03/01/2019 - 04/01/2019

Una de las épocas más remarcables de los cómics es, posiblemente, la segunda mitad de los años 80. La publicación de obras como El Regreso del Señor de la Noche, de Frank Miller, de alguna manera inspiró al resto para dar lo mejor de sí mismos. Claro que Jim Starlin no es que necesitara, precisamente, tomar nota de nadie. Esta obra, de 1988, se ambienta en el final de la Guerra Fría, con un enemigo venido, directamente, de la Unión Soviética. Con un dibujo a cargo del irrepetible Jim Aparo, procedemos a analizar esta obra que acaba de reeditar ECC Ediciones en un volumen en tapa dura.

Batman: Las 10 Noches de la Bestia
NO ENTIENDO QUE LA PORTADA NO SEA DEL DIBUJANTE DE LA OBRA. NI QUE SEA TAN FEA...

Como ya hemos comentado, la obra ya apunta que el final de la Guerra Fría está cerca, de manera que cuida el origen del villano, apartándolo del cliché del simple ruso malo. Es inevitable pensar que este KGBestia se parece no mucho, sino muchísimo, a Bane, creado posteriormente (en Batman: Vengeance of Bane #1, enero de 1993). La obra de Starlin y Aparo dedica mucho tiempo a la narrativa, algo que ha dejado de hacerse en los cómics, pero no porque los lectores nos hayamos quejado. Es una historia compleja, que se toma su tiempo en explicarnos cómo llega el villano a Gotham, y las consecuencias que tiene su venida en la ciudad. La brutalidad de los crímenes de KGBestia eran raros para la época, y consiguen impresionar.

Batman se siente aturdido ante esta mole que debe enfrentar, hasta el punto de reconocer que ha encontrado a alguien superior a él. El Robin que le acompaña es Jason Todd, en una de las pocas historias realmente relevantes que tuvo ocasión de compartir antes de su fatal desenlace. Sin embargo, tiene un papel asistencial, lo cual es bastante más creíble que convertirlo en estrella. Starlin no ignora a Robin, pero sabe que el protagonista de su historia es Batman.

EL DISEÑO DEL TRAJE DE KGBESTIA... SE PUEDE MEJORAR, ENTONCES Y AHORA

Los enredos políticos (con invitado sorpresa), los dobles juegos, los disfraces y los misterios forman parte de la trama, necesitando toda tu atención para no perderte. Ya no se cuentan las historias de esta forma, y es un gustazo reencontrarse con este estilo.  

La sensación de angustia que genera las atrocidades de Anatoli Knyazev, la KGBestia, se va desarrollando a lo largo del tomo, y llegas a cuestionarte si Batman podrá con él. Estamos ante un Batman humano y urbano, lejísimo de ser el héroe infalible de los últimos tiempos. El tiempo que Starlin dedica al sufrimiento de Batman cayendo desde un edificio es brillante. Solo pondría la pega de que Jim Aparo no supo transmitir en sus dibujos la escena que provoca la decisión que hace caer a Batman. No se entiende, pues no cuadra con lo que se nos cuenta.

Batman: Las 10 Noches de la Bestia

Una historia bastante adulta, que destaca de principio a fin. De hecho, el final es bastante sorprendente, alejado de lo que se supone, deberíamos esperar. Me atrevería a decir que contradice la versión políticamente correcta que se le impone a Batman en los últimos tiempos, algo digno de celebrar.

El dibujo de Aparo para mi generación es clave para identificar a Batman. Entiendo que para los lectores actuales, esos fondos monocromáticos rosas o amarillos sean algo chocantes, pero yo los sigo disfrutando enormemente. Eso sí, reconozco que el diseño del traje del KGBestia es más apropiado para una película porno, pero la moda era la que era.

Un gran clásico, inteligente y audaz, que merece mucho la pena. Solo sorprende que este villano no haya tenido más relevancia posteriormente, seguramente porque el papel de villano ultrafuerte ha sido tomado por Bane. Curioso.

BATMAN: LAS DIEZ NOCHES DE LA BESTIA
ECC Ediciones
Edición original: Batman núms. 417 a 420 USA
Guion: Jim Starlin
Dibujo: Jim Aparo
Cartoné, 96 págs. A color
Precio: 12,95 €

Seguramente, si eres aficionado al mundo del cómic, te suene el nombre de Atlas Comics. Sí, es el nombre que recibió Marvel tras la II Guerra Mundial, hasta entonces conocida como Timely Comics. Hace unos años dediqué un  par de posts a este sello editorial que puedes leer aquí y aquí. La decisión de cambiar el nombre fue de Martin Goodman, quien fundara la editorial en 1939. Fue Goodman quien, en los años setenta, tras abandonar la Casa de las Ideas, crea una nueva editorial, Seaboard Periodicals, cuyo división de cómics es bautizada, precisamente, Atlas Comics. Pero ¿por qué nadie recuerda ya estos cómics? ¿Tan corta fue su carrera? ¿Por qué sus portadas eran tan similares a las de Marvel? A continuación, intentaré despejar estas y otras incógnitas acerca de uno de los sellos más efímeros del mundo del cómic.

MORLOCK 2001 #2, PORTADA DE LARRY LIEBER
MORLOCK 2001 #2, PORTADA DE LARRY LIEBER

ENTRE "PRIMOS" ANDA EL JUEGO

Como desvela el historiador del cómic Jason Sacks en su obra American Comic Book Chronicles: The 1970s, la fundación de Atlas Comics por Goodman no fue más que una especie de venganza contra la que había sido su compañía durante más de treinta años. En 1968, Goodman vendió Marvel a la compañía Perfect Film and Chemical con el compromiso de que mantuvieran el icónico nombre y a su hijo, Charles "Chip" Goodman, como director editorial. Sin embargo, en 1973, Stan Lee, que era primo político de Goodman, pasó a ocupar el sillón de editor de Marvel, dejando a Chip Goodman en la calle.

Martin Goodman
EN 1937, MARTIN GOODMAN EVITÓ MORIR EN EL DIRIGIBLE HINDENBURG AL CANCELAR SUS BILLETES EN EL ÚLTIMO MOMENTO

LA VENGANZA DE MARTIN GOODMAN

Contrariado por la situación, Goodman padre decidió contraatacar. ¿Cómo? Creando una nueva editorial de cómics con la intención de rivalizar con Marvel. De este modo mataba dos pájaros de un tiro: se vengaba de los propietarios de la editorial por no mantener el trato y daba un "carguito" a su hijo Charles. Para que sus intenciones de revancha fueran más evidentes, Goodman escogió el nombre de Atlas Comics para su división de historietas, como he dicho más arriba, una de las marcas de la Casa de las Ideas antes de convertirse en Marvel.

