2019

Once años después de la última película dirigida por Guillermo del Toro, Hellboy II: El Ejército Dorado, llega el reboot de la franquicia, estreno rodeado de polémica por la supuesta censura a la que ha sido sometida la cinta aquí en España. Dirigida por Neil Marshall (Dog Soldiers, The Descent), la película cuenta, como nuevo Hellboy, con David Harbour, popular actor a raíz de su papel de sheriff Jim Hopper en la serie Stranger Things. Estrenada en Estados Unidos el pasado 12 de abril, la película lleva apenas recaudados 22 millones de dólares en aquel país. La taquilla internacional apenas rebasa los 18 millones de dólares. En otra palabras: la cinta está levantando poco entusiasmo entre el público, y menos aún entre la crítica. 

Hellboy (2019)

Mi sexto sentido sobre los estrenos siempre me avisa de que, si dicen que una película es muy mala, probablemente será mejor de lo que la pintan; si aseguran que es la mejor del año, posiblemente será decepcionante. Y es lo que me ha sucedido con Hellboy.

El prólogo de la película sí es decepcionante. El blanco y negro no le viene nada bien a la escena en la que se nos presenta lo que será el mcguffin de la historia: la muerte en el siglo VI de la bruja Vivian Nimue (Milla Jovovich) a manos del rey Arturo. La escena, que parece un anuncio de televisión (ni por un momento te crees ni a ese Arturo metrosexual ni al extraño mago Merlín), está saturada de fondos verdes y CGI, y no demasiado conseguido. Un mal comienzo que ya nos hace dudar que lo que vendrá después pueda ser mejor.

Sin embargo, la cosa mejora. La escena de Hellboy en el ring de lucha libre es todo un homenaje al cómic Hellboy en México (2010), y un guiño al realizador de las anteriores dos entregas. La escena me recordó a Abierto Hasta el Amanecer (1996) y los vampiros mexicanos monstruosos que poblaban la excelente cinta de Robert Rodríguez. Tras esta introducción, que sirve para presentarnos la nueva encarnación del personaje, la historia comienza a desarrollarse, desfilando en pantalla los elementos habituales de los cómics de Mike Mignola: sociedades secretas, ectoplasmas, gigantes, brujas rusas y al socarronería y humor negro propio de Hellboy.

David Harbour, Ian McShane
"¿ME DEJAS QUE TE LIME LOS CUERNOS?" ESTA Y OTRAS FRASES TE SACAN CONTINUAMENTE DE LA PELÍCULA


La película nos muestra a un Hellboy algo más joven, en su comportamiento, comparado al que interpretara Ron Perlman en las películas de del Toro. La actitud hacia su padre adoptivo, Trevor Bruttenholm (Ian McShane), llamándolo "papá" a cada momento, parece darnos a entender que estamos ante un Hellboy menos experimentado y curtido que el anterior. Si bien McShane interpreta a un eficaz Profesor Bruttenholm, la relación padre-hijo no está tan bien perfilada como la de Perlman/John Hurt. 

La interpretación de Harbour como Hellboy no está nada mal. Se nota que el actor se esfuerza por hacer un buen papel, aunque el guion no le dé demasiadas facilidades. Se ha dicho que tanto él como Ian McShane metieron mano en el guion durante el rodaje, rumores desmentidos por los productores, claro está. También se ha comentado que los dos productores se inmiscuyeron en la labor del realizador Neil Marshall, llegando a despedir a su director de fotografía habitual solo para dejar claro quién estaba al mando. Del propio Harbour se dice que abandonó el set en varias ocasiones al negarse a repetir algunas escenas por orden de Marshall. Por ello, no es de extrañar que la película haya acusado estos problemas, dando la sensación, en muchos momentos, que estamos viendo una producción en la que ha metido la mano mucha gente, y no precisamente para bien.

MILLA JOVOVICH
MILLA JOVOVICH, EN EL PAPEL DE LA MALÉFICA DAMA DEL LAGO ARTÚRICA


A pesar de sus 120 minutos de duración, de su montaje algo caótico, su guion errático y sus personajes secundarios no demasiado carismáticos, Hellboy no llega a aburrir. La acción es casi continua, destacando sobre todo la lucha del protagonista con los tres gigantes, la escena con la bruja Baba Yaga  y el clímax del film. Se dice que la versión estrenada en Estados Unidos, clasificada R, contiene bastante gore y escenas violentas. Solo hay que comparar el tráiler español y el americano. De hecho, en la película, se notan los cortes que han suprimido los planos más sangrientos. Aún así, la violencia mostrada en esta película es superior a la de las dos entregas dirigidas por del Toro. ¿Habría cambiado sustancialmente la película de habernos llegado íntegra, sin censura? Seguramente no. Los problemas de este Hellboy no son producto del corte de ciertas escenas, sino de un guion mal planteado, una producción no demasiado cuidada y una falta de valentía al no querer explorar la rica mitología del personaje.

En cuanto a los efectos visuales, como digo más arriba, la película ya comienza mal. Luego, la cosa mejora, sobre todo el excelente maquillaje de Baba Yaga, la criatura cerdo Gruagach, los gigantes o el propio Hellboy. Sin embargo, la escena del Londres invadido por las criaturas sobrenaturales tira demasiado de CGI, con unos diseños que recuerdan bastante al de los monstruos de las películas de Guillermo del Toro, y no solo las de Hellboy. En definitiva, se nota bastante que el presupuesto, de 50 millones de dólares, no daba para mucho más, rozando peligrosamente el aspecto que lucen producciones como las de la productora The Asylum (saga Sharknado) o las del inefable Uwe Boll (Alone in the Dark, En el Nombre del Rey). Solo hay que ver los ectoplasmas, bastante grimosos, la verdad. O el personaje de Daniel Dae KimBen Daimio, un hombre jaguar que aparece fugazmente para que no nos demos cuenta de lo mal recreado que está por CGI.

Daniel Dae Kim, David Harbour, Sasha Lane
ALICE MONAGHAN Y BEN DAIMIO, PERSONAJES RECURRENTES DE LA COLECCIÓN DE CÓMICS BRPD (AIDP EN ESPAÑOL)


Hellboy es un cajón de sastre en el que todo cabe. Una bruja ancestral, interpretada convincentemente por Jovovich, reyes de baratillo, luchadores mexicanos, caballeros ingleses matagigantes, médiums, gente del bosque, chistes malos y un final demasiado parecido al de la película Fuerza Vital (Lifeforce), de 1985. Adelante, revisa los últimos diez minutos del film de culto de Tobe Hooper y me cuentas en los comentarios...

La película, con dos escenas postcréditos en la mejor tradición de Marvel, da a entender que las intenciones de la productora son las de rodar una secuela. Sin embargo, muy bien se le tiene que dar en la taquilla internacional para que esto finalmente suceda. Y es una pena, porque David Harbour ha demostrado encarnar a un más que eficaz "Rojo", lidiando como ha podido con un guion caótico, problemas entre bambalinas y la inevitable comparación con las dos películas anteriores. La rica mitología del personaje creado por Mignola allá por 1993 (atentos a la aparición de Bogavante Johnson, al que da vida Thomas Haden Church) da para mucho más. Lo difícil va a ser que alguien decida apostar de nuevo su dinero para ofrecernos una película, al menos, a la altura de las dos que nos dejó Guillermo del Toro.

