2019

ECC Ediciones acaba de dar a conocer sus lanzamientos para mayo, un mes que será prologado por intensas novedades relacionadas con el universo de los cómics. En primer lugar, el 5 de abril llega a las salas de cine españolas ¡Shazam!, la esperada película del Universo Cinematográfico DC que protagoniza Zachari Levi en el papel del héroe. Por si fuera poco, coincidiendo con el estreno del film, se celebra el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, ahora rebautizado como Cómic Barcelona 37, donde ECC tendrá una presencia importante. Pero pasemos a repasar algunas de las novedades primaverales más destacadas de mayo, las cuales irán llegando a las librerías a lo largo del mes de abril.

ECC Ediciones: Novedades de Mayo de 2019

Hay que destacar primeramente la llegada de Grant Morrison a Green Lantern, una nueva colección en formato grapa que promete no dejar a nadie indiferente, como es marca de la casa del guionista escocés. Otro lanzamiento muy especial que quiero recomendarte es la edición especial de La Boda, el enlace entre Selina Kyle y Bruce Wayne. ECC pone a la venta dos ediciones: la normal en cartoné, y otra que incluye un estuche, una lámina y, por supuesto, tu invitación a la boda del año. 

El tremendo éxito de la serie televisiva Titanes ha impulsado sus colecciones de cómics. En abril, ECC pone a la venta el tomo Titanes: La Chispa, que incluye el Special Titans 1 y los números 23 al 27 de la colección Titans, escritos todos ellos por el veterano guionista Dan Abnett. No te pierdas tampoco Superman/Shazam: Primer Trueno, un tomo en cartoné que recopila los cuatro números de la serie homónima escrita por Judd Winick.

Por supuesto, hay muchísimas más novedades, pero voy a dejar que las descubras por ti mismo en el siguiente PDF. 

Sin duda alguna, la reedición de El Planeta de los Simios es uno de los títulos que con más ansia esperaban los aficionados al cómic clásico. Ahora, gracias a la colaboración entre la editorial estadounidense Boom! Studios y Panini Cómics, llega a España por fin la esperada colección en formato de lujo y cuidadosamente restaurada. Tras largos años, en los que parecía que nunca íbamos a tener la oportunidad de volver a disfrutar del magazine en blanco y negro que Marvel publicó bajo su sello Curtis entre los años 1974 y 1977, por fin vemos recopiladas aquellas historias en una edición como se merecen. Pero ¿cuál fue el origen de aquellos cómics?

Archivos El Planeta de los Simios Vol. 1: Terror en el Planeta de los Simios

Estrenada el 15 de junio de 1973, la película Batalla por el Planeta de los Simios (Battle for the Planet of the Apes) había puesto punto y final a las aventuras cinematográficas iniciadas cinco años antes, en 1968. Tras cinco películas, la saga llegaba a su fin, aunque solamente para dar el salto a la pequeña pantalla, como serie de imagen real así como en formato animado. Ambas series tuvieron un corto recorrido. La serie de imagen real de la CBS solo duró catorce episodios antes de ser cancelada, mientras que la serie animada de la NBC, titulada Regreso al Planeta de los Simios, solo alcanzó los trece capítulos. 

Sin embargo, los fans de los personajes surgidos de la imaginación del escritor galo Pierre Boulle querían más. Mientras que la franquicia cinematográfica parecía muerta y enterrada, al igual que las series televisivas, los seguidores de la franquicia simia tenían otras alternativas para desahogar sus ansias. Fue la editorial Marvel la que supo aprovechar el tirón aún existente lanzando un magazine en blanco y negro con nuevas aventuras basadas en los personajes y situaciones de las películas. Junto a las historietas, artículos relacionados con las películas y series completaban cada revista.

Archivos El Planeta de los Simios Vol. 1: Terror en el Planeta de los Simios

En este primer tomo (de cuatro) de la recopilación, titulado Terror en el Planeta de los Simios, se recoge el principal arco argumental publicado en las páginas del magazine de Marvel. La historia, con guion de Doug Moench (Master of Kung Fu, Batman), arquitecto del proyecto, se publicó en quince de los veintinueve números que duró la colección, quedando inconclusa cuando esta se canceló en 1977. El argumento que Moench ideó para el hipotético número treinta de la colección puedes leerlo en los contenidos extra del volumen que edita Panini.

Sin duda alguna, la reedición de El Planeta de los Simios es uno de los títulos que con más ansia esperaban los aficionados al cómic clásico


Por tanto, estamos ante un volumen que recoge de manera completa las historias de Doug Moench que se publicaron salteadas en distintos números de la colección El Planeta de los Simios. Esta elección, aunque no hará felices a algunos de los seguidores más integristas de los cómics de El Planeta de los Simios, es la más lógica. De este modo, el arco argumental imaginado por Moench cobra pleno sentido, disfrutándose mucho más que si se hubiera publicado intercalado con otros cómics, tal y como Marvel hizo originalmente en los setenta en su magazine.

En Terror en el Planeta de los Simios seguimos las aventuras del humano Jason y Alex, su amigo simio. Tras enfrentarse con un grupo de supremacistas simios, los padres de Jason son asesinados, teniendo este que huir junto a su amigo Alex a la ignota Zona Prohibida. Allí vivirán peligrosas y extravagantes aventuras, conociendo extrañas criaturas y entablando amistad con sujetos tan curiosos como Steely Dan, Lighsmith y su gibón Gilbert o la bella gitana Malagueña, entre otros.

Planet of the Apes #19

El Planeta de los Simios imaginado por el guionista Doug Moench se aparta enseguida de lo visto en las películas. Moench toma de aquí y allá conceptos, situaciones y personajes de la saga y los trasplanta a su propio mundo, un paisaje postapocalíptico demencial donde cualquier cosa puede tener cabida. Desde mutantes hasta gorilas cyborgs, pasando por simios alados y cerebros gigantes, cualquier invención valía para hacer avanzar la trama. Los elementos más extravagantes del cómic pulp se dan cita en las páginas de Terror en el Planeta de los Simios, dando el guionista muestras de una imaginación desbordante que parecía por aquellos entonces lejos de agotarse.

Estamos, por tanto, ante un nuevo universo que aprovechaba el potencial de las películas y series, pero sin las limitaciones de estas. En esta colección el único límite era la imaginación de Moench... y tenía mucha. Es una lástima que la colección se cerrara en su vigésimo novena entrega, ya que el creador de el Caballero Luna aún tenía mucho que decir a los lectores más adultos de Marvel.

El Planeta de los Simios imaginado por el guionista Doug Moench se aparta enseguida de lo visto en las películas


Otro de los aspectos destacables de esta colección son sus dibujos. Realizados con una maestría sobresaliente por artistas como Mike Ploog, Tom Sutton o Herb Trimpe, entre otros, las viñetas en blanco y negro del magazine de Marvel destilaban acción y espectacularidad a raudales. El blanco y negro, adornado con tramas y sombreados, alcanza aquí la categoría de arte con mayúsculas. En 1975, Marvel lanzaría un comic book con material de la revista coloreado, concretamente el que adaptaba las dos primeras películas, alcanzando así a un público más joven distinto al de las publicaciones de Curtis.

Planet of the Apes #4

Como he dicho más arriba, la presente edición no contiene los artículos sobre las películas que se incluían en la colección original. Sí se incluyen sus espectaculares y llamativas portadas, realizadas por ilustradores como Bob Larkin, Gray Morrow o Malcolm McNeill, magníficos profesionales y en gran medida responsables del gran éxito de las colecciones para adultos de Marvel de los setenta. La presentación y el epílogo del tomo corre a cargo de Rich Handley, todo un experto en franquicias como El Planeta de los Simios, Star Trek o Star Wars, entre otras.