DIFUSIÓN, VENTAS, CALIDAD, COMPETENCIA... Y SED DE VENGANZA

Estos eran, básicamente, los objetivos que Martin Goodman perseguía con su maniobra. Sus intenciones eran implantar rápidamente sus cómics en los puntos de venta, ofrecer calidad, vender, convertirse en un competidor serio de Marvel, a la vez que se vengaba de su compañía propietaria, ahora llamada Cadence Industries. Marvel había tardado casi 35 años en alcanzar el éxito del que disfrutaba en los setentas, entonces, ¿cómo iba a lograrlo Atlas Comics con la rapidez que Goodman quería? Pues a base de convertirse en uno de los editores que más pagaba a sus guionistas y dibujantes.

PLANET OF THE VAMPIRES #2, PORTADA DE NEIL ADAMS Y DICK GIORDANO
PLANET OF THE VAMPIRES #2, PORTADA DE NEAL ADAMS Y DICK GIORDANO

PODEROSO CABALLERO ES DON DINERO

Según cuenta Jason Sacks en su obra, el dibujante portorriqueño Ernie Colón (La Espada Salvaje de Conan, John Carter), al ser entrevistado para unirse al proyecto de Goodman, solicitó 65 $ por página. Obviamente, el artista había inflado su tarifa para la negociación. Sin embargo, Jeff Rovin, contratado por Goodman como editor de su línea de comic books a color, le dijo que "él valía más que eso", añadiendo 40 $ a lo que Colón pedía. Goodman no solo ofreció más dinero a escritores y artistas, sino algo mucho más importante: participación en los beneficios y respetar la autoría de los personajes que crearan para la editorial. Los personajes ya no pertenecerían a la editorial, como ocurría en Marvel y DC, sino a los autores que los habían creado.

LA IMPRESIONANTE PLANTILLA DE ATLAS COMICS

Con estas atractivas condiciones, Goodman consiguió reclutar a algunas de la figuras más prominentes del cómic norteamericano de la época. Además de Colón, nombres como Neal Adams, Pat Boyette, Howard Chaykin, Steve Ditko, Dick Giordano, Archie Goodwin, Russ Heath, Jeff Jones, Pablo Marcos, Al Milgrom, Larry Lieber (hermano de Stan Lee), Walt Simonson, Wally Wood, Frank Thorne o Alex Thot, entre otros, pararon a formar parte del proyecto de Martin Goodman. La cosa pintaba bien, ¿verdad?

TALES OF EVIL #3, ATLAS COMICS
TALES OF EVIL #3, ATLAS COMICS, PORTADA DE RICK BUCKLER

LAS PINTORESCAS COLECCIONES DE ATLAS COMICS

Entre las 28 colecciones (23 en formato comic book y 5 magazines) que lanzó Atlas al mercado podemos encontrar nombres tan sugerentes como Blazing Battle Tales (una especie de Sargento Rock), Ironjaw (un cómic de espada y brujería al estilo Conan), The Scorpion (personaje que Howard Chaykin reciclaría más tarde para Marvel) o Planet of Vampires, una curiosa mezcla entre lo cósmico y el horror. Ninguna de las colecciones superó los cuatro números. Algunas, incluso, solo tuvieron un número, como Barbarians, en el que, por cierto, el español Jordi Bernet (Torpedo 1936) dibujaba una de sus historias. También es el caso de Fright, un cómic protagonizado nada menos que por el Hijo de Drácula, escrito por Gary Friedrich (Ghost Rider, Sargento Furia) y dibujado por Frank Thorne (Ghita de Alizarr, Red Sonja).

LOS PROBLEMAS CRECEN

Pagar tan bien a sus artistas y escritores y lanzar tantas colecciones a la vez en tan poco tiempo pasó factura a los Goodman, padre e hijo. El mercado del comic book no era tan boyante como Goodman esperaba como para sostener los elevados sueldos de su plantilla. Debido a ello, tuvo que contratar autores y artistas más jóvenes y, por tanto, más baratos. Goodman, por su parte, tampoco estaba demasiado contento con el contenido de las colecciones. Por ejemplo, pensaba que el dibujo de Chaykin en The Scorpion era confuso y el guion demasiado sofisticado. Tampoco estaba conforme con la ambientación futurista de la colección Morlock 2001, y asignó a Steve Ditko a la colección de Tiger-Man para hacerlo más similar a Spider-Man. La distribución de las colecciones también tuvieron su parte de culpa en el declive de la editorial. De hecho, parece que, mientras los libreros se quejaban de que los cómics de Atlas no llegaban a sus negocios, miles de ejemplares languidecían en los almacenes...
PRIMERA PÁGINA DE THE DESTRUCTOR #1, DIBUJADO POR STEVE DITKO Y WALLY WOOD Y CON GUION DE ARCHIE GOODWIN
PRIMERA PÁGINA DE THE DESTRUCTOR #1, DIBUJADO POR STEVE DITKO Y WALLY WOOD Y CON GUION DE ARCHIE GOODWIN

LA VIEJA FÓRMULA DE COPIAR LO EXITOSO

¿Por qué las portadas de las colecciones de Atlas Comics nos recuerdan tanto a las de Marvel? Simplemente, por la obsesión de Martin Goodman de copiar el estilo de la Casa de las Ideas. Goodman no estaba haciendo otra cosa que intentar repetir la fórmula que había implementado cuando dirigió Marvel durante tres décadas: copiar los cómics que se vendían bien en cada momento y pasar al siguiente cuando la fórmula se agotaba. En su afán por mimetizar a Marvel, ordenó cambios radicales en varias colecciones cuando no habían alcanzado ni los cuatro números.  

EL PRINCIPIO DEL FIN

Probablemente, habrás sospechado que Chip Goodman era solo un hombre de paja dado que apenas me he referido a él. Estás en lo cierto. Quien tomaba las decisiones importantes en la editorial era su padre. Los cambios que demandó a sus artistas y guionistas hicieron que muchos de ellos se marcharan. Jeff Rovin, editor de los comics books en color, dimitió, pasando el hermano menor de Stan Lee, Larry Lieber, a ocuparse de esta línea junto a los magazines. Es decir, todas las publicaciones de Atlas/Seabord. Lieber, que carecía del empuje y la visión de su hermano mayor, se vio desbordado enseguida por tal cantidad de trabajo y responsabilidad.

STAN LEE JUNTO A SU HERMANO MENOR LARRY LIEBER
STAN LEE JUNTO A SU HERMANO MENOR LARRY LIEBER

LA AVENTURA DE ATLAS COMICS LLEGA A SU FIN

Atlas Comics cancela sus publicaciones en otoño de 1975 tras solo 67 números publicados, quizás demasiados para tan efímera existencia. Goodman se retiró y su hijo se dedicó al mundo de los magazines para adultos, abarcando gran variedad de temáticas. El hijo de Charles "Chip" Goodman intentó, en 2010, revivir los viejos cómics de Atlas de su abuelo. Se relanzaron colecciones de Atlas como Grim Ghost o Phoenix, ambas con siete números.

Y esta es, a grandes rasgos, la breve historia de una aventura editorial, Atlas Comics, que quiso hacer sombra a Marvel. Tenía todos los ingredientes para el éxito pero falló estrepitosamente, quizás por la soberbia de su creador, quizás porque carecía de alguien que agarrara firmemente el timón y fijara un rumbo, como Stan Lee en la Casa de las Ideas. Quién sabe...