No hay más que abrir cualquier web de noticias para saber por qué hemos hecho esta lista. Cuando Ben Affleck fue anunciado como el nuevo Batman, fuimos de los primeros en poner el grito en el cielo. Sin embargo, fuimos capaces de reconocer que nos equivocamos y que el actor encarnó a un estupendo Batman. El anuncio de que Robert Pattinson será el nuevo Bruce Wayne, en principio, nos ha sentado tan mal como cabría esperar. Una vez reflexionamos, nos dimos cuenta de que quizás es hora de dar una oportunidad al chico. El público no solo nos equivocamos con Affleck, sino que actores que tuvieron que aguantar todo tipo de boicots cuando se anunció su casting, acabaron siendo la única cara que se podía imaginar para el papel. Os dejamos con una lista que da bastante margen a la esperanza para Battinson.


TOM CRUISE, ENTREVISTA CON EL VAMPIRO (1994)

Aunque fuera a primeros de los años 90, y eso de las redes sociales y sus recepciones negativas no se imaginaba ni en los más premonitorios libros de ciencia ficción, Tom Cruise no se libró. Hasta la autora del libro Entrevista con El Vampiro, Anne Rice, declaró que "El casting de Tom Cruise es tan extraño, que es casi imposible imaginar cómo lo van a hacer funcionar". El pobre hombre dió lo mejor de sí, hasta colgarse boca abajo para que sus venas fueran más reales... y lo hizo funcionar. La propia escritora reconoció que, nada más verlo en la película, "Cruise fue Lestat para mi". La taquilla y la crítica dieron su bendición, enfilando la carrera de Cruise como actor serio y profesional que hoy tiene consolidada.

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO (1994)
CRUISE HA CONSEGUIDO SER UNO DE LOS ACTORES MÁS RESPETADOS DE HOLLYWOOD

HEATH LEDGER , EL CABALLERO OSCURO (2008)

Qué podemos decir del fallecido Heath Ledger, el único actor de película de superhéroes que ha conseguido el Oscar por aparecer en una de ellas. Sustituir a Jack Nicholson, el perfecto Joker incluso para el productor de todas las películas de Batman, Michael Uslan, era tarea titánica. Cuando se anunció su casting, la gente pensó que Christopher Nolan se había vuelto loco. Ledger apenas era un guaperas australiano del montón para muchos, a pesar de Brokeback Mountain. Resultó que Nolan le ofreció el papel incluso antes de ser escrito, y que el actor accedió tras ver el enfoque de Batman Begins, Según el director británico, El Joker de Ledger fue creación del actor, que sorprendía al director con su enfoque. Tan solo hay que caminar por la calle un rato para ver camisetas con el actor caracterizado 10 años después del estreno de la película para medir su impacto.

HEATH LEDGER , EL CABALLERO OSCURO (2008)
UN ICONO QUE YA FORMA PARTE DE LA CULTURA POPULAR

DANIEL CRAIG, CASINO ROYALE (2006)

"Bajito", "rubio" y "bastante lejos de ser guapo" eran muchas de las críticas que se le hicieron al sustituto del elegante Pierce Brosnan. Difícil de imaginar entonces que el actor cobraría 150 millones de dólares por encarnar el papel por quinta vez. Los productores prefieren pagarle ese disparate que jugársela con otro actor. Dado que se ha lesionado en el rodaje, se ve que ha sido previsor. El enfoque de Daniel Craig para el James Bond del siglo XXI ha salvado completamente un personaje que no siempre ha sido rentable, y al que muchos calificaban de "pasado de moda". Los clásicos nunca mueren, y menos si se reinventan bien.

DANIEL CRAIG, CASINO ROYALE (2006)
YA ERA HORA DE QUE EL CUERPAZO DE LA PELI DE BOND FUERA TAMBIÉN DEL CHICO BOND

ZACHARY QUINTO, STAR TREK (2009)

El inolvidable Sylar de la serie Héroes no era del agrado del fandom para encarnar a un personaje tan mítico como el Doctor Spock. Leonard Nimoy hizo suyo el papel durante tantos años que a sus fans se les olvidó que era mortal y envejecía como todos. Sin embargo, la renovación de la franquicia llegó y con ella un nuevo Spock. La interpretación del actor superó las expectativas, y nadie discute su idoneidad para el papel.

ZACHARY QUINTO, STAR TREK (2009)
SPOCK ES MUCHO MÁS QUE TENER OREJAS PUNTIAGUDAS, Y QUINTO LO SABE

BEN AFFLECK, BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA (2016) 

Incluso nosotros hicimos una lista de por qué no debía ser Batman. Internet se llenó de memes y protestas, avisando Warner Bros. a Ben Affleck de que se alejara de las redes sociales durante un tiempo para no verse afectado por ello. Hasta que se estrenó Batman V Superman. Y lo que muchos destacaron como lo mejor de la película fue su actuación... o sólo su actuación. Una pena que sus circunstancias personajes y el rendimiento menor de lo esperado nos haya privado de más apariciones de Batfleck como Bruce Wayne/Batman.

BEN AFFLECK, BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA (2016)
BATFLECK SE DESPIDE DEL PAPEL CALLANDO MUCHAS BOCAS... COMO LA NUESTRA

CHRIS PRATT, GUARDIANES DE LA GALAXIA (2014)

¿El chico regordete de Parks and Recreation de superhéroe espacial? Ni el director de la película, James Gunn, quería hacerle una prueba. Sin embargo, su asistente de casting le convenció para ello y rápidamente lo vió en el papel... y en el gimnasio. Tras el esfuerzo físico y nutricional realizado, los 136 kilos que llegó a pesar el actor por exigencias del guión se transformaron en 100 kilos de músculo. Es cierto que ha bajado de forma física desde la primera película de Guardianes, pero ahora que su suegro es Arnold Schwarzenegger, seguro que lo pone firme de nuevo. Es, probablemente, el héroe Marvel que mejor le ha ido fuera de La Casa de las Ideas.

CHRIS PRATT, GUARDIANES DE LA GALAXIA (2014)
- ¡VOY A PROTAGONIZAR PELIS DE MARVEL Y  DE JURASSIC PARK!
- CLARO QUE SÍ, DE SUPERBARRIGA...

ANNE HATHAWAY, EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE (2012)

Otra que no convenció en su momento como partenaire de Batman. La chica era demasiado delgada, poco sexy, enclenque... Frente a otras actrices más impactantes visualmente como Jessica Biel. Pero las pruebas de casting están para algo, así que Anne Hathaway se llevó el papel en The Dark Knigt Rises a pesar de no ser, en principio, la más guapa de las opciones. Y finalmente, nos ofreció una elegante, carismática y ágil Catwoman a la que pocos peros se le pueden buscar.

ANNE HATHAWAY, EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE (2012)
ANNE HATHAWAY SE LLEVÓ POR DELANTE A BANE Y A LA CRÍTICA CON SU INTERPRETACIÓN

La conclusión es que, con estos antecedentes, debemos tener un margen de confianza y entender que nuestro trabajo no es hacer películas, ni elegir actores. Mi favorito era Armie Hammer (Operación U.N.C.L.E., El Llanero Solitario), pero qué le vamos a hacer... Matt Reeves (El Amanecer del Planeta de los Simios, Cloverfield) es el autor del guión, y él sabrá qué necesita para que su película sea el éxito que el mundo espera. Esperemos que acierte.