En mi post 10 Cómics Marvel Clásicos que Merecen una Reedición en España, El Planeta de los Simios figuraba entre los elegidos. Finalmente, mi reivindicación ha sido satisfecha, al menos en lo que respecta a esta colección. Para ser sincero, la admiración hacia estos cómics tiene más de componente nostálgico que otra cosa, lo que no niega su indudable calidad artística. Leer de nuevo las páginas de El Planeta de los Simios ha supuesto para mí revivir aquellos lejanos días en los que, tras salir de clase, me acercaba al quiosco de la esquina en busca de mi ración semanal de tebeos. Allí, en los polvorientos estantes, me esperaban colecciones como El Planeta de los Monos, editada en España por Vértice, cómics que podías leer en casa y devolverlos al quiosquero tras pagar solo diez o quince pesetas. Las cincuenta pesetas que costaba cada número todavía eran demasiado para un colegial de apenas diez o doce años...

ARCHIVOS EL PLANETA DE LOS SIMIOS 1: TERROR EN EL PLANETA DE LOS SIMIOS
Panini Cómics
Edición original: Planet of the Apes núms. 1, 2, 3, 4, 6, 8, 11, 13, 14, 19, 20, 23, 26 y 28.
Guion: Doug Moench, Gerry Conway
Dibujo: Mike Ploog, Tom Sutton, Herb Trimpe
Cartoné, 368 págs, B/N
Precio: 39,95 €

En agosto de 1995 sale a la venta en Estados Unidos un cómic diferente: Astro City. Creada por el guionista Kurt Busiek (Vengadores, Marvels) junto al dibujante Brent Anderson (X-Men: Dios Ama, el Hombre Mata), esta colección ha sido merecedora de varios premios, como el Eisner o el Harvey. No es extraño que crítica y lectores de todo el mundo se hayan rendido ante la que es, sin duda, toda una carta de amor al Noveno Arte. Recurriendo a la práctica totalidad de lugares comunes y clichés del género superheroico, Busiek ha sabido, con su conocimiento enciclopédico del medio, dar una vuelta de tuerca a situaciones y personajes de los que creíamos ya se había dicho todo.

Astro City: Y Al Final..., de Kurt Busiek y Brent Anderson

Recién publicada por ECC Ediciones, Astro City: Y al Final... supone el punto (¿y final?) de más de veinte años de publicaciones y más de cien episodios, cada uno de ellos una joya del cómic. Publicada originariamente por Image Comics (1995-1996), luego por Homage Comics (1996-2004), Wildstorm (2004-2010), y en la actualidad dentro del sello Vértigo de DC Comics, la colección Astro City ha sabido mantener, en cambio, los mismos niveles de calidad e interés que en sus inicios.

En Astro City: Y al Final..., Busiek se despide, esperemos que solo por ahora, de este particular universo surgido exclusivamente de su imaginación, aunque poblado por personajes y situaciones fácilmente reconocibles por cualquier aficionado al cómic de superhéroes. El tono melancólico y crepuscular que tan bien han sabido imprimir Busiek y Anderson a su creación sigue bien presente en las historias contenidas en este último volumen. Desde la emotiva historia de G-Dog, una especie de Animal Man, hasta la del grupo de apoyo a víctimas de supervillanos, Busiek continúa explorando el lado más humano y menos conocido de los habitantes de Astro City, eso que nunca te suelen mostrar en los cómics de superhéroes habituales.

Astro City Vol. 3 #49

La primera de las historias del volumen, la de G-Dog, es quizás la mejor. Tirando de clichés del género, Busiek nos cuenta esa historia, mil veces vista ya, en la que alguien mediocre y al margen de la ley es capaz de redimirse luchando contra el crimen como justiciero. Fundido con su mascota gracias a un amuleto mágico, Andy se transforma en perro antropomorfo superheroico que, al final de la historia, será incluso capaz de arrancarnos alguna que otra lagrimilla.

En Resistencia, la segunda historia del volumen, Busiek juega con la premisa según la cual los héroes pueden surgir en cualquier sitio, de cualquier persona... literalmente. En este segundo arco, la hija periodista de un brillante científico investiga el paradero de su progenitor, desaparecido hace años. Las pesquisas la llevarán a descubrir que el legado de su padre es el mejor que este podía ofrecer a la humanidad: la capacidad de enfrentarse al poder establecido gracias a habilidades superhumanas nacidas del deseo de resistir y ayudar al prójimo. Un superpoder que, sin duda, vendría muy bien a cualquiera de nosotros en los tiempos que corren...

Astro City Vol. 3 #50

El último arco argumental lo componen las tres últimas historias del volumen: Consecuencias, Abajo, en las Profundidades y, por último, Y al Final... En esta emotiva historia asistimos al día a día de un hombre cualquiera, de esos personajes con los que Busiek tanto disfruta, al que el destino le ha deparado una de las mayores tragedias: haber tenido una vida plena que perdió completamente debido a un desajuste temporal causado por la eterna lucha entre héroes y villanos. Estamos, otra vez, asistiendo al drama de alguien que es solo una hormiga para estos dioses modernos que vuelan por los cielos. Al mismo tiempo, la historia de Michael Tenicek es como la de sus compañeros del grupo de apoyo que organiza, personas anónimas que un día, sin comerlo ni beberlo, perdieron un ser querido, víctima colateral de algún villano metahumano.

Recién publicada por ECC Ediciones, Astro City: Y al Final... supone el punto (¿y final?) de más de veinte años de publicaciones y más de cien episodios, cada uno de ellos una joya del cómic


En esta ocasión, el dibujante Brent Anderson ha tenido como ayuda a Mike Norton, a quien hemos visto en colecciones como Green Arrow/Black Canary o Archer & Armstrong, de Valiant. Anderson, con su estilo habitual, sencillo pero efectivo y dinámico, es el perfecto aliado de las historias de Busiek, unas historias donde priman los sentimientos y las emociones, por encima de la acción o la aventura. Y, por supuesto, esas maravillosas portadas de Alex Ross...

En definitiva, Astro City: Y al Final..., es un más que digno punto y seguido a unas historias y personajes que nos han estado acompañando a lo largo de más de veinte años. Los tres arcos contenidos en el volumen no transmiten la sensación de final, sin embargo. Posiblemente, Kurt Busiek ya tiene en mente nuevas historias que contarnos acerca de esta ciudad, Astro City, que recoge en esencia todo lo que ha hecho grande al cómic de superhéroes norteamericano. Está usted saliendo de Astro City, conduzca con cuidado.

ASTRO CITY VOL. 17: Y AL FINAL...
ECC Ediciones
Edición original: Astro City núms. 47 a 52 USA
Guion: Kurt Busiek
Dibujo: Brent Anderson, Mike Norton
Cartoné, 160 págs. A color.
Precio: 16,95 €

El Día Internacional de la Mujer Trabajadora ha sido el elegido por Marvel Studios para estrenar su película Capitana Marvel. Los que decidieron que el único integrante de Los Vengadores que no merecía película independiente era precisamente la única chica del grupo, la Viuda Negra, pretenden aleccionarnos en esta película sobre el feminismo. Como si lo impostado y oportunista de esta película no fuera bastante obvio, el resultado no ha sido todo lo decepcionante que podríamos esperar. Ha sido todavía peor. Comenzamos a desgranaros el porqué de esta opinión.