H. P. Lovecraft es, sin temor a equivocarme, uno de los autores más influyentes del siglo XX. Pocos escritores pueden presumir de haber ejercido su influencia en tantos autores posteriores (y coetáneos), unidos todos por la fascinación por el misterio y el terror. No es extraño, por tanto, que se publiquen tantos ensayos, monografías y estudios en torno al autor de Providence, glosando la vida y obra de tan singular escritor. H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas es una de esas obras. Escrito por Agustín Conde de Boeck (San Miguel de Tucumán, Argentina, 1987) e ilustrado primorosamente por su hermano Hernán, este estudio es, a la vez, una guía literaria y una biografía de Lovecraft. Publicado en España por Diábolo Ediciones, este volumen toca todos y cada uno de los aspectos de la vida del maestro del terror cósmico, al mismo tiempo que analiza la mayoría de sus relatos.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas

El libro se encuentra dividido en más de un centenar de breves capítulos, de extensión variable, en los que el autor, licenciado en Literatura y especialista en narrativa fantástica, desgrana la vida y obra de Lovecraft. No se trata de una biografía lineal; los temas que trata de Boeck en su obra saltan de la anécdota al episodio biográfico, alternado entre ambos el análisis de tal o cual relato. El texto, en consecuencia, es menos pormenorizado que otras biografías del autor, como la que escribió L. Sprague de Camp y que ya reseñé aquí.

No obstante, la obra de Agustín y Hernán Conde de Boeck no carece de profundidad. Más bien al contrario. De hecho, lo más destacable del volumen, aparte de la parte biográfica y las inquietantes ilustraciones, son los acertados análisis que el autor hace de las narraciones lovecraftianas. Estamos ante una especie de "Lovecraft Anotado", solo que nos faltan los relatos. La práctica totalidad de la producción literaria de Lovecraft es diseccionada por el autor argentino, deteniéndose en las influencias del autor de Providence y dando un trasfondo sus narraciones.

La práctica totalidad de la producción literaria de Lovecraft es diseccionada por el autor argentino


Tras una primera parte en la que de Boeck nos describe a un joven Lovecraft, así como sus cuentos primerizos, el autor del ensayo comienza a comentar sus relatos más conocidos, siguiendo un orden cronológico. Entremetidos entre relato y relato, el autor intercala piezas de la vida de Howard Phillips Lovecraft, ayudando con ello a dibujar el contexto en el que fueron creados sus cuentos y novelas cortas. Se trata, por tanto, de un estudio en el que el análisis de los relatos va plasmando un fresco del universo lovecraftiano, de sus personajes, deidades, lugares y criaturas, así como de las relaciones existentes entre todos esos elementos. De este modo, a lo largo de este ensayo vamos aprendiendo a distinguir entre las distintas etapas del autor de Providence, como su Ciclo Onírico, su Ciclo de Randolph Carter o los propios Mitos de Cthulhu, un concepto, por cierto, que Lovecraft nunca se preocupó de sistematizar.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas

Esta manera de combinar la vida del Solitario de Providence con el análisis de su producción literaria hace que la lectura de esta obra sea amena a la par que apasionante. Sin embargo, hay que advertir que no estamos ante una lectura ligera. La cantidad de datos y referencias que un experto en literatura fantástica como de Boeck vierte en este ensayo hace que debamos enfrentarnos a este libro con paciencia, degustando y digiriendo con calma el enorme torrente de información que destila la obra de Lovecraft. Influencias, autores fetiche, ideologías, sentimientos, fobias... todo tiene su impacto en la obra lovecraftiana y así lo deja de manifiesto de Boeck en su libro.

No estamos, por tanto, ante un libro más sobre el autor de Providence, sino ante un estudio sesudo sobre su obra, uno de los más completos que, hasta ahora, he leído en castellano. Quizás las ilustraciones que acompañan al texto, a medio camino entre el horror y la caricatura, hagan pensar que estamos ante una biografía de Lovecraft para dummies. Nada de eso. H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas nada tiene que envidiar a otros ensayos más académicos, como los diversos libros escritos por el experto S. T. Joshi.

Influencias, autores fetiche, ideologías, sentimientos, fobias... todo tiene su impacto en la obra lovecraftiana y así lo deja de manifiesto de Boeck en su libro


Otro valor añadido de este libro son sus ilustraciones. Realizadas por el hermano del autor, constituyen todo un bestiario de las criaturas surgidas de la imaginación de Lovecraft. En otros casos, se trata de caricaturas del autor de Providence como un personaje más de sus propias narraciones. Estas ilustraciones, de línea clara, a color y en blanco y negro, imitando en ocasiones los grabados que ilustraban antiguas ediciones, son el soporte perfecto para una obra, ya de por sí, de gran interés para todo aficionado a la literatura de terror.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas

El volumen concluye con un útil listado de la obra de Lovecraft, en el que se detalla el título original, el año de publicación, el formato (cuento, novela corta, poema, ensayo...) y, algo muy importante, si fue escrito en colaboración con otro autor. Quienes amen la obra de Lovecraft sabrán apreciar este listado, especialmente útil para completistas, buscadores impenitentes de cuentos perdidos, antologías y ediciones raras de sus relatos. 

Quienes nos asomamos al horror cósmico por primera vez de la mano de Lovecraft siempre buscaremos nuevas narraciones que nos recuerden su obra. Los escritos del llamado Círculo de Lovecraft (Robert Bloch, Clark Ashton Smith, August Derleth, entre otros), así como la obra de literatos posteriores, como Brian Lumley o Thomas Ligotti, siguen ahondando en la inagotable veta del terror cósmico. Pocos autores norteamericanos han influenciado tanto a escritores posteriores, un hecho que Agustín Conde de Boeck se encarga muy bien de poner de relieve en su libro. 

En definitiva, H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas es una obra que, lejos de lo que sugiere su casi cómica portada, constituye un completo estudio sobre el autor de Providence y sus relatos. No estamos ante una obra superficial, sino ante un libro serio y fundamentado sobre la narrativa lovecraftiana y los elementos de la vida del autor de Providence que ayudaron a darle forma. Agustín y Hernán, que actualmente tienen en proyecto estudios similares de otros maestros del fantástico, como E.T.A. Hoffman o Ligotti, han sabido conjugar el tono académico con el divulgativo, logrando captar desde la primera página tanto al fan acérrimo de Lovecraft, como este que escribe, como a cualquier amante de la literatura en general.