Uno de los eventos comiqueros más esperados de los últimos años ha sido, sin duda alguna, el cruce entre el universo de Watchmen, ideado por Alan Moore y Dave Gibbons a finales de la década de los 80, y el Universo DC actual. ECC Ediciones, como novedad destacada, inicia el mes de julio la publicación, en doce grapas, de El Reloj del Juicio Final, una miniserie donde finalmente descubriremos si el responsable de haber trasteado con la continuidad del Universo DC ha sido, como sospechamos, el Dr. Manhattan. A los mandos del proyecto, Geoff Johns y Gary Frank.

ECC Ediciones: Novedades de Julio de 2019

Una lectura más liviana es la nueva serie trimestral dedicada a Shazam, también con Geoff Johns como guionista. Tras el sorprendente y divertido enfoque de la reciente película, ahora toca descubrir el nuevo Shazam de Renacimiento. Otro guionista estrella es Brian Michael Bendis, un reciente fichaje que está dando mucho que hablar, como es el caso de su nueva colección Young Justice, que inicia su andadura el mes de julio.

El mítico guionista Marv Wolfman regresa con su obra Hombre y Superman, un cómic ilustrado por Claudio Castellini (DC vs. Marvel) en el que se exploran los primeros años de Clark Kent en Metropolis. Y para acabar con la ronda de recomendaciones, destacar el tomo omnibus DC / Hannah Barbera Integral, en el que se recopilan todos sus especiales: Booster Gold / The Flintstones, Green Lantern / Space Ghost, Adam Strange / Future Quest y otros muchos.

En el siguiente PDF encontrarás el resto de novedades que ECC irá sacando a la venta los días 4, 11, 18 y 26 de junio.

Nos acercamos al verano, época del año propicia para el descanso y, por supuesto, la lectura. Por ello, Diábolo Ediciones lanza en mayo y junio seis publicaciones para llenar esos agradables momentos de lectura junto al mar o la piscina. En primer lugar, y para los amantes de la poesía, llega la segunda edición del cómic Antonio Machado: Los Días Azules, de Cecilia Hill y Josep Salvia. En esta obra, ambos autores hacen un recorrido por la vida del poeta andaluz en los azarosos años de la Guerra Civil. En definitiva, una bella novela gráfica que nos descubre la manera de ser y de pensar de un literato universal durante un período tan triste de nuestra historia.

Diábolo Ediciones. Novedades de Mayo y Junio de 2019

A finales de mayo sale a la venta la segunda edición de Tim Burton. Simios, Murciélagos y Jinetes sin Cabeza, de David G. Panadero y Miguel Ángel Parra. En esta edición, actualizada hasta su última producción, Dumbo, los autores analizan la carrera de este genial aunque controvertido cineasta, odiado y amado a partes iguales. Puedes leer nuestra reseña de la primera edición en este enlace

Para los amantes del misterio, Diábolo Ediciones presenta una obra fundamental sobre una de las escritoras más influyentes del género: Agatha Christie. En el libro El Universo de Agatha Christie, Juan José Montijano Ruiz nos desvela cómo alguien aparentemente tan dulce y apacible era capaz de idear crímenes y misterios tan enrevesados y absorbentes. Un libro esencial para los fanáticos de la conocida como "Duquesa de la Muerte".

Del crimen y del misterio pasamos a los juguetes de nuestros padres, las inolvidables muñecas Mariquita Pérez. En el libro Descubriendo a Mariquita Pérez, Alicia Amigó y Salud Amores hacen un excelente trabajo de investigación en torno a estas míticas muñecas. Curiosidades, orígenes y todo lo relacionado con un juguete que todavía hace furor entre los coleccionistas de lo añejo. 

Y para terminar, dos cómics. En primer lugar, el tercer volumen de la Biblioteca de Cómics de Terror de los Años 50, esta vez dedicado a los zombis. Artistas como Gene Colan, Reed Crandall o Wally Wood nos dejaron algunas de las historietas de horror más memorables de la historia del cómic, época de esplendor tristemente truncada por el infame Dr. Fredric Wertham y su libro "la Seducción del Inocente", que dio lugar a la autocensura en los cómics estadounidenses. El segundo cómic es la edición en color de Miau, de José Fonollosa, una novela gráfica gatuna superventas que hará las delicias de los amantes de estos felinos.

Se estaba destacando mucho en medios esta estreno de Netflix, protagonizado por Christina Applegate (Matrimonio con Hijos), como toda una sorpresa. Dado que sus episodios solo duraban media hora, algo que tantas veces reclamamos a Netflix, me animé con ella. Sin embargo, una vez terminada, debo decir que no merece tanta alabanza como está recibiendo. ¿A qué se debe esta impresión?

Dead To Me , Muertos Para Mí

Antes que nada, considero que debemos acuñar un nombre para definir esas series que, sencillamente, van de la vida de las personas. Erróneamente, se llama "comedia" a todo, cuando en estas se da por sentado que vas a reirte, cuando no es el caso. Quizás "serie cotidiana" encajaría más con esta producción. Jen (Christina Applegate) acaba de perder a su marido por culpa de un conductor que se dio a la fuga. En terapia conoce a Judy (Linda Cardellini), con la que hace estupendas migas, y en la que se apoya enormemente en unos momentos tan duros. Poco a poco, vamos descubriendo el por qué de esa aparente amistad casual, y la realidad de ambas mujeres, llenas de problemas como la vida de cualquiera.

Si bien las dos mujeres protagonistas son las mejor perfiladas de la serie, del resto no podemos decir lo mismo. La pareja de Judy, Steve (James Marsden) está al servicio de una historia que cada vez se torna más inverosímil. Es imposible que ese hombre hubiera dejado tantos cabos sueltos en la posición que está. Tampoco la suegra de Jen va más allá del cliché de madre política odiosa que no disimula el rencor hacia su nuera, cuando estos temas suelen ser mucho más sutiles.

SABER QUE EL MÍTICO LOU GRANT (EDWARD ASNER) SIGUE EN ACTIVO, DE LO MEJOR DE LA SERIE

A pesar de ser sólo 10 episodios de media hora, se hacen algo pesados. Sobran unos pocos, y si he finalizado la serie es más por cabezonería que porque merezca la pena. Poco a poco se van desgranando tópicos y momentos más propios de un telefilm que de una serie que va a alguna parte o pretende aportar algo. No lo hace, al contrario: va de más a menos a lo largo de los episodios. Los personajes masculinos salen bastante mal parados, y las decisiones que van tomando las mujeres poco se ajustan a la verosimilitud. A pesar de lo dicho de los personajes secundarios, sí destacaría el papel de Abe, el inolvidable Lou Grant que da alegría que siga en activo. Es de lo más emotivo.

La pareja de Judy, Steve (James Marsden) está al servicio de una historia que cada vez se torna más inverosímil


Salvando algunos momentos bien llevados sobre el duelo de la protagonista, y el estrés de Judy, el resto no merece demasiado la pena. Menos si tienes que dedicarle cinco horas de tu vida para saber el final. Por ejemplo, los hijos de Jen dan bastante menos problemas de lo que lo hacen los hijos a su edad, y no se profundiza mucho, ni se sabe, de cómo afecta a los pequeños lo que ha ocurrido con su padre. Entiendo que la serie no es un estudio psicológico sobre nada, pero se puede hacer bastante mejor. Los personajes casuales que van apareciendo y que son claves para la trama son demasiado forzados. Y, por supuesto, un final acorde con lo políticamente correcto, lo único que podría haber salvado la serie.