Capitana Marvel

La película comienza con una Brie Larson (Kong: La Isla Calavera, La Habitación) que, como anticipaban los tráilers, no se encuentra cómoda con un personaje que no le va. De todas formas, tampoco se me ocurre que ninguna actriz que tuviera que lidiar con semejantes diálogos y guión pudiera sentirse cómoda. Su personaje es antipático, serio, distante... Insiste en esa absurda idea de que una feminista tiene que ser dura. Yo creía que ser feminista es ser lo que te dé la gana. Menos mal que Marvel nos lo explica mejor que nadie. La película no tarda en desvelar que no tiene nada que aportar, pues en ningún aspecto abandona la mediocridad. 

Las relaciones entre los personajes son totalmente asépticas, como si estuvieran envueltos en un plástico para no contaminarse. Es la impresión que dan, por ejemplo, las escenas que comparte Larson y Jude Law. No queda clara la naturaleza de la relación entre ellos. La película está tan obsesionada en demostrar que es muy feminista que ni se atreve a mostrar a la protagonista teniendo una relación heterosexual. Hombre, Brie, estás por el espacio y el único tipo de tu raza a mano es Jude Law. Otro entretenimiento no parece haber, lo de dar patadas da para lo que da...

La película no tarda en desvelar que no tiene nada que aportar, pues en ningún aspecto abandona la mediocridad


La presentación de la vida de Carol Danvers intenta ser explicada a lo largo de la película, pero no logran su objetivo. A no ser que su objetivo fuera machacar al mayor número de hombres en el menor tiempo posible. Entonces sí. El padre es un tipo muy malo con bigote. Solo sale diciendo a su hija que no puede hacer esto o aquello, pero sorprendentemente va a ver todo lo que intenta. De la madre nada sabemos, quizás murió de ser tan buena. Los compañeros que se encuentra en la vida, son todos unos machistas ("¿por qué crees que los aviones tienen cola?"), diciéndole también que no puede. La palabra unidimensional se queda corta para describir este desfile de payasos. ¿No les da vergüenza? ¿De verdad alguien ha cobrado por contar esto? Por criticar, critican hasta que a las mujeres no las dejaban pilotar aviones en combate. Ojalá tomen algún día la decisión machista de no dejar tampoco a los hombres y se acaben todas las guerras del mundo...

Brie Larson, Lashana Lynch

Su mejor amiga, Maria Rambeau (Lashana Lynch), por supuesto es madre soltera, de una niña. No hay padre ni se le espera. Suponemos que la niña vino por generación espontánea. Y, como es piloto, está todo el tiempo vestida de piloto, para que se enteren los machistas. El soberano esperpento que es esta película se retrata en una escena. La hija de Maria se encuentra sola en el jardín con un alienígena que aparece de la nada. ¿Qué hace su madre, sufrir por su niña ante semejante peligro y entrar en pánico, o exigir indignada que no la llamen de una manera sexista? Es que ni la mira por la ventana, señores. Pues así todo. 

En cuanto a las cosas que damos por sentadas en una supuesta superproducción Marvel, el nivel es más o menos el del guión. Nos dan gato por liebre y nunca mejor dicho. Poca acción y mal rodada. Situaciones de las que la protagonista sale sin explicación aparente, y vence por que sí. De repente, sus poderes son unos, luego son otros, luego se los quitan, pero otra vez los recupera...Y nada se sabe cómo ha ocurrido. 

Capitana Marvel

Cuando se anunció que la película se ambientaría en los años 90, yo creí que se referían a la década, no a que la acción sería correr por un almacén como en las pelis de abogados de la época. Al menos, funcionan algunos chistes con las cosas propias de esos años, como lo lento que era internet. Conscientes de que con semejante producto cualquier ayuda es poca, recurren al viejo truco de poner canciones famosas de la época sin ton ni son para subir el ánimo un poco, aunque uno se pregunte qué hace Nirvana sonando en una nave espacial. Como si Kurt Cobain no hubiera tenido bastante sufrimiento en vida... Pero ¿acaso Carol Danvers es también una loca de la música como Star-Lord? ¿Esto es una película de superhéroes o una lista noventera del Spotify?

Como prueba de la gran confianza que tiene Marvel en las películas encabezadas por mujeres, a Carol la acompaña todo el tiempo Nick Furia, un rejuvenecido Samuel L. Jackson. Esto podría haberse llevado mucho mejor. Una cosa es una aparición puntual y que ella llevara el peso de la película, pero no han sabido hacerlo.

Es cierto que explican un par de cosas, como la razón por la que Nick Furia es tuerto, o como Carol le da el famoso busca por si ocurre algo. Ya tiene pocas ganas de volver a verla el hombre, porque en el ataque a Nueva York que originó Los Vengadores, ni se le pasó por la cabeza llamarla. Se decidió cuando vio que se moría. Que la aguante otro, debió pensar. Te entendemos, Nick... digo Furia.

Clark Gregg, Samuel L. Jackson

Los efectos son bastante birriosos, salvando el rejuvenecimiento de Nick Furia y el Agente Coulson. Tampoco se libran los alienígenas Skrull que aparecen, incumpliendo el papel que tienen en los cómics, y no dejando pasar la oportunidad de aleccionarnos con otro panfleto simplón con ellos. 

Señores de Marvel, el cine lleva haciendo películas interesantes sobre mujeres desde hace casi cien años antes de que ustedes las descartaran porque no estaban de moda. No se me ocurre nada más machista que dedicar tan poco dinero y tanta pantalla verde a vuestra primera película protagonizada por una mujer. Para los que pensáis que esta película es necesaria para Vengadores: Fin del Juego, os la podéis ahorrar sin problemas. Con ver la escena postcréditos que posiblemente se haya filtrado ya a Youtube vais sobrados.

Ben Mendelsohn, el skrull Talos

Afortunadamente, el público parece haber calado rápidamente el intento de vender un producto solo tirando de modas y de logo. La puntuación es del 36 % en Rotten Tomatoes y un triste 6,6 sobre 10 en IMDb. No hace falta que os diga otra vez que para los críticos es un 81 % en Rotten, como era de esperar y así ya lo expresamos en un post anterior. Seguimos... Eso sí, es emocionante ver el homenaje a Stan Lee en los títulos iniciales. No se merece el hombre que esta sea la primera película que se estrena tras su muerte. 

Afortunadamente, Capitana Marvel no es de las películas que tardas en olvidar: es que mientras la veía, la estaba borrando de mi cabeza. Esperemos que Vengadores: Endgame esté a la altura. Al menos, peor que esta, no puede ser ni queriendo. 

Este mes de marzo, las novedades de Diábolo Ediciones van a contentar a los más variados paladares. Desde el universo de Buffy Summers y sus vampiros hasta el del anime Evangelion, pasando por historias de gatos y perros, todo tiene cabida en las novedades de cómics y cultura popular que nos trae Diábolo. En primer lugar destacar el libro Gainax y Hideaki Anno. La Historia de los Creadores de Evangelion, una obra escrita por el especialista en cultura japonesa David Heredia Pitarch, también autor de Anime! Anime! 100 Años de Animación Japonesa, también publicado por esta editorial.

Novedades de Diábolo Ediciones para Marzo de 2019

Del país del sol naciente nos trasladamos a Sunnydale, Estados Unidos, la boca del infierno en la Tierra, tal y como se describía este lugar en la mítica serie Buffy Cazavampiros. En Buffyverso. El Mundo de Buffy y Ángel, Vol. 1, Andrés Argal nos desgrana todos y cada uno de los aspectos tanto de la serie matriz como de su spin-off, Ángel. Si añoras las aventuras noventeras de esta cazavampiros y su excéntrico grupo de amigos, no puedes dejar escapar este volumen.

De Buffy pasamos al universo animado con el libro de Pedro Delgado Cavilla Animación. De Betty Boop a Tim Burton, una obra que quiere ser un soplo de aire fresco frente a otros trabajos más encorsetados. En este libro encontrarás centenares de anécdotas, curiosidades e historias relacionadas con los dibujos animados que, posiblemente, desconocías. Pedro Delgado es también autor de la obra ¡Vamos a Morir Todos! Lo Insólito y lo Paranormal en el Cine, cuyo segundo volumen ya reseñé aquí.