H.P. Lovecraft: Vida y Obra Ilustradas
Autor: Agustín Conde de Boeck, con ilustraciones de Hernán Conde de Boeck
Diábolo Ediciones
Cartoné, B/N y color, 269 págs.
Precio: 27,95 €


Posiblemente ya lo sabrás, pero no está de más recordarlo. Del 5 al 7 de abril se celebra en Barcelona su 37º Salón del Cómic en el que, por supuesto, ECC Ediciones estará presente mostrando todas sus publicaciones en un espectacular stand. Además, y como es habitual, habrá autores invitados, como Lee Bermejo, el excepcional artista de obras como Antes de Watchmen: RorschachBatman: NoelBatman: Condenado, entre otras. También estará Igor Kordey, un dibujante al que seguramente conocerás por cómics como La Historia Oculta o Imperio (obra que reseñé aquí), ambas del guionista galo Jean-Pierre Pécau. También estará presente el dibujante aragonés Fernando Blanco, quien ha sabido labrarse una respetable carrera en el cómic USA gracias a colecciones como Batman Eterno, Midnighter y Apolo o Batwoman, entre otras.

ECC Ediciones: Novedades Extra de Mayo 2019

Como no podía ser de otro modo, una evento como el Salón del Cómic de Barcelona merecía una doble tanda de novedades. Así, a partir del 16 de abril llegará a las librerías un nuevo ejemplar de la revista ECC Cómics, con contenidos tan jugosos como un especial dedicado a Shazam, coincidiendo con el estreno de la película en nuestro país, una aventura inédita de los Jóvenes Titanes o una entrevista a Grant Morrison y Liam Sharp, quienes nos desvelarán cómo va a ser la nueva etapa de Green Lantern.

Y dado que Shazam está de plena actualidad, ECC lanza a partir de mediados del mes de abril el tomo ¡Shazam!, de Geoff Johns y el dibujante Gary Frank, una aventura que pone al día la mitología del personaje. Además, el volumen costará solo 9,95 €, un precio excepcional para una obra de tal interés y calidad. Pero si eres de esos que les gusta lo exclusivo, hazte con la edición especial de ¡Shazam! en un estuche en el que se incluye, además, una camiseta con el famoso rayo amarillo. Resérvalo ya que solo se lanzarán 500 unidades...

No puedo acabar esta breve reseña de las novedades de ECC para mayo sin mencionar una nueva incorporación al catálogo que distribuye la editorial barcelonesa. A partir de abril, ECC distribuirá algunos títulos selectos de la editorial Akal, como el extraordinario volumen H. P. Lovecraft Anotado, con prologo de Alan Moore, o cómics tan interesantes como Pésame Street. ¿Qué Nos Dirían los Animales si Pudieran Hablar?, de Niko, o ¡Paso a las Mujeres!, un volumen recopilatorio de viñetas de prensa acerca de los derechos de la mujer.

ECC Ediciones acaba de dar a conocer sus lanzamientos para mayo, un mes que será prologado por intensas novedades relacionadas con el universo de los cómics. En primer lugar, el 5 de abril llega a las salas de cine españolas ¡Shazam!, la esperada película del Universo Cinematográfico DC que protagoniza Zachari Levi en el papel del héroe. Por si fuera poco, coincidiendo con el estreno del film, se celebra el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, ahora rebautizado como Cómic Barcelona 37, donde ECC tendrá una presencia importante. Pero pasemos a repasar algunas de las novedades primaverales más destacadas de mayo, las cuales irán llegando a las librerías a lo largo del mes de abril.

ECC Ediciones: Novedades de Mayo de 2019

Hay que destacar primeramente la llegada de Grant Morrison a Green Lantern, una nueva colección en formato grapa que promete no dejar a nadie indiferente, como es marca de la casa del guionista escocés. Otro lanzamiento muy especial que quiero recomendarte es la edición especial de La Boda, el enlace entre Selina Kyle y Bruce Wayne. ECC pone a la venta dos ediciones: la normal en cartoné, y otra que incluye un estuche, una lámina y, por supuesto, tu invitación a la boda del año. 

El tremendo éxito de la serie televisiva Titanes ha impulsado sus colecciones de cómics. En abril, ECC pone a la venta el tomo Titanes: La Chispa, que incluye el Special Titans 1 y los números 23 al 27 de la colección Titans, escritos todos ellos por el veterano guionista Dan Abnett. No te pierdas tampoco Superman/Shazam: Primer Trueno, un tomo en cartoné que recopila los cuatro números de la serie homónima escrita por Judd Winick.

Por supuesto, hay muchísimas más novedades, pero voy a dejar que las descubras por ti mismo en el siguiente PDF. 

Sin duda alguna, la reedición de El Planeta de los Simios es uno de los títulos que con más ansia esperaban los aficionados al cómic clásico. Ahora, gracias a la colaboración entre la editorial estadounidense Boom! Studios y Panini Cómics, llega a España por fin la esperada colección en formato de lujo y cuidadosamente restaurada. Tras largos años, en los que parecía que nunca íbamos a tener la oportunidad de volver a disfrutar del magazine en blanco y negro que Marvel publicó bajo su sello Curtis entre los años 1974 y 1977, por fin vemos recopiladas aquellas historias en una edición como se merecen. Pero ¿cuál fue el origen de aquellos cómics?

Archivos El Planeta de los Simios Vol. 1: Terror en el Planeta de los Simios

Estrenada el 15 de junio de 1973, la película Batalla por el Planeta de los Simios (Battle for the Planet of the Apes) había puesto punto y final a las aventuras cinematográficas iniciadas cinco años antes, en 1968. Tras cinco películas, la saga llegaba a su fin, aunque solamente para dar el salto a la pequeña pantalla, como serie de imagen real así como en formato animado. Ambas series tuvieron un corto recorrido. La serie de imagen real de la CBS solo duró catorce episodios antes de ser cancelada, mientras que la serie animada de la NBC, titulada Regreso al Planeta de los Simios, solo alcanzó los trece capítulos. 

Sin embargo, los fans de los personajes surgidos de la imaginación del escritor galo Pierre Boulle querían más. Mientras que la franquicia cinematográfica parecía muerta y enterrada, al igual que las series televisivas, los seguidores de la franquicia simia tenían otras alternativas para desahogar sus ansias. Fue la editorial Marvel la que supo aprovechar el tirón aún existente lanzando un magazine en blanco y negro con nuevas aventuras basadas en los personajes y situaciones de las películas. Junto a las historietas, artículos relacionados con las películas y series completaban cada revista.

Archivos El Planeta de los Simios Vol. 1: Terror en el Planeta de los Simios

En este primer tomo (de cuatro) de la recopilación, titulado Terror en el Planeta de los Simios, se recoge el principal arco argumental publicado en las páginas del magazine de Marvel. La historia, con guion de Doug Moench (Master of Kung Fu, Batman), arquitecto del proyecto, se publicó en quince de los veintinueve números que duró la colección, quedando inconclusa cuando esta se canceló en 1977. El argumento que Moench ideó para el hipotético número treinta de la colección puedes leerlo en los contenidos extra del volumen que edita Panini.

Sin duda alguna, la reedición de El Planeta de los Simios es uno de los títulos que con más ansia esperaban los aficionados al cómic clásico


Por tanto, estamos ante un volumen que recoge de manera completa las historias de Doug Moench que se publicaron salteadas en distintos números de la colección El Planeta de los Simios. Esta elección, aunque no hará felices a algunos de los seguidores más integristas de los cómics de El Planeta de los Simios, es la más lógica. De este modo, el arco argumental imaginado por Moench cobra pleno sentido, disfrutándose mucho más que si se hubiera publicado intercalado con otros cómics, tal y como Marvel hizo originalmente en los setenta en su magazine.