JAMES MARSDEN EN UN PAPEL PURAMENTE ALIMENTICIO AL SERVICIO DE LOS DISPARATES DEL GUION

Es posible que hagan una segunda temporada, pero no seré yo quien la vea. Hay muchas mejores series que ver antes que esta, que son capaces de aportar algo más que ideas trilladas y soluciones fáciles. Sólo se me ocurre recomendarla si queréis una serie de fondo que no necesite mucha atención y os permita hacer otras actividades. Si no, de verdad que hay mucho, muchísimo que ver mejor que esto.

Reconozco que cuando Movistar+ se lanzó a crear sus series propias viendo que se quedaba sin los derechos de las ajenas con tanta competencia, no albergaba grandes expectativas. Además, no publicita a todas por igual. Producciones como Velvet o la no renovada Arde Madrid, cuyo primer capítulo fue suficiente para no ver más, se anuncian en marquesinas de buses, canales televisivos y webs seriéfilas. Sin embargo, otras apenas reciben bombo que las hagan destacar, al menos en principio, entre la ingente oferta. Es el caso de El Día de Mañana, dirigida por Mariano Barroso. Lo poco que oí de ella al estrenarse no transmitía en absoluto la grandísima serie que es. La he visto casi un año más tarde de su estreno, y por recomendación de un familiar. Es por eso que escribo esta reseña, para que os acerquéis a ella y veáis que en España se hacen series imbatibles cuando queremos.

El Día de Mañana

La serie está basada en el libro del mismo nombre, del autor Ignacio Martínez de Pisón. No me lo he leído, pero ganas no me faltan tras disfrutar de esta producción de seis episodios absorbentes, y las alabanzas de quienes lo han leído hacia la misma. La historia comienza en la España tardofranquista de los años 60, donde conocemos a Justo Gil. Este se presenta en la casa de su primo proveniente del pueblo, para que le ayude a curar a su madre que permanece catatónica. A pesar de que no lo recuerda, su primo le ayuda  a instalarse en su casa en contra de la opinión de su mujer. El trastorno familiar que esto provoca se retrata especialmente bien. Los diálogos son de lo más naturales y las situaciones totalmente asimilables a la época reflejada. A pesar de que Justo es un cateto de libro, rápidamente aprende a desenvolverse y a encontrar oportunidades laborales en una Barcelona en pleno desarrollo. La caracterización del actor Oriol Pla es fabulosa, consiguiendo que todo cuanto hace Justo sea comprendido por el espectador, incluso en aquellas ocasiones que daña de manera terrible a su entorno.

La serie está basada en el libro del mismo nombre, del autor Ignacio Martínez de Pisón


El objetivo de salvar a su madre y conseguir el dinero necesario para ello va quedando atrás mientras lo vemos ir subiendo en la escala social tirando de su viveza y capacidad de aprendizaje. Sin embargo, nunca nos parece excesiva su fortuna, ya que no es lineal ni continuamente provechosa su trayectoria.

No falta la chica objeto del interés amoroso de Justo, otro punto fuerte de la serie. El retrato de Carme (Aura Garrido) y su familia, especialmente su tío, es otra muestra fantástica del realismo de esta serie, que no necesita más que la cotidianidad de la época para que cada capítulo nos absorba sin falta.

El Día de Mañana
A JUSTO LE TOCA SALIR DE APUROS CADA DOS POR TRES

Los acontecimientos se van sucediendo sin que averiguar lo que va a suceder sea posible para el espectador. El tiempo va pasando e influyendo en lo que ocurre. Los personajes secundarios son todos destacables e interesantes, ayudados tanto por grandes interpretaciones como por una caracterización y ambientación excelentes. La policía franquista y los acontecimientos políticos tienen su peso en la serie, ayudando a dar un trasfondo aún más interesante. Advierto que algún momento puede ser algo duro o violento en este aspecto, pero es lo que había y disimularlo es peor que contarlo tal cual.

El enigmático Justo es un perfecto antihéroe que te atrapará sin dudar desde los primeros minutos de metraje. Cada uno puede juzgar si lo que hace está bien, mal o regular. Indiferente seguro que no. Poco más debo contar porque la serie va avanzando en el tiempo y en la trama de una manera poco previsible, y así debéis disfrutarla. El problema de llamarse como una popular película relativamente reciente con la que nada tiene que ver quizás le haya venido mal de cara a promocionarla. Supongo que habría sido mejor llamarla de manera diferente al libro como se hace en otras ocasiones. Y algo más de promoción también, ya que esta parece asignarse más por la fama de los actores que por la calidad de la serie. 

Si las sublimes series que RTVE de principios de la década de los 80 de las obras de Galdós o Blasco Ibáñez hubieran evolucionado de una manera natural, sin duda El Día de Mañana sería su heredera más justa. Para todos aquellos que hayáis perdido la esperanza de volver a ver ese tipo de producciones tan superiores a lo que se hace actualmente, no os perdáis esta serie. Hay esperanza.

Como viene siendo habitual, los videojuegos van teniendo su repercusión en el mundo del cómic. Es el caso de esta historia, Los Pecados del Padre, novedad de ECC Ediciones, donde se continúa lo visto en The Telltale Series hasta llegar a la segunda parte del videojuego, The Enemy Within. Desafortunadamente, no tengo tiempo para dedicarlo a los videojuegos, así que no lo conozco. De todas formas, con saber que se basa en la idea de que Thomas Wayne fue un malvado que cimentó su fortuna aprovechando el poder que le daba su posición de médico decidiendo quién entraba o no en Arkham, es suficiente. ¿Merece la pena esta historia llevada al cómic de la mano del guionista Christos Gage?

Batman: Los Pecados del Padre

Debo reconocer que me animé con esta historia porque había visto buenas referencias por la web, ya que no me suelen entusiasmar este tipo de cómics. La historia comienza con un Bruce Wayne muy avergonzado por los horrores cometidos por su padre. No solo eso, sino que las consecuencias legales de aquello ponen en peligro la continuidad de Empresas Wayne.

A partir de aquí es cierto que se va construyendo un relato bastante más complejo de lo que suelen ser estas historias originadas en videojuegos salvando, por supuesto, Injustice, Gods Among Us. Muchos matices afectan a lo que va sucediendo y hay sorpresas interesantes por el camino. Sin embargo, hay algo de rigidez en el Batman que nos representan. En mi opinión, se aleja de los retratos más ambiguos del murciélago, para mí los más interesantes. Verlo aplicar reglas sin matices no me resulta demasiado interesante, sino copiar una idea de Batman quizás apropiada para lectores casuales, pero no tanto para los habituales. Por otro lado, su lado más sentimental está más aflorado de lo normal. Estamos ante un Batman que está asimilando que su padre era bastante peor persona que la mayoría de los que él detiene. Y esto no es un problema de Batman, sino de Bruce Wayne. Por eso se le dedica más tiempo a su parte civil y a lo que todo esto significa para la empresa que encabeza, así como las posibles soluciones que puede dar a los damnificados por los horrores perpetrados por su padre. Eso sí, en esta historia, batfamilia poca.

¿VEIS A QUÉ ME REFIERO CON LA RIGIDEZ EN EL DIBUJO?

En cuanto a la historia del villano, me ha sorprendido por ser tan detallada y no escatimar temas algo escabrosos y evitados por lo general. La rigidez de la respuesta de Batman, o mejor Bruce Wayne, se hace poco comprensible en este trato. Todos los villanos no son iguales y a estas alturas debería saberlo mejor que nadie. Es una historia libre de continuidad, y por eso las biografías de unos y otros no tienen que cuadrar con nada previo.