Cerramos el repaso a los lanzamientos de Diábolo de marzo con dos cómics: Perros Vs. Gatos II, de José Miguel Fonollosa, y Last Man Stories: Noche de Partido, de Bastien Vivés y Alexis Bacci. Tras varios volúmenes dedicados a perros y gatos, Fonollosa vuelve a la carga con nuevas historias cotidianas protagonizadas por sus mascotas. En Lastman, volvemos a disfrutar de unas historias que han sido galardonadas en Angouleme, uno de los más importantes salones del cómic europeo.

En el siguiente PDF encontrarás más detalles de todas las novedades que Diábolo Ediciones nos tiene preparadas para este mes de marzo.

1979. En España aún teníamos solo dos canales de televisión, pero los que aún vestíamos pantalón corto sabíamos cómo sacar todo el partido a la exigua programación. Fue el año en el que regalamos Eurovisión a Israel cuando España se perfilaba como la ganadora; el año en el que llegó a nuestras pantallas el inolvidable Barrio Sésamo o en el que se estrenaron en nuestro país series animadas como Érase una vez... el hombre o comedias de tanto éxito como Los Roper. Mientras, en Estados Unidos y Gran Bretaña se estrenaban multitud de series, muchas de ellas de ciencia ficción o terror, algunas de las cuales nunca llegaron a nuestro país. Estas son algunas de ellas. ¿Las recuerdas?

Buck Rogers en el Siglo XXV (1979-1981)

Buck Rogers en el Siglo XXV (1979-1981)

Creado por el escritor Philip Francis Nowlan en su novela corta Armageddon 2419, publicada en 1928 en la revista Amazing Stories, el personaje de Buck Rogers es uno de los más veteranos de la ciencia ficción anglosajona... y el más desconocido en España. De solo dos temporadas, Buck Rogers en el Siglo XXV fue una creación de Glen A. Larson, prolífico productor de series de televisión como Battlestar Galactica (1978), El Coche Fantástico (1982) o Automan (1983). Precisamente, muchos de los decorados y atrezzo de Galáctica: Estrella de Combate fueron reutilizados en esta serie, como los cazas estelares, diseñados por el genial artista conceptual Ralph McQuarrie, a quien debemos el extraordinario aspecto del universo Star Wars.


Tales of the Unexpected (1979-1988)

Nada menos que nueve temporadas y 112 capítulos duró esta serie británica basada en relatos de terror y misterio del escritor Roald Dahl, al menos en sus tres primeras etapas. Los capítulos, de veinticinco minutos de duración, solían acabar con un giro inesperado, muy del estilo Twilight Zone. Sin embargo, el elemento fantástico estaba ausente, al contrario que en la serie norteamericana. A pesar de su modesta factura, por la serie desfilaron actores de tanto prestigio como Joseph Cotten, Janet Leight, Rod Taylor, Ian Holm, Derek JacobiJohn Gielgud, entre otras figuras de la interpretación.


Sapphire & Steel (1979-1982)

También británica, esta serie estaba protagonizada por dos agentes interdimensionales, Sapphire (Joanna Lumley) y Steel (David McCallum), quienes tenían la misión de asegurar la estabilidad del flujo temporal. Se emitió durante cuatro años, con un total de 35 episodios de 25 minutos de duración. Su cancelación se debió a que la producción se vio dificultada por la agenda de sus actores protagonistas, lo que provocaba que los episodios fueran emitidos irregularmente por la cadena británica ITV. De ahí que, aunque la serie contaba con una buena producción y contenía elementos de  ciencia ficción, nunca consiguiera consolidar un amplio público.


The Omega Factor (1979)

De nuevo, serie británica, esta vez producida por la cadena BBC Scotland. La serie, de solo diez capítulos, nos mostraba los casos investigados por el Departamento 7, una organización gubernamental centrada en lo paranormal. Esta efímera serie es considerada por algunos como precursora de series como Expediente X debido a sus elementos conspiranoicos y a la química de su pareja protagonista. La serie recibió en su día los ataques de una asociación conservadora, la National Viewers and Listeners Association (NVLA), ya que uno de sus episodios mostró con inusual crudeza la muerte de una persona quemada viva. El lobby tenía tanto poder que la serie no tuvo segunda temporada, nunca se repuso y nunca se comercializó en vídeo, hasta 2006, año en que se editó en DVD.


Time Express (1979)

Solo cuatro episodios duró esta olvidada serie (de ahí lo de "express") protagonizada por el gran Vincent Price. En cada uno de ellos, Jason (Price) y Margaret Winters (Coral Browne) acompañaban a los viajeros de un tren muy especial, un viaje en el que tenían la oportunidad de volver al pasado y resolver algún problema que quedó pendiente en sus vidas. La serie era una especie de variante de Fantasy Island (de la que hablamos en un post anterior). Como curiosidad, la pareja protagonista también fueron matrimonio en la vida real hasta la muerte de Coral Browne en 1991, dos años antes que Vincent Price.


La etapa de Peter David a cargo de los guiones de Aquaman es, sin duda, de lo más recordado por parte de los seguidores comiqueros del rey de los mares. Tras conseguir arrasar en la taquilla y llevarse por delante a todos los agoreros que defenestran por sistema cualquier película que lleve el sello de DC Comics, ECC Ediciones aprovecha para recuperar esta etapa en tres tomos para disfrute de todos sus fans. Este primer tomo continúa la fantástica Crónicas de Atlantis, de Esteban Maroto, ya reseñado aquí con todo detalle. Una vez leído este primer tomo, procedemos a desgranarlo.

Aquaman de Peter David, Vol. 1

Peter David plantea un nuevo comienzo para Aquaman, pero sin olvidar sus orígenes y la historia del personaje. David disfruta presentando e imaginando que tal fue la supervivencia de Arthur Curry a cargo de unos delfines. Es más, se divierte planteando los pensamientos de estos acerca de criar un cachorro de una especie tan ajena a ellos. La forma de sobrevivir de Arthur, así como tener que superar que no es un delfín más, con todo lo que ello conlleva, es llevado con mucha gracia por parte de David, acudiendo sin duda a las noticias acerca de humanos criados entre animales y las reacciones que esto les provocaban.

La acción transcurre sin pausa, y dentro de la continuidad. Arthur Curry se encuentra rápidamente abandonado por Mera tras ser culpado por esta de la muerte de su hijo. Sin embargo, no estará solo en sus aventuras. Conocemos su adolescencia, su primer contacto con los humanos (y humanas), y la forma en que estos lo reciben. Además, su historia va avanzando de una manera coherente y vertiginosa. Las aventuras, los enemigos y las apariciones superheroicas son una constante a lo largo del tomo, haciendo en conjunto una aventura muy interesante.

Aquaman: Time and Tide

Si bien se apuntan muchos detalles de la mitología de Aquaman, no es necesario ser ningún experto en ella para disfrutar y entender el tomo. Pocos autores alcanzan el nivel de entretenimiento y dinamismo de Peter David. Si conocéis al autor, seguramente os estareis preguntando si en este tomo está presente su famoso sentido del humor. Debo confesar que así es. No por ello creáis que estamos ante una comedia, ya que Aquaman se encuentra en un momento personal verdaderamente duro a todos los niveles. El autor no escatima en retratar sus pensamientos, dudas y sentimientos. Además, sufre un ataque que muchos ya sabéis que consecuencia tiene, pero me reservo contar por si alguno no lo conoce. A pesar de la ausencia de Mera, alguien como Arthur difícilmente escapa a las atenciones femeninas... o casi. La magia, la familia, la aventura son la esencia de esta etapa esencial de Aquaman.