En Terror en el Planeta de los Simios seguimos las aventuras del humano Jason y Alex, su amigo simio. Tras enfrentarse con un grupo de supremacistas simios, los padres de Jason son asesinados, teniendo este que huir junto a su amigo Alex a la ignota Zona Prohibida. Allí vivirán peligrosas y extravagantes aventuras, conociendo extrañas criaturas y entablando amistad con sujetos tan curiosos como Steely Dan, Lighsmith y su gibón Gilbert o la bella gitana Malagueña, entre otros.

Planet of the Apes #19

El Planeta de los Simios imaginado por el guionista Doug Moench se aparta enseguida de lo visto en las películas. Moench toma de aquí y allá conceptos, situaciones y personajes de la saga y los trasplanta a su propio mundo, un paisaje postapocalíptico demencial donde cualquier cosa puede tener cabida. Desde mutantes hasta gorilas cyborgs, pasando por simios alados y cerebros gigantes, cualquier invención valía para hacer avanzar la trama. Los elementos más extravagantes del cómic pulp se dan cita en las páginas de Terror en el Planeta de los Simios, dando el guionista muestras de una imaginación desbordante que parecía por aquellos entonces lejos de agotarse.

Estamos, por tanto, ante un nuevo universo que aprovechaba el potencial de las películas y series, pero sin las limitaciones de estas. En esta colección el único límite era la imaginación de Moench... y tenía mucha. Es una lástima que la colección se cerrara en su vigésimo novena entrega, ya que el creador de el Caballero Luna aún tenía mucho que decir a los lectores más adultos de Marvel.

El Planeta de los Simios imaginado por el guionista Doug Moench se aparta enseguida de lo visto en las películas


Otro de los aspectos destacables de esta colección son sus dibujos. Realizados con una maestría sobresaliente por artistas como Mike Ploog, Tom Sutton o Herb Trimpe, entre otros, las viñetas en blanco y negro del magazine de Marvel destilaban acción y espectacularidad a raudales. El blanco y negro, adornado con tramas y sombreados, alcanza aquí la categoría de arte con mayúsculas. En 1975, Marvel lanzaría un comic book con material de la revista coloreado, concretamente el que adaptaba las dos primeras películas, alcanzando así a un público más joven distinto al de las publicaciones de Curtis.

Planet of the Apes #4

Como he dicho más arriba, la presente edición no contiene los artículos sobre las películas que se incluían en la colección original. Sí se incluyen sus espectaculares y llamativas portadas, realizadas por ilustradores como Bob Larkin, Gray Morrow o Malcolm McNeill, magníficos profesionales y en gran medida responsables del gran éxito de las colecciones para adultos de Marvel de los setenta. La presentación y el epílogo del tomo corre a cargo de Rich Handley, todo un experto en franquicias como El Planeta de los Simios, Star Trek o Star Wars, entre otras.

En mi post 10 Cómics Marvel Clásicos que Merecen una Reedición en España, El Planeta de los Simios figuraba entre los elegidos. Finalmente, mi reivindicación ha sido satisfecha, al menos en lo que respecta a esta colección. Para ser sincero, la admiración hacia estos cómics tiene más de componente nostálgico que otra cosa, lo que no niega su indudable calidad artística. Leer de nuevo las páginas de El Planeta de los Simios ha supuesto para mí revivir aquellos lejanos días en los que, tras salir de clase, me acercaba al quiosco de la esquina en busca de mi ración semanal de tebeos. Allí, en los polvorientos estantes, me esperaban colecciones como El Planeta de los Monos, editada en España por Vértice, cómics que podías leer en casa y devolverlos al quiosquero tras pagar solo diez o quince pesetas. Las cincuenta pesetas que costaba cada número todavía eran demasiado para un colegial de apenas diez o doce años...

ARCHIVOS EL PLANETA DE LOS SIMIOS 1: TERROR EN EL PLANETA DE LOS SIMIOS
Panini Cómics
Edición original: Planet of the Apes núms. 1, 2, 3, 4, 6, 8, 11, 13, 14, 19, 20, 23, 26 y 28.
Guion: Doug Moench, Gerry Conway
Dibujo: Mike Ploog, Tom Sutton, Herb Trimpe
Cartoné, 368 págs, B/N
Precio: 39,95 €

En agosto de 1995 sale a la venta en Estados Unidos un cómic diferente: Astro City. Creada por el guionista Kurt Busiek (Vengadores, Marvels) junto al dibujante Brent Anderson (X-Men: Dios Ama, el Hombre Mata), esta colección ha sido merecedora de varios premios, como el Eisner o el Harvey. No es extraño que crítica y lectores de todo el mundo se hayan rendido ante la que es, sin duda, toda una carta de amor al Noveno Arte. Recurriendo a la práctica totalidad de lugares comunes y clichés del género superheroico, Busiek ha sabido, con su conocimiento enciclopédico del medio, dar una vuelta de tuerca a situaciones y personajes de los que creíamos ya se había dicho todo.

Astro City: Y Al Final..., de Kurt Busiek y Brent Anderson

Recién publicada por ECC Ediciones, Astro City: Y al Final... supone el punto (¿y final?) de más de veinte años de publicaciones y más de cien episodios, cada uno de ellos una joya del cómic. Publicada originariamente por Image Comics (1995-1996), luego por Homage Comics (1996-2004), Wildstorm (2004-2010), y en la actualidad dentro del sello Vértigo de DC Comics, la colección Astro City ha sabido mantener, en cambio, los mismos niveles de calidad e interés que en sus inicios.

En Astro City: Y al Final..., Busiek se despide, esperemos que solo por ahora, de este particular universo surgido exclusivamente de su imaginación, aunque poblado por personajes y situaciones fácilmente reconocibles por cualquier aficionado al cómic de superhéroes. El tono melancólico y crepuscular que tan bien han sabido imprimir Busiek y Anderson a su creación sigue bien presente en las historias contenidas en este último volumen. Desde la emotiva historia de G-Dog, una especie de Animal Man, hasta la del grupo de apoyo a víctimas de supervillanos, Busiek continúa explorando el lado más humano y menos conocido de los habitantes de Astro City, eso que nunca te suelen mostrar en los cómics de superhéroes habituales.

Astro City Vol. 3 #49

La primera de las historias del volumen, la de G-Dog, es quizás la mejor. Tirando de clichés del género, Busiek nos cuenta esa historia, mil veces vista ya, en la que alguien mediocre y al margen de la ley es capaz de redimirse luchando contra el crimen como justiciero. Fundido con su mascota gracias a un amuleto mágico, Andy se transforma en perro antropomorfo superheroico que, al final de la historia, será incluso capaz de arrancarnos alguna que otra lagrimilla.