El dibujo de Raffaele Ienco no me ha seducido demasiado. Es correcto, con algunos momentos mejores que otros, pero algo anticuado en el estilo. Quizás le falta agilidad y flexibilidad, como ocurría en los videojuegos más antiguos. Correcto es, pero sorprendente no.

No es un tomo imprescindible, seguramente porque apunta a un público ocasional que provenga de los videojuegos, pero le reconozco la virtud de estar por encima de la media de los cómics que provienen de estos. Si os apetece, echadle un vistazo, si no, tampoco pasa nada.

BATMAN: LOS PECADOS DEL PADRE
ECC Ediciones
Edición original: Batman Sins of the Father núms. 1-6 USA
Guion: Christos N. Gage
Dibujo: Raffaele Ienco
Rústica, 144 págs. A color.
Precio: 13,50 €

Estrenada en 2001, El Viaje de Chihiro, dirigida por el maestro de la animación japonesa Hayao Miyazaki, puede considerarse una de las películas más influyentes de la cinematografía nipona de principios de este siglo. Tras una gran acogida por parte de crítica y público, algo evidenciado por los más de treinta premios recibidos, el largometraje de Miyazaki se ha convertido, no solo en un clásico instantáneo, sino en objeto de culto de toda una generación. Álvaro López Martín pertenece a esa generación, como lo demuestra el enorme impacto que la película dejó en este madrileño de apenas 35 años, autor del libro al cual dedico esta reseña y del que Diábolo Ediciones acaba de lanzar su cuarta edición.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

Álvaro es autor, entre otras obras, de Mi Vecino Miyazaki. Studio Ghibli, la Animación Japonesa que lo Cambió Todo (2014), que ya va por su sexta edición, y Antes de Mi vecino Miyazaki. El Origen de Studio Ghibli (2016), obra esta última que reseñamos aquí, ambos editados por Diábolo. Por ello, no era raro que alguien tan versado en el maravilloso mundo surgido de la imaginación del maestro Miyazaki no dedicara un volumen a analizar la que, según algunos, es la obra cumbre del animador y realizador nipón.

El libro va por su cuarta edición, lo que da una idea del enorme interés que esta icónica película sigue generando, no solo entre seguidores del anime, sino entre amantes del Séptimo Arte en general. Prologado por la periodista Marta Fernández (El País, Jot Down), el libro se divide en ocho capítulos, ocho etapas que siguen cronológicamente el fascinante y surrealista viaje de la joven protagonista. El autor, queriendo analizar con todo detalle todas y cada una de las escenas de la película, se detiene y recrea en cada plano, cada fotograma. De este modo, leer este libro es como sumergirse de nuevo en el universo de Chihiro, solo que con otros ojos, los ojos del autor de este cautivador libro.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

De este modo, plano a plano, escena a escena, secuencia a secuencia, el autor desgrana los mensajes ocultos de una película preciosista, sujetos a variedad de interpretaciones. En ocasiones, el autor se basa en la mitología e historia niponas para tratar de contextualizar la película. En otras ocasiones, al igual que Chihiro, se permite la licencia de echar a volar su imaginación y su sabiduría sobre el manga y el anime, dicho sea de paso, para dar su propia interpretación sobre ciertos momentos de la cinta. No debemos culpar a Álvaro de ofrecer su visión subjetiva de El Viaje de Chihiro (como he leído en alguna reseña), a fin de cuentas es el autor y es libre de trasladarnos su propia visión de las cosas. Si duda, se trata de un pecado menor comparado con la enorme labor que ha supuesto condensar en apenas 280 páginas un análisis tan completo e interesante como el que nos ofrece en su obra.

El autor, queriendo analizar con todo detalle todas y cada una de las escenas de la película, se detiene y recrea en cada plano, cada fotograma


Para hacer más amena la lectura (si tal cosa es posible), el autor ha querido ofrecernos cuadros fuera de texto sobre tal o cual detalle de la película. La cantidad de información que nos ofrece Álvaro con estos recuadros es impresionante. De este modo, conocemos algunas curiosidades sobre el automóvil de la familia de Chihiro, el cual aparece en las primeras escenas, información sobre lo que comen los protagonistas o datos sobre las ricas tradiciones japonesas relativas al mundo espiritual. Incluso, el autor se permite comparar el clásico de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas con el film de Miyazaki, influencia reconocida en varias ocasiones por el animador japonés. Se trata, en definitiva, de cuadros de información que enriquecen y complementan la descripción que el autor va haciendo de la película de manera cronológica.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

Una de las señas de identidad de Diábolo Ediciones es la gran cantidad de imágenes que acompañan los textos de su colección sobre la cultura popular. Este libro, obviamente, no iba a ser una excepción. De hecho, los fotogramas más importantes del largometraje de Miyazaki sirven de apoyo al texto del autor, sirviendo como recordatorio de una película que, parafraseando el título del libro, no necesita ser recordada porque no se olvida jamás...

Claro está, una obra tan completa y rigurosa como esta no podía carecer de un capítulo dedicado a la producción de El Viaje de Chihiro. Aquí, el autor nos desvela cómo la idea de hacer esta película surge como reacción de Miyazaki a la traumática producción de La Princesa Mononoke (1997) y el fallecimiento de su amigo y mano derecha en Estudio Ghibli Yoshifumi Kondô en 1998. Miyazaki deseaba realizar un largometraje más optimista, y ahí surgió El Viaje de Chihiro, inspirado en el libro "Un Pueblo Misterioso Más Allá de la Niebla", de Sachiko Kashiwaba.

La idea de hacer esta película surge como reacción de Miyazaki a la traumática producción de La Princesa Mononoke


A pesar del optimismo que Miyazaki quería imprimir a la cinta, la producción no estuvo exenta de problemas. Finalmente, la película fue estrenada en todo el mundo con una recaudación global en salas que alcanzaría los 274 millones de dólares. En un apartado especial, el autor enumera todos y cada uno de los galardones obtenidos por esta película, así como sus nominaciones.

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás

El autor finaliza el volumen con una sentida reflexión acerca de la película. A modo de conclusión, Álvaro López imagina qué sucede a Chihiro tras los títulos de crédito finales, cómo el maravilloso viaje que ha experimentado (¿ha sido real o solo un ensueño?) la cambia para bien y la empuja a ocupar su lugar en el mundo. El Viaje de Chihiro no es solo una película de dibujos animados, es filosofía concentrada, es saber cómo vivir y cómo crecer. Es una hermosa obra de arte con un contenido que trasciende sus imágenes y toca el corazón del espectador. Es, en definitiva, una película tan inmensa y rica en contenido que no debemos extrañarnos que un autor como Álvaro López Martín, un enamorado de la cultura japonesa, haya dedicado tanto esfuerzo y pasión a un libro que nos desvela los secretos más íntimos de esta gran película, como la bella cita que titula su capítulo final: "Nada de lo que sucede se olvida jamás, aunque tú no puedas recordarlo."