En cuanto al tema del dibujo, debo reconocer que si hubiera estado a la altura de los guiones, estaríamos ante una obra con mucho más renombre del que tiene. Es una pena, pero no supieron darle a David artistas de primera línea para lucir sus grandes ideas. De todas formas, yo he sido capaz de disfrutar el tomo bastante, incluso reconociendo que este aspecto es claramente mejorable.

Pocos autores alcanzan el nivel de entretenimiento y dinamismo de Peter David


No pretendo tampoco evitar a la famosa polémica en foros acerca de la reducción del tomo respecto al tamaño estándar, os garantizo que si os dejáis de prejuicios, lo disfrutaréis sin merma alguna. Me gusta el tamaño grande como al que más, y recelaba de la jibarización. Acabo de terminar Los Titanes en la edición de Planeta DeAgostini y os garantizo que eso sí que es reducir y disminuir la experiencia lectora. En cambio, este tomo de Aquaman se disfruta sin que yo al menos haya notado que estaba ante un tomo ligeramente más pequeño de lo normal. Ya cada uno que decida, no soy quien para juzgar, pero si tenéis la oportunidad de tenerlo en vuestras manos, ojeadlo. Y, si de verdad os apetece tener en vuestra colección una buena muestra de los buenos cómics de mitad de los 90, no lo dejéis pasar.

AQUAMAN DE PETER DAVID VOL. 01 (DE 3)
ECC Ediciones
Edición original: Aquaman: Time and Tide núms. 1 a 4 USA, Aquaman núm. 0 USA, Aquaman núms. 1 a 16 USA, Aquaman Annual núm. 1 USA (one-shot) 
Guion: Peter David
Dibujo: Casey Jones, Jake Jacobsen, Jim Calafiore, Joe St. Pierre, Kirk Jarvinen, Martin Egeland, Phil Jimenez
Cartoné (Integral omnibus), 544 págs. A color.
Precio: 44,50 €

No me gusta demasiado el manga, lo reconozco. De hecho, los dos únicos mangas que atesoro en mi biblioteca de cómics son, por un lado, Dragon Ball y, por otro, Alita: Ángel de Combate, de Yukito Kishiro. Publicado en 1993 en España por Planeta DeAgostini, la primera serie constaba de seis tomos de formato prestigio, de lectura occidental. Sin embargo, los planes de realizar una película de imagen real de la obra de Kishiro no es que despertaran en mí demasiada emoción. Por otro lado, los continuos aplazamientos del proyecto, liderado por James Cameron, hicieron que mi interés por esta película se redujeran casi al mínimo. Sin embargo, la adaptación dirigida por Robert Rodríguez ha supuesto toda una agradable sorpresa. No se trata de la adaptación más fiel del manga original, pero sus indudables cualidades como película de acción futurista hacen de Alita: Ángel de Combate un más que digno producto.

Alita: Ángel de Combate

La acción, ambientada en el siglo XXVI, transcurre en la Ciudad de Hierro, una deprimida urbe a la sombra (literal) de Salem, una enorme megalópolis aérea, la última en pie tras una guerra global conocida como La Caída. Tras recuperar parte de un cuerpo cibernético en el vertedero, el Dr. Ido (Christoph Waltz) lo repara, aprovechando su cerebro humano. Con un físico de una niña de quince años, el cyborg será bautizado como Alita (Rosa Salazar), en memoria de la hija fallecida de Ido. La amnesia de Alita no será un obstáculo a la hora de descubrir cómo emplear sus fabulosas habilidades, aunque ello suponga un obstáculo para disfrutar del amor.

Sus indudables cualidades como película de acción futurista hacen de Alita: Ángel de Combate un más que digno producto


Básicamente, este es el punto de partida de la película de Rodríguez, alguien que a veces ha sido tildado de director de serie B, pero que ha demostrado con esta película que su buen hacer aún no se ha agotado. La película es, sin paliativos, una cinta de acción futurista. La inclusión de un interés amoroso no es solo una concesión al gran público, también ayuda a resaltar la personalidad de la cyborg. De otro modo, el no incluir a Hugo (Keean Johnson) hubiera dificultado que el público empatizara con una protagonista que, no lo olvidemos, es prácticamente un robot. 

Christoph Waltz, Rosa Salazar

La película, a diferencia de otras producciones recientes como Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina (2017), cuya crítica puedes leer aquí, la protagonista es capaz de hacer que empaticemos con ella. Su candidez y sus sentimientos más humanos que los de los humanos consigue que enseguida nos olvidemos de su condición de ser artificial... lo que también olvida fácilmente Hugo. No obstante, ese intento de que conectemos con la protagonista a nivel emocional cae en ocasiones en el absurdo, como la escena en la cual Alita le ofrece, literalmente, el corazón a Hugo. 

Una de las primeras cosas que impacta de la película son los ojos de la protagonista. Interpretada completamente mediante la técnica de captura de movimiento por Rosa Salazar, pronto nos olvidamos que estamos ante una recreación digital. El espectador enseguida suspende su incredulidad y "compra" la arriesgada apuesta de los diseñadores del film, que era la de dotar a Alita de un aspecto lo más parecido posible al manga de Kishiro. Para mí, no ha supuesto ningún problema, y no entiendo las críticas que ha recibido la película en este aspecto. Además, recordemos que se trata de un cyborg con solo un cerebro humano en su interior. De ahí que no entienda esas críticas a esta particular elección visual.

Jennifer Connelly

A pesar de las dos horas de duración de la cinta, en ningún momento traslada sensación de aburrimiento. Sí es cierto, no obstante, que la relación entre Hugo y Alita se nota algo forzada, pero con el fin de dotar a la cyborg de una mayor profundidad y una mejor conexión emocional con el espectador. Pero, no nos engañemos, el personaje de Hugo, aunque usado por los guionistas para dotar de relieve a Alita, no es capaz de enganchar al espectador. No han sido los guionistas capaces de hacer de Hugo un personaje carismático, por lo que el supuesto impacto de determinados momentos de la película se ven muy resentidos precisamente por la falta de empatía que sentimos como espectadores hacia él. 

Este excesivo protagonismo de Hugo es en detrimento de otros personajes, bastante más interesantes, y de los que solo vemos pinceladas. Un ejemplo de ello es el personaje que interpreta Jennifer Connelly, la Dra. Chirem. Connelly, de nuevo en una "Dark City", hubiera ofrecido mucho más, sirviendo solo como intérprete del típico personaje que, finalmente, es capaz de redimirse, aunque sin explicar demasiado bien por qué. Tampoco conocemos demasiado las motivaciones de Vector, un villano plano y unidimensional que interpreta un Mahershala Ali (True Detective) muy desaprovechado. El resto de personajes no son más que una comparsa para hacer avanzar la trama, con la elección de ciertos actores fetiche del realizador, como Jeff Fahey en el papel del cazador-guerrero McTeague (el de los perros mecánicos) o Michelle Rodríguez dando vida a Gelda, la compañera cyborg de Alita en su vida anterior.

Mahershala Ali

En lo que respecta al apartado visual, los 170 millones de dólares estimados de presupuesto lucen, y bastante bien. La Ciudad de Hierro, sus calles, sus vehículos, así como el espectacular aspecto de los cyborgs, está muy logrado. Quizás las calles de Ciudad de Hierro no tengan ese aspecto amenazador que la historia requería, pero en conjunto lucen bastante bien. Hay que destacar el aspecto de Alita, y no solo sus ojos, de los que he hablado anteriormente, sino de sus gesticulaciones, su rostro, todo en definitiva. Contrariamente a recreaciones digitales de otras películas, Alita transmite la sensación de tener un alma, de ser un cyborg más humano que los humanos (como el lema de cierta corporación). De hecho, hay una escena romántica entre ella y Hugo que transcurre bajo la lluvia y las luces de neón, ambientada con una banda sonora en la que suenan acordes de piano... ¿Os suena de algo?