En Resistencia, la segunda historia del volumen, Busiek juega con la premisa según la cual los héroes pueden surgir en cualquier sitio, de cualquier persona... literalmente. En este segundo arco, la hija periodista de un brillante científico investiga el paradero de su progenitor, desaparecido hace años. Las pesquisas la llevarán a descubrir que el legado de su padre es el mejor que este podía ofrecer a la humanidad: la capacidad de enfrentarse al poder establecido gracias a habilidades superhumanas nacidas del deseo de resistir y ayudar al prójimo. Un superpoder que, sin duda, vendría muy bien a cualquiera de nosotros en los tiempos que corren...

Astro City Vol. 3 #50

El último arco argumental lo componen las tres últimas historias del volumen: Consecuencias, Abajo, en las Profundidades y, por último, Y al Final... En esta emotiva historia asistimos al día a día de un hombre cualquiera, de esos personajes con los que Busiek tanto disfruta, al que el destino le ha deparado una de las mayores tragedias: haber tenido una vida plena que perdió completamente debido a un desajuste temporal causado por la eterna lucha entre héroes y villanos. Estamos, otra vez, asistiendo al drama de alguien que es solo una hormiga para estos dioses modernos que vuelan por los cielos. Al mismo tiempo, la historia de Michael Tenicek es como la de sus compañeros del grupo de apoyo que organiza, personas anónimas que un día, sin comerlo ni beberlo, perdieron un ser querido, víctima colateral de algún villano metahumano.

Recién publicada por ECC Ediciones, Astro City: Y al Final... supone el punto (¿y final?) de más de veinte años de publicaciones y más de cien episodios, cada uno de ellos una joya del cómic


En esta ocasión, el dibujante Brent Anderson ha tenido como ayuda a Mike Norton, a quien hemos visto en colecciones como Green Arrow/Black Canary o Archer & Armstrong, de Valiant. Anderson, con su estilo habitual, sencillo pero efectivo y dinámico, es el perfecto aliado de las historias de Busiek, unas historias donde priman los sentimientos y las emociones, por encima de la acción o la aventura. Y, por supuesto, esas maravillosas portadas de Alex Ross...

En definitiva, Astro City: Y al Final..., es un más que digno punto y seguido a unas historias y personajes que nos han estado acompañando a lo largo de más de veinte años. Los tres arcos contenidos en el volumen no transmiten la sensación de final, sin embargo. Posiblemente, Kurt Busiek ya tiene en mente nuevas historias que contarnos acerca de esta ciudad, Astro City, que recoge en esencia todo lo que ha hecho grande al cómic de superhéroes norteamericano. Está usted saliendo de Astro City, conduzca con cuidado.

ASTRO CITY VOL. 17: Y AL FINAL...
ECC Ediciones
Edición original: Astro City núms. 47 a 52 USA
Guion: Kurt Busiek
Dibujo: Brent Anderson, Mike Norton
Cartoné, 160 págs. A color.
Precio: 16,95 €

El Día Internacional de la Mujer Trabajadora ha sido el elegido por Marvel Studios para estrenar su película Capitana Marvel. Los que decidieron que el único integrante de Los Vengadores que no merecía película independiente era precisamente la única chica del grupo, la Viuda Negra, pretenden aleccionarnos en esta película sobre el feminismo. Como si lo impostado y oportunista de esta película no fuera bastante obvio, el resultado no ha sido todo lo decepcionante que podríamos esperar. Ha sido todavía peor. Comenzamos a desgranaros el porqué de esta opinión.

Capitana Marvel

La película comienza con una Brie Larson (Kong: La Isla Calavera, La Habitación) que, como anticipaban los tráilers, no se encuentra cómoda con un personaje que no le va. De todas formas, tampoco se me ocurre que ninguna actriz que tuviera que lidiar con semejantes diálogos y guión pudiera sentirse cómoda. Su personaje es antipático, serio, distante... Insiste en esa absurda idea de que una feminista tiene que ser dura. Yo creía que ser feminista es ser lo que te dé la gana. Menos mal que Marvel nos lo explica mejor que nadie. La película no tarda en desvelar que no tiene nada que aportar, pues en ningún aspecto abandona la mediocridad. 

Las relaciones entre los personajes son totalmente asépticas, como si estuvieran envueltos en un plástico para no contaminarse. Es la impresión que dan, por ejemplo, las escenas que comparte Larson y Jude Law. No queda clara la naturaleza de la relación entre ellos. La película está tan obsesionada en demostrar que es muy feminista que ni se atreve a mostrar a la protagonista teniendo una relación heterosexual. Hombre, Brie, estás por el espacio y el único tipo de tu raza a mano es Jude Law. Otro entretenimiento no parece haber, lo de dar patadas da para lo que da...

La película no tarda en desvelar que no tiene nada que aportar, pues en ningún aspecto abandona la mediocridad


La presentación de la vida de Carol Danvers intenta ser explicada a lo largo de la película, pero no logran su objetivo. A no ser que su objetivo fuera machacar al mayor número de hombres en el menor tiempo posible. Entonces sí. El padre es un tipo muy malo con bigote. Solo sale diciendo a su hija que no puede hacer esto o aquello, pero sorprendentemente va a ver todo lo que intenta. De la madre nada sabemos, quizás murió de ser tan buena. Los compañeros que se encuentra en la vida, son todos unos machistas ("¿por qué crees que los aviones tienen cola?"), diciéndole también que no puede. La palabra unidimensional se queda corta para describir este desfile de payasos. ¿No les da vergüenza? ¿De verdad alguien ha cobrado por contar esto? Por criticar, critican hasta que a las mujeres no las dejaban pilotar aviones en combate. Ojalá tomen algún día la decisión machista de no dejar tampoco a los hombres y se acaben todas las guerras del mundo...

Brie Larson, Lashana Lynch

Su mejor amiga, Maria Rambeau (Lashana Lynch), por supuesto es madre soltera, de una niña. No hay padre ni se le espera. Suponemos que la niña vino por generación espontánea. Y, como es piloto, está todo el tiempo vestida de piloto, para que se enteren los machistas. El soberano esperpento que es esta película se retrata en una escena. La hija de Maria se encuentra sola en el jardín con un alienígena que aparece de la nada. ¿Qué hace su madre, sufrir por su niña ante semejante peligro y entrar en pánico, o exigir indignada que no la llamen de una manera sexista? Es que ni la mira por la ventana, señores. Pues así todo. 

En cuanto a las cosas que damos por sentadas en una supuesta superproducción Marvel, el nivel es más o menos el del guión. Nos dan gato por liebre y nunca mejor dicho. Poca acción y mal rodada. Situaciones de las que la protagonista sale sin explicación aparente, y vence por que sí. De repente, sus poderes son unos, luego son otros, luego se los quitan, pero otra vez los recupera...Y nada se sabe cómo ha ocurrido. 