El Viaje de Chihiro: Nada de lo que Sucede se Olvida Jamás
Diábolo Ediciones
Autor: Álvaro López Martín
Cartoné, 280 págs. color
Precio: 25,95 €

Forjado por lo herreros enanos con el indestructible metal asgardiano uru, el martillo Mjolnir es una de las armas más poderosas del Universo Marvel. En una de sus caras, una inscripción reza como sigue: "Cualquiera que sostenga este martillo, si es digno, poseerá el poder de Thor". Incluso quien no haya leído nunca un cómic de Thor sabe que no solo el hijo de Odín es capaz de alzar el martillo ya que, en las películas, Visión (sí, ya sé que es un robot) y Capitán América también lo han levantado. La lista de "dignos" es, en los cómics, mucho más larga. Incluso, han sido varios los villanos que, de un modo u otro, han blandido el todopoderoso martillo. En esta entrada repasaremos los personajes dignos de levantar Mjolnir, dejando los "no dignos" para otra ocasión.

"Cualquiera que sostenga este martillo, si es digno, poseerá el poder de Thor"

JANE FOSTER

Tras perder Thor su poder para levantar a Mjolnir, una mujer desconocida asume el rol de Diosa del Trueno. Esa mujer no es otra que Jane Foster quien, enferma de cáncer de mama, resulta ser digna de blandir tan fenomenal arma. Irónicamente, los poderes que le brinda el martillo no solamente no la curan del cáncer, sino que agudizan su enfermedad, al ser eliminada la radiación con la que era tratada gracias a la protección del arma. Este arco argumental, de 2014, ya había sido explorado hacía ya algunos años, concretamente en 1978, en el número 10 del volumen 1 de la colección What if? con el título "¿Qué Hubiera Pasado si Jane Foster Hubiera Encontrado el Martillo de Thor? Como ves, está todo inventado.

Jane Foster demuestra ser digna de Mjolnir

BILL RAYOS BETA

Creado por Walt Simonson, este alienígena del planeta Korbin, tuvo su primera aparición en el número 337 de la colección The Mighty Thor, publicado a finales de 1983. Fue el primer personaje del Universo Marvel no asgardiano en blandir el martillo uru. Tras descubrir que el korbinita era capaz de tal proeza, Odín organizó una lucha entre este y su hijo Thor. El alienígena, impresionado por la nobleza del asgardiano, lo salva de una muerte segura, pero sigue reclamando para sí Mjolnir. Para zanjar la disputa, Odín le entrega a Bill Rayos Beta un nuevo martillo, Stormbreaker, forjado con el metal del corazón de una estrella enana, tal y como sucede en la película Vengadores: Infinity War.

Bill Rayos Beta

CAPITÁN AMÉRICA

Sin duda, uno de los personajes Marvel más íntegros es Steve Rogers. Puro de corazón y de voluntad inquebrantable es el candidato perfecto para alzar el martillo de Thor. Tres son las ocasiones en las que esto ha sucedido en los cómics. La primera vez solo lo hace brevemente, en el número 390 de la colección The Mighty Thor (1988), cuando ni siquiera portaba su escudo y se autodenominaba, a secas, "El Capitán". La segunda, en la miniserie "Miedo Encarnado", de 2011, gracias al poder que le brinda el Dios del Miedo asgardiano. La tercera vez, en el evento "Imperio Secreto", en el que un Capitán América agente de HYDRA fue capaz de levantar un martillo que luego resultó ser falso. Más tarde sería derrotado por el verdadero Capitán, eso sí, blandiendo el Mjolnir legítimo.

Viñeta del cómic "Imperio Secreto"

VALKIRIA

En mi opinión, Valkiria es una de las heroínas del Universo Cinematográfico Marvel que menos me ha convencido hasta ahora. La razón no es el cambio de raza (aunque algo tiene que ver), sino la poca fuerza y el poco carisma que la actriz Tessa Thompson ha insuflado a su personaje, en teoría, una guerrera asgardiana casi insuperable en combate. Pues bien, en los cómics, la versión Ultimate de Valkiria, la joven Barbara Norris, fue capaz de blandir a Mjolnir tras arrebatarselo a Magneto cortándole el brazo. Esto sucedió en el cómic Ultimátum, publicado en 2008.

Ultimátum (2008)

TORMENTA

Y ya que hemos mencionado a un mutante, Magneto, fue otro mutante, algo más digno que Erik Magnus Lehnsherr, quien fue capaz de manejar el martillo uru: Ororo Munroe, la X-Men conocida como Tormenta. Quién mejor que la diosa africana del tiempo para blandir el martillo del trueno, ¿no es así? En realidad, el primer martillo en ser alzado por Munroe no fue Mjolnir, sino Stormcaster, creado por Loki. Tras descubrir que había sido manipulada por el Dios de las Mentiras, Tormenta entregó el martillo. Años después volvió a blandirlo, en esta ocasión luchando contra Thor. En dicha pelea, Tormenta levantó el propio martillo de Thor para destruir a Stormcaster, probando que era más que digna para ser Diosa del Trueno.

Tormenta, Diosa del Trueno

WONDER WOMAN

Solo en un crossover tan importante como Marvel Versus DC, Volumen 1 (1996), podía haber dos héroes merecedores de alzar el martillo Mjolnir. Uno de ellos fue Wonder Woman. La amazona, al encontrar el martillo perdido por Thor, leyó su inscripción y se sintió tentada a alzarlo, siendo bañada instantáneamente por energía y convirtiéndose en una versión femenina del Dios del Trueno. Probando que era digna merecedora de blandir el martillo de Thor, ni siquiera lo usa en su batalla contra Tormenta, considerando que le brindaría una injusta ventaja.

Marvel Versus DC


SILVER SURFER

Norrin Radd, Silver Surfer (Estela Plateada como es conocido entre los fans españoles) es otro que de los personajes Marvel dignos de blandir el martillo del Dios del Trueno. Concretamente, Estela empuña a Mjolnir en el volumen dos de la colección Thanos, en su número 17, publicado hace poquito, en 2018. En este cómic, el nuevo guionista estrella Donny Cates elige a Silver Surfer como la última esperanza capaz de detener a un casi imparable Thanos en su afán por destruir la realidad. ¿Cómo? Literalmente, convirtiéndose en el último Dios del Trueno del universo.

Thanos #17

THROG

Creado por Walter Simonson, Simon Walterson (lo has pillado, ¿no?) era un humano que, debido a un encantamiento, fue convertido en rana. Tras conocer a Thor, que también había sido transformado en rana, Puddlegulp (el nombre del alter ego batracio de Walterson) se hace amiga del Dios del Trueno. A partir de una astilla de metal uru de Mjolnir, Throg es capaz de transformarse en Dios del Trueno, exactamente con los mismos poderes que el hijo de Odín. Más tarde, el pequeño héroe formó parte de los Pet Avengers, junto al perro Mandíbulas, de los Inhumanos, el dragón Lockheed, Redwing, el halcón de Sam Wilson o Zabu, el dientes de sable de Ka-Zar, entre otros animales.

Throg (Simon Walterson)

BLACK WIDOW

De nuevo, volvemos a un What if? (What if? Age of Ultron, 2014), en este caso uno en el que, debido al Ragnarok, Thor y todos los héroes con superpoderes fallecen, y es Natasha Romanoff la mortal digna para empuñar su martillo. Hay muchas teorías rondando por ahí de por qué Natasha rehusó levantar Mjolnir en la película Vengadores: la Era de Ultrón. Unos dicen que porque se sabía no digna y mejor no hacer el ridículo. Sin embargo, algunos fans aseguran que Black Widow se sentía capaz, en su fuero interno, de alzar la poderosa arma, y precisamente por ello declinó entrar en el juego.