En lo que respecta al apartado visual, los 170 millones de dólares estimados de presupuesto lucen, y bastante bien


A pesar de sus cualidades, Alita: Ángel de Combate tiene sus defectos. Aparte de que no nos importe nada qué le sucede al coprotagonista y de los personajes desdibujados o desaprovechados, la película de Robert Rodríguez deja demasiados cabos sueltos. La identidad de quien parece ser el villano principal, Nova (Edward Norton), qué ofrece la urbe de Salem para ser la meta final de los habitantes de Ciudad del Hierro, la historia de Ido y su exesposa o qué sucedió en la guerra contra Marte son solo algunos de los puntos oscuros que no son suficientemente explicados en la película. Esperemos que su final abierto sea una promesa de una continuación. De momento, la película no está teniendo una recepción demasiado buena dentro de Estados Unidos (poco más de sesenta millones de dólares tras casi dos semanas en cartel), siendo la taquilla global de 263 millones. Películas peores con peor recaudación han tenido secuela.


En definitiva, Alita: Ángel de Combate ha sido toda una sorpresa a todos los niveles. Su cuidada producción, su excelente elenco de actores, lo interesante de la historia y la empatía con la protagonista, una recreación por CGI, no lo olvidemos, hacen de esta película un diamante en bruto que no muchos van a saber valorar. Esperemos que otras productos fallidos como el reboot de Terminator o la mencionada Ghost in the Shell no la perjudiquen demasiado en taquilla, pues nada tiene que ver con ellas en muchos aspectos. 

Tras el fiasco que han supuesto las últimas temporadas de las series Marvel de Netflix (solo hay que echar un vistazo a la tercera temporada de Daredevil) y la finalización del acuerdo con Disney para producir nuevos capítulos, la cadena de streaming necesitaba un repuesto en lo que a shows de superhéroes se refiere. Con The Umbrella Academy, basada en los cómics de Gerard Way publicados por Dark Horse, Netflix va a intentar rellenar el gran hueco que van a dejar Los Defensores de Marvel en su catálogo. Esta serie, sin embargo, se aleja de lo visto en Daredevil, Luke Cage y las demás series superheroicas de Netflix, tanto en estilo visual como en temática, dando como fruto un producto que, como mucho, llega a ser solo medianamente satisfactorio.

The Umbrella Academy

Como si de una Escuela de Jóvenes Talentos del Profesor Xavier se tratara, The Umbrella Academy reúne a siete chicos "especiales" bajo el paraguas (y nunca mejor dicho) del excéntrico multimillonario Sir Reginald Hargreeves (Colm Feore). Reclutados siendo bebés por este personaje, estos siete chicos comparten una especial cualidad: todos nacieron el mismo día... de madres que no estaban embarazadas. Este peculiar nacimiento, quizás debido a los midiclorianos, provocó en las criaturas el despertar de extraños poderes: teletransportación, excepcionales capacidades de lucha, alteración de la realidad, comunicación con los muertos, superfuerza y otras fabulosas habilidades. Por si ello fuera poco, también tenemos a un mono inteligente capaz de hablar, Pogo (Adam Godley), fiel asistente del fallecido Sir Reginald.

No he leído los cómics en los que se basa el show, por tanto no entraré a analizar si la serie los adapta fielmente o no. Tanto los personajes como la historia me recuerdan poderosamente a los mutantes de Marvel, sobre todo a los Nuevos X-Men de Grant Morrison. La serie va combinando hechos del pasado del grupo con sucesos actuales, intentando aclarar la trayectoria vital de tan peculiares personajes. El primer episodio gira en torno al reencuentro de los muchachos, ya mayores, en el funeral de su padre y mentor, a excepción de  Número Cinco (Aidan Gallagher), quien llegará poco después, y Número Seis, ya fallecido. 

Tanto los personajes como la historia me recuerdan poderosamente a los mutantes de Marvel, sobre todo a los Nuevos X-Men de Grant Morrison


La historia, si bien es interesante (hay viajes en el tiempo de por medio, y eso para mi ya es casi el 50 %), no termina de enganchar completamente. La aparición de Número Cinco en la actualidad siendo aún un niño (aunque con la mentalidad de un adulto) pone en marcha una serie de acontecimientos que van a constituir el núcleo de esta primera temporada. De hecho, el chico vuelve del futuro con una tremenda advertencia: el mundo sufrirá un apocalipsis en ocho días si él y sus hermanos no hacen nada para detenerlo. Bueno, en realidad esto no es más que una excusa para que los guionistas de la serie vayan desarrollando la distintas personalidades de los protagonistas, así como las relaciones entre ellos. Como podría esperarse, todo es muy disfuncional, aunque el interés que ello pueda tener para el espectador es muy discutible.

David Castañeda, Robert Sheehan, Tom Hopper - Copyright Christos Kalohoridis/Netflix

Los personajes más interesantes son Número Cinco y Diego Hargreeves, Número Dos (David Castañeda), este último quien más encajaría en el rol de superhéroe común. Los demás protagonistas, en cambio, oscilan entre los directamente anodinos (el que interpreta Ellen Page) hasta los odiosos, como el insufrible yonqui Klaus (Robert Sheehan). Otros, como el hipertrofiado Número Uno, esa especie de Mr. Hyde buenazo que interpreta Tom Hopper (Black Sails, Juego de Tronos) no terminan de convencer, como tampoco su hermana Rumor, una especie de celebrity con una vida privada convulsa que poco o nada interesa al espectador.

Como he dicho, el personaje menos interesante es el que interpreta Ellen Page, Vanya. No importaría si no se le dedicaran tantas escenas, a menos que en los siguientes capítulos su aburrida vida privada tenga algún peso en la trama principal. Ni su incapacidad para relacionarse, ni su soledad ni su aparente ausencia de superpoderes me importan en absoluto, añadiendo minutos y minutos a la duración de estos dos primeros capítulos con escenas lentas como el crecimiento de una estalactita. Netflix sigue, incomprensiblemente, cometiendo el error que ha cometido en tantas y tantas series, como es el de la excesiva duración de sus episodios. Por algún extraño motivo que se nos escapa al común de los mortales, la cadena de streaming persevera en su afán por rellenar su series con minutos y minutos de escenas absurdas y vacías, que no aportan nada a la trama principal. Y, para colmo de males, sigue apostando por temporadas de entre diez y trece episodios, aumentando todavía más la masa crítica de sus series con subtramas accesorias, callejones sin salida, tediosas escenas y personajes anodinos que poco importan al sufrido espectador. Pues bien, The Umbrella Academy también adolece de todos esos problemas, aunque se note que la cadena ha invertido bastante dinero en ella.


Series así, aunque no son completamente desdeñables, tampoco merecen ser elevadas a los altares, como suele ser el primer impulso de blogueros acríticos o mercenarios de la reseña fácil. Si no hubiera otras series de calidad en la inmensa oferta actual te diría que no deberías perderte The Umbrella Academy. Sin embargo, solo hace falta buscar un poco entre la ingente cantidad de shows de calidad que se ocultan en las cadenas de streaming para darte cuenta que la nueva serie de superhéroes disfuncionales de Netflix no es una del montón... pero se le parece mucho.