Capitana Marvel

Cuando se anunció que la película se ambientaría en los años 90, yo creí que se referían a la década, no a que la acción sería correr por un almacén como en las pelis de abogados de la época. Al menos, funcionan algunos chistes con las cosas propias de esos años, como lo lento que era internet. Conscientes de que con semejante producto cualquier ayuda es poca, recurren al viejo truco de poner canciones famosas de la época sin ton ni son para subir el ánimo un poco, aunque uno se pregunte qué hace Nirvana sonando en una nave espacial. Como si Kurt Cobain no hubiera tenido bastante sufrimiento en vida... Pero ¿acaso Carol Danvers es también una loca de la música como Star-Lord? ¿Esto es una película de superhéroes o una lista noventera del Spotify?

Como prueba de la gran confianza que tiene Marvel en las películas encabezadas por mujeres, a Carol la acompaña todo el tiempo Nick Furia, un rejuvenecido Samuel L. Jackson. Esto podría haberse llevado mucho mejor. Una cosa es una aparición puntual y que ella llevara el peso de la película, pero no han sabido hacerlo.

Es cierto que explican un par de cosas, como la razón por la que Nick Furia es tuerto, o como Carol le da el famoso busca por si ocurre algo. Ya tiene pocas ganas de volver a verla el hombre, porque en el ataque a Nueva York que originó Los Vengadores, ni se le pasó por la cabeza llamarla. Se decidió cuando vio que se moría. Que la aguante otro, debió pensar. Te entendemos, Nick... digo Furia.

Clark Gregg, Samuel L. Jackson

Los efectos son bastante birriosos, salvando el rejuvenecimiento de Nick Furia y el Agente Coulson. Tampoco se libran los alienígenas Skrull que aparecen, incumpliendo el papel que tienen en los cómics, y no dejando pasar la oportunidad de aleccionarnos con otro panfleto simplón con ellos. 

Señores de Marvel, el cine lleva haciendo películas interesantes sobre mujeres desde hace casi cien años antes de que ustedes las descartaran porque no estaban de moda. No se me ocurre nada más machista que dedicar tan poco dinero y tanta pantalla verde a vuestra primera película protagonizada por una mujer. Para los que pensáis que esta película es necesaria para Vengadores: Fin del Juego, os la podéis ahorrar sin problemas. Con ver la escena postcréditos que posiblemente se haya filtrado ya a Youtube vais sobrados.

Ben Mendelsohn, el skrull Talos

Afortunadamente, el público parece haber calado rápidamente el intento de vender un producto solo tirando de modas y de logo. La puntuación es del 36 % en Rotten Tomatoes y un triste 6,6 sobre 10 en IMDb. No hace falta que os diga otra vez que para los críticos es un 81 % en Rotten, como era de esperar y así ya lo expresamos en un post anterior. Seguimos... Eso sí, es emocionante ver el homenaje a Stan Lee en los títulos iniciales. No se merece el hombre que esta sea la primera película que se estrena tras su muerte. 

Afortunadamente, Capitana Marvel no es de las películas que tardas en olvidar: es que mientras la veía, la estaba borrando de mi cabeza. Esperemos que Vengadores: Endgame esté a la altura. Al menos, peor que esta, no puede ser ni queriendo. 

Este mes de marzo, las novedades de Diábolo Ediciones van a contentar a los más variados paladares. Desde el universo de Buffy Summers y sus vampiros hasta el del anime Evangelion, pasando por historias de gatos y perros, todo tiene cabida en las novedades de cómics y cultura popular que nos trae Diábolo. En primer lugar destacar el libro Gainax y Hideaki Anno. La Historia de los Creadores de Evangelion, una obra escrita por el especialista en cultura japonesa David Heredia Pitarch, también autor de Anime! Anime! 100 Años de Animación Japonesa, también publicado por esta editorial.

Novedades de Diábolo Ediciones para Marzo de 2019

Del país del sol naciente nos trasladamos a Sunnydale, Estados Unidos, la boca del infierno en la Tierra, tal y como se describía este lugar en la mítica serie Buffy Cazavampiros. En Buffyverso. El Mundo de Buffy y Ángel, Vol. 1, Andrés Argal nos desgrana todos y cada uno de los aspectos tanto de la serie matriz como de su spin-off, Ángel. Si añoras las aventuras noventeras de esta cazavampiros y su excéntrico grupo de amigos, no puedes dejar escapar este volumen.

De Buffy pasamos al universo animado con el libro de Pedro Delgado Cavilla Animación. De Betty Boop a Tim Burton, una obra que quiere ser un soplo de aire fresco frente a otros trabajos más encorsetados. En este libro encontrarás centenares de anécdotas, curiosidades e historias relacionadas con los dibujos animados que, posiblemente, desconocías. Pedro Delgado es también autor de la obra ¡Vamos a Morir Todos! Lo Insólito y lo Paranormal en el Cine, cuyo segundo volumen ya reseñé aquí.

Cerramos el repaso a los lanzamientos de Diábolo de marzo con dos cómics: Perros Vs. Gatos II, de José Miguel Fonollosa, y Last Man Stories: Noche de Partido, de Bastien Vivés y Alexis Bacci. Tras varios volúmenes dedicados a perros y gatos, Fonollosa vuelve a la carga con nuevas historias cotidianas protagonizadas por sus mascotas. En Lastman, volvemos a disfrutar de unas historias que han sido galardonadas en Angouleme, uno de los más importantes salones del cómic europeo.

En el siguiente PDF encontrarás más detalles de todas las novedades que Diábolo Ediciones nos tiene preparadas para este mes de marzo.

1979. En España aún teníamos solo dos canales de televisión, pero los que aún vestíamos pantalón corto sabíamos cómo sacar todo el partido a la exigua programación. Fue el año en el que regalamos Eurovisión a Israel cuando España se perfilaba como la ganadora; el año en el que llegó a nuestras pantallas el inolvidable Barrio Sésamo o en el que se estrenaron en nuestro país series animadas como Érase una vez... el hombre o comedias de tanto éxito como Los Roper. Mientras, en Estados Unidos y Gran Bretaña se estrenaban multitud de series, muchas de ellas de ciencia ficción o terror, algunas de las cuales nunca llegaron a nuestro país. Estas son algunas de ellas. ¿Las recuerdas?

Buck Rogers en el Siglo XXV (1979-1981)

Buck Rogers en el Siglo XXV (1979-1981)

Creado por el escritor Philip Francis Nowlan en su novela corta Armageddon 2419, publicada en 1928 en la revista Amazing Stories, el personaje de Buck Rogers es uno de los más veteranos de la ciencia ficción anglosajona... y el más desconocido en España. De solo dos temporadas, Buck Rogers en el Siglo XXV fue una creación de Glen A. Larson, prolífico productor de series de televisión como Battlestar Galactica (1978), El Coche Fantástico (1982) o Automan (1983). Precisamente, muchos de los decorados y atrezzo de Galáctica: Estrella de Combate fueron reutilizados en esta serie, como los cazas estelares, diseñados por el genial artista conceptual Ralph McQuarrie, a quien debemos el extraordinario aspecto del universo Star Wars.