What if? Age of Ultron, 2014

SUPERMAN

Si Wonder Woman es digna de levantar el martillo de Thor no lo es menos Superman. En el cómic JLA/Vengadores, escrito por Kurt Busiek y dibujado por George Pérez, los héroes de ambos universos deben unir fuerzas para luchar contra Krona, una todopoderosa entidad de Oa, el planeta de los Guardianes del Universo, líderes de los Green Lantern. En este épico enfrentamiento, Superman resulta ser merecedor de blandir, no solo Mjolnir, sino el escudo del Capitán América. Eso sí, el kryptoniano solo es capaz de levantar el arma después de que Odín, impresionado por su valor, suavice el encantamiento que impide que ningún ser no digno lo alce.

JLA/Vengadores

No son estos los únicos personajes dignos de alzar el martillo de Thor. Otros, como la Visión, como dije al inicio, son capaces de manejarlo dada su naturaleza intrínsecamente incorruptible, al ser un robot. Otros, como Deadpool o Hulk, sencillamente no estaban levantando el verdadero Mjolnir... En cambio, varios han sido los supervillanos que, de un modo u otro, han sido capaces de manejar el arma de metal uru, un tema que exploraremos en un próximo post.

La serie Gotham, que pretendía contar lo acontecido en la famosa ciudad del murciélago antes de que este apareciera, acaba de echar el telón. Han sido cinco temporadas en las que esta particular visión del bat-universo ha estado en emisión. Si sois habituales de esta web, sabréis que nos alejamos bastante de ser fans de la misma (ya señalamos sus diferencias respecto a los cómics aquí), aunque la hayamos visto completita. Es por eso que, a modo de cierre, nos apetece un listado acerca de los errores y aciertos, que también los ha habido, de esta producción. A ver si coincidís con nosotros. 


Comencemos con los errores, los principales, eso sí, porque a poco que rasques, la serie hace aguas por todos lados.

MALA REPRESENTACIÓN DE BRUCE WAYNE

Lo sentimos mucho, pero poner cara de serio y vestir de negro todo el tiempo no te convierte en Batman. Ni siquiera en un embrión del mismo. Nunca he sido capaz de ver en David Mazouz no ya a un futuro Batman, sino a un presente Bruce Wayne. El chico carecía totalmente del carisma y la necesaria inteligencia para ello. Tampoco ha destacado como genio en nada. No lo vemos estudiar o formarse, algo clave para llegar a ser Batman. Aparecer al lado de la policía todo el tiempo, algo absurdo sabiendo la edad del chico, tampoco es que le haya enseñado mucho, pues poca táctica han utilizado ante la continua locura que muestran en Gotham.

NO ACABA DE DEFINIRSE

Gotham parece querer beber a la vez de Batman: Año Uno y de Batman Begins, mientras pone velas a la alocada serie de los años 60 de Adam West. Es como mezclar agua con aceite, y el resultado visto es equivalente. Si bien la ambientación es buena y muy cuidada, no podemos decir lo mismo de los guiones y las situaciones. Pocos de los personajes de la serie encajarían en la definición de cuerdos. El disparate continuo de mucho de lo que veíamos hacía complicado preocuparse cuando alguien estaba en peligro, o de creerse el devenir de algún personaje. A la primera de cambio, un personaje normal se volvía loco porque sí, para luego volver a la lucidez, como si nada hubiera pasado. Es el caso de Barbara Kean o la doctora Leslie Thompkins, de locas asesinas en serie a mujeres completamente normales. Es una pena que algunos crean que los cómics tienen este nivel de ridiculez y falta de respeto por el espectador.

BARBARA KEAN, DE VILLANA A ¿AYUDANTE DE BATMAN?

EXCESIVA VIOLENCIA

Me sorprende de Gotham muchas de las escenas con disparos a bocajarro, torturas, asesinatos gratuitos y continuos que no escatimaban en recrearse en esos momentos, siendo como es una serie en abierto. Reconozco que me ha resultado muy desagradable en muchos momentos. Esto es copiar lo peor de los cómics actuales, donde Batman aparece destrozado en una viñeta para estar como una pera y sin consecuencias en la siguiente. Algo que en los cómics de otras décadas se respetaba mucho más. 

NADIE PERMANECE MUERTO EN GOTHAM MUCHO TIEMPO

Me quedo con la frase del Pingüino para describir lo poco que vale caer muerto en Gotham. No importa que sea un disparo en la cabeza y veamos desplomarse al cadáver. Al poco, resulta que no estaba muerto, sino que estaba de parranda. Es cierto que en los cómics vemos resurrecciones continuamente, pero no recuerdo ninguna que me pareciera tan ridícula como las que vemos en esta serie. No sabes a qué atenerte cuando finiquitan a un personaje. Un efecto que a fuerza de repetirse, cansa y degrada mucho la serie y sus pretensiones.

OPORTUNIDAD PERDIDA

En definitiva, lo que podría haber sido una gran serie, basada por ejemplo en lo leído en Gotham Central, ha quedado como un disparate que no se toma en serio a sí mismo, teniendo los medios para ello. Da la sensación que esta serie representa lo que las personas que no han leído en su vida un cómic de Batman, creen que es Gotham y su mundo por las parodias vistas en medios. No me gastaría un céntimo en un cómic que representara nada de lo visto aquí de esta forma.

UNA IMAGEN QUE CARECE DE LA FUERZA QUE DEBERÍA TENER

A pesar de lo dicho anteriormente, es justo destacar algunos puntos de la serie que, en nuestra opinión, sí han sido más exitosos. Vamos con ellos.

INTENTA ADAPTAR ACONTECIMIENTOS DEL CÓMIC RECIENTES

El Tribunal de los BúhosTierra de Nadie o el temible Profesor Pyg, entre otras sagas, han sido utilizadas en la serie Gotham. Obviamente, no han podido ser demasiado fieles a los cómics, entre otras cosas porque si te falta Batman nunca podrás serlo del todo. Sin embargo, teniendo en cuenta esas limitaciones, no ha estado del todo mal ver estas tramas llevadas a la pantalla, aparte de lo visto en alguna película animada.

EL NO JOKER

Cameron Monaghan ha hecho un trabajo increíble representando a Jerome Valeska, el supuesto no Joker, aunque se le parezca tanto. A pesar de que, seguramente, debido a esto lo hemos visto aparecer tan poco en la serie Shameless, ha merecido la pena. Además, nos ha deleitado con distintas versiones del villano, siendo mi favorita El Joker visto en el cómic Extrañas Apariciones


PINGÜINO Y ENIGMA, DOS GRANDES VALORES DE LA SERIE

LA REPRESENTACIÓN DE PERSONAJES EMBLEMÁTICOS

La caracterización de esa serie es uno de sus puntos fuertes. Selina Kyle, por ejemplo, se acerca mucho en físico y personalidad a lo que debería ser Catwoman. Harvey Bullock también está bastante definido, a diferencia de James Gordon, otro protagonista de la serie mal enfocado. El Espantapájaros o Enigma, tampoco están mal. Sobre todo, debo agradecer haber visto a Scarface, al que nunca había visto en imagen real. El personaje creado por Alan Grant a finales de los 80 es de mis favoritos, pero apenas cuentan con él en las historias de Batman. Aquí tuvo una breve aparición, pero fue fantástica. Gracias por ello.