PREGUNTAS SIN RESPUESTA

  • ¿A qué viene ese momento absurdo en el que Número Uno pone un disco y se pone a bailar?
  • ¿Por qué dedican tantas escenas a Klaus, uno de los personajes más odiosos de la serie?
  • Y, en la misma línea, ¿por qué se centran tanto en los problemas personales del personaje de Ellen Page, que no nos importa un pepino?
  • ¿Por qué el disfraz de hipermusculado de Tom Hopper parece tan falso? ¿No podían hacer nada mejor?
  • ¿Por qué los personajes se soportan tan poco entre ellos?
  • The Umbrella Academy es, ¿un drama, una comedia, una dramedia, un melodrama?
  • ¿Por qué los guionistas de Netflix se empeñan tanto en escribir series de superhéroes en las que las neuras de baratillo de los protagonistas tienen más peso que la acción?
  • ¿Por qué The Umbrella Academy parece un batiburrillo poco afortunado trufado con multitud de referencias a otras películas y series?
  • ¿Por qué las series de superhéroes de Netflix parecen cada vez menos series de superhéroes?
  • ¿Por qué el cliché de los asesinos a sueldo absurdos, Hazel y Cha-Cha, está tan sobreexplotado en las series de superhéroes?
  • ¿Por qué no me sorprende que el showrunner de la serie sea Steve Blackman, productor ejecutivo de la insufrible y (afortunadamente) cancelada Legión?
  • ¿Por qué me están dando tanto miedo las series que Netflix tiene en producción basadas en el Millarworld, el universo superheroico de Mark Millar?
  • En serio, ¿otra vez paraguas en un funeral?

La llegada de Grant Morrison a la cabecera de Batman supuso toda una revolución para los aficionados a los cómics del hombre murciélago. Además, se aseguraron de ofrecerle dibujantes de primera línea de la época, algo muy disfrutable para el lector. Tras su estelar paso por los Nuevos X-Men, entre otros, que disfruté enormemente, estaba por ver cómo pondría boca abajo (nunca mejor dicho) al personaje estrella de DC. Es innegable que su paso generó mucha polémica, pero ahora toca analizar el tomo que ahora edita ECC Ediciones y que recoge el comienzo de su etapa, e incluye la aportación más duradera de Morrison a Batman: un hijo, Damian. ¿Cómo se vive ahora recuperar esta etapa clave en la mitología de Batman?

Batman e Hijo, de Grant Morrison

Es evidente que Grant Morrison tenía un plan a largo plazo para Batman, el cual iba desgranando poco a poco desde el principio, aunque en una primera lectura no fuéramos capaces de detectar qué nos quería decir. La recopilación de ECC comienza con los dos números de la saga 52 más dedicadas a la Batfamilia. Aunque no tenga una relación exclusiva con la historia de Batman e Hijo, se agradece el prólogo para aquellos que no tengan la colección 52, o los que, como yo, no recordábamos de una manera tan clara el origen de este Batman de Morrison.

Es evidente que Grant Morrison tenía un plan a largo plazo para Batman, el cual iba desgranando poco a poco desde el principio


Incluso el más acérrimo enemigo de su etapa, debe reconocer que el autor escocés se sumergió de lleno en toda la obra publicada de Batman. No es nada fácil, si tenemos en cuenta lo duro que resulta hoy día acercarse a los años más esperpénticos del personaje. Tras la introducción, Batman deja atrás su parte más atormentada. Sin embargo, todos parecen creer que Batman ha asesinado al Joker. En cambio, sigue trabajando con Tim Drake ejerciendo de Robin y de hijo adoptivo. Esto último es relevante a la hora de admitir su nuevo hermano. Morrison enfatiza la parte playboy de Bruce Wayne, y lo introduce en un romance con Jezebel Jet, una chica por la que tiene un verdadero interés. El dibujo de Andy Kubert fascinaba más en su momento, pero porque ahora muchos se le parecen. Sigue siendo espectacular, pero me impactó más cuando salió. Ofrece momentos impactantes que, sospecho, no requería de ayuda informática, o al menos era menos notable que ahora. 

EL RENACER DE BATMAN ES RECONDUCIDO POR MORRISON

Como suele ocurrir, la vida personal de Bruce Wayne acaba cruzándose con su labor como Batman. Morrison sabe insuflarle trepidancia y espectacularidad al personaje, algo que estaba bastante ausente en aquella época. A la vez, se aleja de mostrarnos un Batman superpoderoso, ya que lo hace morder el polvo en plena calle. Por cierto, muy acertado ese Batman hablando a pie de calle a los marginados, conociéndolos por su nombre y ofreciéndoles ayuda de la buena. Si Batman existiera, posiblemente haría eso en Gotham

En cuanto a la llegada del ya celebérrimo Damian, Morrison se inspira en una historia antigua donde Batman y Thalia Al Ghul comparten un breve matrimonio, donde engendran un hijo que Batman desconoce. Si bien en la historia se le daba otro destino, Morrison aquí se lo deja a Thalia para que lo críe para liderar la Liga de Asesinos. Y , claro, como bien sabemos, no es ningún spoiler, el niño es en suma insoportable. Los choques del recién llegado con Tim Drake, Batman o Alfred son bastante divertidos. No tanto los logros que el chico pretende hacer de cara a su padre...

Muy acertado ese Batman hablando a pie de calle a los marginados, conociéndolos por su nombre y ofreciéndoles ayuda de la buena


Lejos de ser un tomo de un solo tono, a pesar de tener continuidad con el guionista, Morrison recupera el Club de Héroes. Al  cambiar de dibujante, siendo ahora J.H. Williams III, tiene una atmósfera completamente diferente. Pretende contar una especie de Cluedo, pero  me resulta algo confuso. Además, al ser personajes desconocidos, no acaba de atraparme lo que me cuenta. Por otra parte, no se luce Batman previendo asesinatos... Entiendo la idea de Grant Morrison, pero prefiero su continuidad. 

DAMIAN PROTAGONIZA A UNA GRAN VELOCIDAD SU PROPIO ELSEWORLDS

Sabiendo el potencial de Damian, Morrison incorpora una historia especial futurista en la que las cosas no han ido demasiado bien para Bruce Wayne y quien se encuentra bajo la capa es el propio Damian. También El Joker aparece de una forma bastante inesperada. Guante Negro empieza a hacer sus apariciones, así como pequeños indicios de lo que le espera a Bruce.

Reconozco que con el tiempo he conseguido apreciar la etapa de Grant Morrison en la colección de Batman. Aportó ideas muy buenas, y otros momentos que me gustaron menos. Es, con la perspectiva de los años, una etapa que merece ser reivindicada e hizo avanzar al personaje. Este tomo, al no ser una historia lineal, incluye partes que me gustan más y otras que me convencen menos. Una buena oportunidad de empezar a recuperar una etapa clave en la historia de Batman.

BATMAN: BATMAN E HIJO
ECC Ediciones
Edición original: Batman núms. 655-658 USA, 663-666 USA, 52 núms. 30 y 47 USA
Guion: Geoff Johns, Grant Morrison, Greg Rucka, Mark Waid
Dibujo: Andy Kubert, Giuseppe Camuncoli, J.H. Williams III, Joe Bennett, John Van Fleet, Keith Giffen
Cartoné, 240 págs. A color. 
Precio: 23 €


La retransmisión de archivos multimedia a través del streaming es considerada la nueva forma de entretenimiento. Adquirir listas ssiptv, permitirá conectarse con los canales y programas transmitidos a través de esta tecnología.

En la actualidad, la sociedad y la tecnología convergen dentro de un mismo mundo. En todo aspecto, los avances tecnológicos están presentes, aún más cuando se trata de entretenimiento y disfrute. 