Tales of the Unexpected (1979-1988)

Nada menos que nueve temporadas y 112 capítulos duró esta serie británica basada en relatos de terror y misterio del escritor Roald Dahl, al menos en sus tres primeras etapas. Los capítulos, de veinticinco minutos de duración, solían acabar con un giro inesperado, muy del estilo Twilight Zone. Sin embargo, el elemento fantástico estaba ausente, al contrario que en la serie norteamericana. A pesar de su modesta factura, por la serie desfilaron actores de tanto prestigio como Joseph Cotten, Janet Leight, Rod Taylor, Ian Holm, Derek JacobiJohn Gielgud, entre otras figuras de la interpretación.


Sapphire & Steel (1979-1982)

También británica, esta serie estaba protagonizada por dos agentes interdimensionales, Sapphire (Joanna Lumley) y Steel (David McCallum), quienes tenían la misión de asegurar la estabilidad del flujo temporal. Se emitió durante cuatro años, con un total de 35 episodios de 25 minutos de duración. Su cancelación se debió a que la producción se vio dificultada por la agenda de sus actores protagonistas, lo que provocaba que los episodios fueran emitidos irregularmente por la cadena británica ITV. De ahí que, aunque la serie contaba con una buena producción y contenía elementos de  ciencia ficción, nunca consiguiera consolidar un amplio público.


The Omega Factor (1979)

De nuevo, serie británica, esta vez producida por la cadena BBC Scotland. La serie, de solo diez capítulos, nos mostraba los casos investigados por el Departamento 7, una organización gubernamental centrada en lo paranormal. Esta efímera serie es considerada por algunos como precursora de series como Expediente X debido a sus elementos conspiranoicos y a la química de su pareja protagonista. La serie recibió en su día los ataques de una asociación conservadora, la National Viewers and Listeners Association (NVLA), ya que uno de sus episodios mostró con inusual crudeza la muerte de una persona quemada viva. El lobby tenía tanto poder que la serie no tuvo segunda temporada, nunca se repuso y nunca se comercializó en vídeo, hasta 2006, año en que se editó en DVD.


Time Express (1979)

Solo cuatro episodios duró esta olvidada serie (de ahí lo de "express") protagonizada por el gran Vincent Price. En cada uno de ellos, Jason (Price) y Margaret Winters (Coral Browne) acompañaban a los viajeros de un tren muy especial, un viaje en el que tenían la oportunidad de volver al pasado y resolver algún problema que quedó pendiente en sus vidas. La serie era una especie de variante de Fantasy Island (de la que hablamos en un post anterior). Como curiosidad, la pareja protagonista también fueron matrimonio en la vida real hasta la muerte de Coral Browne en 1991, dos años antes que Vincent Price.


La etapa de Peter David a cargo de los guiones de Aquaman es, sin duda, de lo más recordado por parte de los seguidores comiqueros del rey de los mares. Tras conseguir arrasar en la taquilla y llevarse por delante a todos los agoreros que defenestran por sistema cualquier película que lleve el sello de DC Comics, ECC Ediciones aprovecha para recuperar esta etapa en tres tomos para disfrute de todos sus fans. Este primer tomo continúa la fantástica Crónicas de Atlantis, de Esteban Maroto, ya reseñado aquí con todo detalle. Una vez leído este primer tomo, procedemos a desgranarlo.

Aquaman de Peter David, Vol. 1

Peter David plantea un nuevo comienzo para Aquaman, pero sin olvidar sus orígenes y la historia del personaje. David disfruta presentando e imaginando que tal fue la supervivencia de Arthur Curry a cargo de unos delfines. Es más, se divierte planteando los pensamientos de estos acerca de criar un cachorro de una especie tan ajena a ellos. La forma de sobrevivir de Arthur, así como tener que superar que no es un delfín más, con todo lo que ello conlleva, es llevado con mucha gracia por parte de David, acudiendo sin duda a las noticias acerca de humanos criados entre animales y las reacciones que esto les provocaban.

La acción transcurre sin pausa, y dentro de la continuidad. Arthur Curry se encuentra rápidamente abandonado por Mera tras ser culpado por esta de la muerte de su hijo. Sin embargo, no estará solo en sus aventuras. Conocemos su adolescencia, su primer contacto con los humanos (y humanas), y la forma en que estos lo reciben. Además, su historia va avanzando de una manera coherente y vertiginosa. Las aventuras, los enemigos y las apariciones superheroicas son una constante a lo largo del tomo, haciendo en conjunto una aventura muy interesante.

Aquaman: Time and Tide

Si bien se apuntan muchos detalles de la mitología de Aquaman, no es necesario ser ningún experto en ella para disfrutar y entender el tomo. Pocos autores alcanzan el nivel de entretenimiento y dinamismo de Peter David. Si conocéis al autor, seguramente os estareis preguntando si en este tomo está presente su famoso sentido del humor. Debo confesar que así es. No por ello creáis que estamos ante una comedia, ya que Aquaman se encuentra en un momento personal verdaderamente duro a todos los niveles. El autor no escatima en retratar sus pensamientos, dudas y sentimientos. Además, sufre un ataque que muchos ya sabéis que consecuencia tiene, pero me reservo contar por si alguno no lo conoce. A pesar de la ausencia de Mera, alguien como Arthur difícilmente escapa a las atenciones femeninas... o casi. La magia, la familia, la aventura son la esencia de esta etapa esencial de Aquaman.

En cuanto al tema del dibujo, debo reconocer que si hubiera estado a la altura de los guiones, estaríamos ante una obra con mucho más renombre del que tiene. Es una pena, pero no supieron darle a David artistas de primera línea para lucir sus grandes ideas. De todas formas, yo he sido capaz de disfrutar el tomo bastante, incluso reconociendo que este aspecto es claramente mejorable.

Pocos autores alcanzan el nivel de entretenimiento y dinamismo de Peter David


No pretendo tampoco evitar a la famosa polémica en foros acerca de la reducción del tomo respecto al tamaño estándar, os garantizo que si os dejáis de prejuicios, lo disfrutaréis sin merma alguna. Me gusta el tamaño grande como al que más, y recelaba de la jibarización. Acabo de terminar Los Titanes en la edición de Planeta DeAgostini y os garantizo que eso sí que es reducir y disminuir la experiencia lectora. En cambio, este tomo de Aquaman se disfruta sin que yo al menos haya notado que estaba ante un tomo ligeramente más pequeño de lo normal. Ya cada uno que decida, no soy quien para juzgar, pero si tenéis la oportunidad de tenerlo en vuestras manos, ojeadlo. Y, si de verdad os apetece tener en vuestra colección una buena muestra de los buenos cómics de mitad de los 90, no lo dejéis pasar.

AQUAMAN DE PETER DAVID VOL. 01 (DE 3)
ECC Ediciones
Edición original: Aquaman: Time and Tide núms. 1 a 4 USA, Aquaman núm. 0 USA, Aquaman núms. 1 a 16 USA, Aquaman Annual núm. 1 USA (one-shot) 
Guion: Peter David
Dibujo: Casey Jones, Jake Jacobsen, Jim Calafiore, Joe St. Pierre, Kirk Jarvinen, Martin Egeland, Phil Jimenez
Cartoné (Integral omnibus), 544 págs. A color.
Precio: 44,50 €