EL ÚLTIMO EPISODIO

Pocas veces una serie tiene una conclusión que dé respuesta a tantas cuestiones planteadas, o esperadas. Si bien finalmente se abrió la veda de mostrar a Batman en público, como veremos en la segunda temporada de los Titanes, con Bruce Wayne como personaje recurrente encarnado en el escocés Iain Glen (Juego de Tronos), no es esto lo mejor de este capítulo final. Se nos insinúa que la ahora pelirroja y reformada Barbara Kean podría ser Batwoman, ya que la hija de Gordon no se nos ha mostrado pelirroja como para ser Batgirl en un futuro. Selina sigue el camino que ya sabíamos, y no ha olvidado a Bruce. No tuvo grandes sobresaltos ni incoherencias, fue un episodio tranquilo donde vimos el destino de los supervivientes. De hecho, no se entendía bien por qué aparecía Batman, si la ciudad parecía por fin prosperar. 

En definitiva, un cierre de etapa de una serie que ha vivido la llegada en masa de plataformas de televisión desde sus comienzos en la cadena FOX. Ahora tendrá su curioso spin-off con Pennyworth, la serie sobre la vida del fiel mayordomo Alfred de joven. A pesar de lo absurda que puede resultar en un primer momento esta idea, en los cómics Alfred tiene un pasado militar, de médico, en el teatro inglés, ha cursado las carreras universitarias que iban siendo necesarias... En fin, ya os contaremos en julio nuestras primeras impresiones de esta nueva serie.

A finales de 2017, ECC Ediciones lanzó el tomo DC Comics/Dark Horse Comics: Aliens, un volumen que recopilaba algunas de las historias en la que xenomorfos y Predators se enfrentaban con personajes como Batman, Superman o grupos como WildC.A.T.S. Por razones de espacio, en aquel tomo no se incluían el resto de crossovers entre ambas editoriales, historias que ECC ahora recoge en el tomo DC Comics/Dark Horse Comics. Aliens: Segundo Asalto

DC Comics/Dark Horse Comics. Aliens: Segundo Asalto

En la primera de las historias del volumen asistimos al enfrentamiento entre el Hombre de Acero y los aliens, una miniserie publicada originalmente entre julio y septiembre de 1995. A cargo del guion y el dibujo tenemos a Dan Jurgens, un habitual en las colecciones del kryptoniano desde 1989 y profundo conocedor del personaje. En este primer arco, Jurgens utiliza uno de los recursos más efectivos a la hora de enfrentar a Superman con ciertas amenazas, a priori, mucho menos poderosas que él: su vulnerabilidad bajo un sol no amarillo. De este modo, Jurgens hace creíble una amenaza, los aliens, en principio incapaces de ser rivales para el kryptoniano. Las reticencias de Superman a matar son llevadas en esta historia más allá de lo razonable, habida cuenta de que se enfrenta, no a seres inteligentes, sino a bestias que son impulsadas solo por sus instintos.

Obviamente, estamos ante un cómic típicamente noventero... con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva. El dibujo de Jurgens, con entintado de Kevin Nowlan, es efectivo y dinámico, aunque ahora se nos haga raro ver a Superman con melena. Otro de los personajes de la historia es Kara, aliada circunstancial del héroe en su enfrentamiento contra los xenomorfos. Por cierto, todos los coprotagonistas de la historia son mujeres.

Superman vs. Aliens

Superman vs. Aliens, sin ser nada del otro mundo, consigue entretener, en parte por la gracia de ver ambos universos mezclados en un mismo cómic. Hay momentos curiosos, como el hecho de ver a Superman cada vez más desnudo, con su traje hecho jirones por las garras de los xenomorfos. Aunque no está claro cómo el kryptoniano mantiene su uniforme intacto cuando pelea, parece ser que su propio cuerpo indestructibles emite un aura que envuelve todo lo que esté en contacto con su piel. De este modo, los trajes y armaduras que viste serán, como él, indestructibles. Solo la radiación del sol rojo bajo el que se desarrolla la presente historia explica que Superman pierda con tanta facilidad su vestimenta.

La segunda de las miniseries incluidas en el volumen editado por ECC es Green Lantern vs. Aliens, con guion de Ron Marz y dibujos de Rick Leonardi. Publicado a finales del año 2000, la historia se inicia presentándonos a Hal Jordan a modo de flashback, ya que por aquel entonces el Green Lantern estaba muerto. Tras recibir una llamada de alerta de otros Lanterns, acuden a un lejano planeta en el que uno de sus colegas ha sido infectado por uno de los xenomorfos. Jordan decide que la mejor manera de contener a estos seres es aislarlos en el planeta viviente Mogo, una decisión que tendrá, años más tarde, graves consecuencias. De nuevo, como en la historia de Superman, vemos como la elección de no matar a estas criaturas al considerarlos seres no malvados causa más de un dolor de cabeza al protagonista, en este caso, el Green Lantern Kyle Rayner.

Green Lantern vs. Aliens

Un escalón por encima de la historia de Superman, Green Lantern vs. Aliens resulta ser bastante entretenida. Además, el cruce entre la mitología alien y este cuerpo de vigilantes galácticos se produce de manera más natural que en la historia de Dan Jurgens. En otras palabras: el encaje de los aliens en el Universo DC es más creíble en este cómic. Por otro lado, el arte de Rick Leonardi es dinámico y detallado, con un estilo cercano a lo que hoy en día podemos encontrarnos en cualquier comic book. Al igual que la historia de Superman, también tenemos un personaje femenino que será decisivo en la historia y que será protagonista de un emotivo giro final.

En Superman vs. Aliens II: God of War, la última miniserie contenida en el volumen, asistimos al enfrentamiento entre Superman y los Nuevos Dioses y uno de los villanos más poderosos del Universo DC: Darkseid. Tras hallar una nave plagada de huevos de xenomorfos, el monarca de Apokolips decide emplearlas como arma contra Nueva Génesis, donde se encuentra Superman de visita. 

Superman vs. Aliens II: God of War

Publicada entre mayo y diciembre de 2002, God of War cuenta con un guion de Chuck Dixon y dibujos de John Bogdanove. Este último aprovecha para realizar numerosos homenajes al maestro  Kirby en muchas de las viñetas, aportando al cómic un valor añadido extra. Sin embargo, el vistoso colorido del mundo de los Nuevos Dioses no resulta demasiado adecuado para una historia en la que los aliens son los protagonistas, restando algo del necesario dramatismo a la historia.

Con el volumen Aliens: Segundo Asalto se pone fin a la publicación de los crossovers entre la franquicia Alien de Dark Horse y DC Comics. No se agotan, ni mucho menos, los cruces que los héroes de DC han tenido con los de otras editoriales, como los publicados junto a Marvel o Image. Sin embargo, la adquisición de la 20th Century Fox por Disney, incluyendo propiedades como El Planeta de los Simios, Predator o Alien, posiblemente dificultará que veamos de nuevo cruces como los recopilados en este volumen. ¿Disfrutaremos en el futuro de crossovers entre Aliens y amazonas? ¿O Aquaman vs. Predators? El tiempo lo dirá.

DC COMICS/DARK HORSE COMICS: ALIENS - SEGUNDO ASALTO
ECC Ediciones
Edición original: Superman vs. Aliens núms. 1-3 USA, Superman/Aliens 2: God War núms. 1-4 USA, Green Lantern vs. Aliens núms. 1-4 USA
Guion: Chuck Dixon, Dan Jurgens, Ron Marz
Dibujo: Dan Jurgens, Jon Bogdanove, Kevin Nowlan, Rick Leonardi
Cartoné, 344 págs. A color
Precio: 32,50 €