección What if? con el título "¿Qué Hubiera Pasado si Jane Foster Hubiera Encontrado el Martillo de Thor? Como ves, está todo inventado.

Jane Foster demuestra ser digna de Mjolnir

BILL RAYOS BETA

Creado por Walt Simonson, este alienígena del planeta Korbin, tuvo su primera aparición en el número 337 de la colección The Mighty Thor, publicado a finales de 1983. Fue el primer personaje del Universo Marvel no asgardiano en blandir el martillo uru. Tras descubrir que el korbinita era capaz de tal proeza, Odín organizó una lucha entre este y su hijo Thor. El alienígena, impresionado por la nobleza del asgardiano, lo salva de una muerte segura, pero sigue reclamando para sí Mjolnir. Para zanjar la disputa, Odín le entrega a Bill Rayos Beta un nuevo martillo, Stormbreaker, forjado con el metal del corazón de una estrella enana, tal y como sucede en la película Vengadores: Infinity War.

Bill Rayos Beta

CAPITÁN AMÉRICA

Sin duda, uno de los personajes Marvel más íntegros es Steve Rogers. Puro de corazón y de voluntad inquebrantable es el candidato perfecto para alzar el martillo de Thor. Tres son las ocasiones en las que esto ha sucedido en los cómics. La primera vez solo lo hace brevemente, en el número 390 de la colección The Mighty Thor (1988), cuando ni siquiera portaba su escudo y se autodenominaba, a secas, "El Capitán". La segunda, en la miniserie "Miedo Encarnado", de 2011, gracias al poder que le brinda el Dios del Miedo asgardiano. La tercera vez, en el evento "Imperio Secreto", en el que un Capitán América agente de HYDRA fue capaz de levantar un martillo que luego resultó ser falso. Más tarde sería derrotado por el verdadero Capitán, eso sí, blandiendo el Mjolnir legítimo.

Viñeta del cómic "Imperio Secreto"

VALKIRIA

En mi opinión, Valkiria es una de las heroínas del Universo Cinematográfico Marvel que menos me ha convencido hasta ahora. La razón no es el cambio de raza (aunque algo tiene que ver), sino la poca fuerza y el poco carisma que la actriz Tessa Thompson ha insuflado a su personaje, en teoría, una guerrera asgardiana casi insuperable en combate. Pues bien, en los cómics, la versión Ultimate de Valkiria, la joven Barbara Norris, fue capaz de blandir a Mjolnir tras arrebatarselo a Magneto cortándole el brazo. Esto sucedió en el cómic Ultimátum, publicado en 2008.

Ultimátum (2008)

TORMENTA

Y ya que hemos mencionado a un mutante, Magneto, fue otro mutante, algo más digno que Erik Magnus Lehnsherr, quien fue capaz de manejar el martillo uru: Ororo Munroe, la X-Men conocida como Tormenta. Quién mejor que la diosa africana del tiempo para blandir el martillo del trueno, ¿no es así? En realidad, el primer martillo en ser alzado por Munroe no fue Mjolnir, sino Stormcaster, creado por Loki. Tras descubrir que había sido manipulada por el Dios de las Mentiras, Tormenta entregó el martillo. Años después volvió a blandirlo, en esta ocasión luchando contra Thor. En dicha pelea, Tormenta levantó el propio martillo de Thor para destruir a Stormcaster, probando que era más que digna para ser Diosa del Trueno.

Tormenta, Diosa del Trueno

WONDER WOMAN

Solo en un crossover tan importante como Marvel Versus DC, Volumen 1 (1996), podía haber dos héroes merecedores de alzar el martillo Mjolnir. Uno de ellos fue Wonder Woman. La amazona, al encontrar el martillo perdido por Thor, leyó su inscripción y se sintió tentada a alzarlo, siendo bañada instantáneamente por energía y convirtiéndose en una versión femenina del Dios del Trueno. Probando que era digna merecedora de blandir el martillo de Thor, ni siquiera lo usa en su batalla contra Tormenta, considerando que le brindaría una injusta ventaja.

Marvel Versus DC


SILVER SURFER

Norrin Radd, Silver Surfer (Estela Plateada como es conocido entre los fans españoles) es otro que de los personajes Marvel dignos de blandir el martillo del Dios del Trueno. Concretamente, Estela empuña a Mjolnir en el volumen dos de la colección Thanos, en su número 17, publicado hace poquito, en 2018. En este cómic, el nuevo guionista estrella Donny Cates elige a Silver Surfer como la última esperanza capaz de detener a un casi imparable Thanos en su afán por destruir la realidad. ¿Cómo? Literalmente, convirtiéndose en el último Dios del Trueno del universo.

Thanos #17

THROG

Creado por Walter Simonson, Simon Walterson (lo has pillado, ¿no?) era un humano que, debido a un encantamiento, fue convertido en rana. Tras conocer a Thor, que también había sido transformado en rana, Puddlegulp (el nombre del alter ego batracio de Walterson) se hace amiga del Dios del Trueno. A partir de una astilla de metal uru de Mjolnir, Throg es capaz de transformarse en Dios del Trueno, exactamente con los mismos poderes que el hijo de Odín. Más tarde, el pequeño héroe formó parte de los Pet Avengers, junto al perro Mandíbulas, de los Inhumanos, el dragón Lockheed, Redwing, el halcón de Sam Wilson o Zabu, el dientes de sable de Ka-Zar, entre otros animales.

Throg (Simon Walterson)

BLACK WIDOW

De nuevo, volvemos a un What if? (What if? Age of Ultron, 2014), en este caso uno en el que, debido al Ragnarok, Thor y todos los héroes con superpoderes fallecen, y es Natasha Romanoff la mortal digna para empuñar su martillo. Hay muchas teorías rondando por ahí de por qué Natasha rehusó levantar Mjolnir en la película Vengadores: la Era de Ultrón. Unos dicen que porque se sabía no digna y mejor no hacer el ridículo. Sin embargo, algunos fans aseguran que Black Widow se sentía capaz, en su fuero interno, de alzar la poderosa arma, y precisamente por ello declinó entrar en el juego.

What if? Age of Ultron, 2014

SUPERMAN

Si Wonder Woman es digna de levantar el martillo de Thor no lo es menos Superman. En el cómic JLA/Vengadores, escrito por Kurt Busiek y dibujado por George Pérez, los héroes de ambos universos deben unir fuerzas para luchar contra Krona, una todopoderosa entidad de Oa, el planeta de los Guardianes del Universo, líderes de los Green Lantern. En este épico enfrentamiento, Superman resulta ser merecedor de blandir, no solo Mjolnir, sino el escudo del Capitán América. Eso sí, el kryptoniano solo es capaz de levantar el arma después de que Odín, impresionado por su valor, suavice el encantamiento que impide que ningún ser no digno lo alce.

JLA/Vengadores

No son estos los únicos personajes dignos de alzar el martillo de Thor. Otros, como la Visión, como dije al inicio, son capaces de manejarlo dada su naturaleza intrínsecamente incorruptible, al ser un robot. Otros, como Deadpool o Hulk, sencillamente no estaban levantando el verdadero Mjolnir... En cambio, varios han sido los supervillanos que, de un modo u otro, han sido capaces de manejar el arma de metal uru, un tema que exploraremos en un próximo post.