Las personas adquieren servicios que les permiten recrearse. Los mismos están basados en señales de cable, de satélite y transmisión de datos. Siendo el Internet el medio más usado por la población, no es de extrañarse que sea de igual manera el medio por el cual las personas se entretienen. Es por esto que a medida que la tecnología lo permitiese, distintas plataformas fueron surgiendo, las cuales, a través de la transmisión de datos, brindan al usuario de materiales multimedia de óptima calidad. 

La entrada de SSIPTV gratis


Así aparece en el panorama SSIPTV para ver la televisión, el cual no es más que una forma de distribuir contenido multimedia de manera digital por medio de una red. Todo esto sucede mientras el usuario está usando la plataforma, es decir, la descarga del archivo sucede a la vez que la retrasmisión

Para esto, se debe contar con una alta calidad de fluidez de datos y buenos dispositivos que respondan a las exigencias de la transmisión, de no ser así, la misma se verá afectada, perdiendo calidad. Existen múltiples maneras de obtener archivos multimedia a través de este tipo de tecnología, así como también existen plataformas que sirven de conexión entre el usuario y los archivos a encontrar.


De esta manera, se puede obtener justo lo que se desea reproducir, así como la conexión directa a los canales o archivos de interés. Tal es el caso de las listas iptv, las cuales van orientadas a brindarle al usuario archivos que contienen los enlaces requeridos para acceder a los canales de streaming, siendo su mayor ventaja el acceso gratuito a SSIPTV mediante sus listas desde distintos países a la programación de calidad, que por lo general va distribuida por servicios pago.

El usuario y su manejo de las listas de SSIPTV


La mayoría de las personas ha aprendido a adaptarse rápidamente a los avances tecnológicos influyentes dentro de la sociedad. El usuario del entretenimiento ha pasado a ser un usuario digital, el cual prefiere obtener todo aquello que necesita a través de plataformas web y dispositivos electrónicos.

Por esto, es cada vez más común ver que los individuos eligen los servicios de streaming para reproducir sus archivos multimedia. Los mismos indican lo reconfortante de tener más control acerca de lo que ven, así como la obtención de una alta calidad de imagen, según su servicio de datos y gracias a la tecnología de SSIPTV.

La facilidad y versatilidad del sistema también es algo que le atrae al usuario de hoy. La oportunidad de poder elegir entre distintos dispositivos, los cuales están a su alcance, le brinda un sentimiento de practicidad y satisfacción. Saber que puede reproducir sus archivos desde cualquier parte y en el momento que lo desee, es algo que los usuarios prefieren. 

Además, este tipo de tecnología ha abierto la oportunidad de expandir la manera en que se crea el entretenimiento. Un variado mundo de posibilidades exige un constante avance en la manera de transmitir los archivos multimedia, lo que al final de todo, generará mayor satisfacción al usuario. 

La nueva manera de ver televisión


Uno de los mayores usos del streaming es aquel que sirve como entretenimiento visual, sustituyendo lo que sería la programación televisiva. En la actualidad, las personas optan por contratar servicios de streaming como SSIPTV para ver sus programas o películas favoritas.

La oportunidad que esto brinda a las plataformas es amplia, así como la exigencia de una constante actualización. Pero, cada día más, este tipo de plataformas son elegidas como la opción favorita de los usuarios para ver televisión.

Sumado a la practicidad que brinda el poder controlar el idioma, la transmisión y el poder ver el programa deseado desde cualquier dispositivo asociado, logra posicionarlo como una de las primeras opciones a elegir cuando se habla de entretenimiento.

Además de que estos servicios logran una experiencia completa del usuario en la red, debido a que cualquier actualización hace que la comunidad de usuarios tenga interacción a través de las distintas redes sociales.

El actor Mark-Paul Gosselaar es bien conocido por aquellos que rondamos los 40 años. Cuando íbamos al instituto, él aparentaba hacer lo mismo en la pésima serie televisiva Salvados Por La Campana. La escasez de canales de aquellos tiempos hacía que todos lo conociéramos como el guaperas Zack Morris. Ahora, como nosotros, ha crecido, y protagoniza esta serie que adapta una trilogía de libros del autor Justin Cronin. El primero de ellos se llama como la serie, y nos cuenta una trama que implica a una niña y una infección vampírica. Es por eso que el elegido para llevarla a serie sea Matt Reeves, el director de Déjame Entrar (2010). El canal Fox no se rinde a pesar de la multiplicación de plataformas con producción de series propias y apuesta por esta. ¿Merece The Passage la pena? 

The Passage

Una de las ventajas que parecen seguir manteniendo las series de canales generalistas sobre las de las plataformas de streaming es la duración ajustada a unos 40-42 minutos. Desconozco el por qué se empeña Netflix en hacer capítulos de casi una hora con casi todas sus series dramáticas sin que lo justifique la historia. Es por eso que, aunque The Passage cae en muchos de los defectos de las series en abierto, le reconozco una virtud de la que carecen casi todas las de Netflix y que añoraba bastante: la trama avanza rápido. Así, en un solo capítulo, se nos presenta de una manera bastante solvente a los personajes y la situación que deben enfrentar. Bien es cierto que esta rapidez es facilitada por la simpleza de los intervinientes. Es esta una de las mayores quejas de aquellos que han leído el libro: se ha perdido el exquisito retrato de los matices de los protagonistas. 

Una de las ventajas que parecen seguir manteniendo las series de canales generalistas sobre las de las plataformas de streaming es la duración ajustada a unos 40-42 minutos


Ante el dilema de buscar una solución a una plaga mortal, los científicos deben tomar medidas drásticas e inmorales. Eso les plantea un conflicto a la plantilla de científicos que debe aportar soluciones. Es difícil creer que en ese nivel de investigación y responsabilidad los gobiernos se permitieran tener a gente que se planteen lo más mínimo sobre la ética de sus actos. Ya se demostró en la Guerra Fría. Estos momentos son el típico blanqueamiento de los personajes televisivos en abierto, aunque luego actúen en consecuencia. 

Caroline Chikezie, Henry Ian Cusick

En cuanto al protagonista, Brad, si bien consigue su misión de caernos bien y de tener química con la niña protagonista, Amy (Saniyya Sidney), sorprende que no se haya encontrado en su larga carrera actos más abyectos ante los cuales haya tenido que hacer la vista gorda. No falta por supuesto el bagaje emocional de Brad con exmujer adorable a la que quiere, y tragedia familiar de libro que lo vincula emocionalmente con Amy. De hecho, es de lo mejor del capítulo la forma en la que Brad entiende a Amy y el tiempo que le dedica a la niña para que no sea una víctima de su pasado. Hay que reconocer también que la niña no resulta repelente, todo un logro. La edad de la cría en el libro es de 6 años, pero en la serie tiene 10, lo que da mucho más juego.

La huida de ambos resulta bastante torpe, ya que en estos tiempos donde se te localiza por el móvil al momento, y debes pagar con tarjeta, sin un plan previo se antoja bastante difícil. Sin embargo, esto es un problema que pueden solventar en los próximos capítulos. No podrán hacer lo mismo con otros agujeros de guion. Dado que Amy es una niña elegida al azar... ¿cuál es el problema en ir a por otro crío abandonado? Su estupendo presidente, Donald Trump, se ha encargado de que haya muchos infantes solos y desamparados con su política inmigratoria, no hace falta perseguir a nadie. Tampoco se entienden decisiones arbitrarias de Brad, que cambia en un segundo para complicar él mismo las cosas más de lo que están. 

Emmanuelle Chriqui, Mark-Paul Gosselaar, Saniyya Sidney

En cuanto a la trama de la enfermedad vampírica en sí, ofrece bastantes misterios, peligros e interrogantes como para captar nuestra atención. Otra ventaja es sin duda que son 10 episodios, lo que en principio favorece el ritmo en todos los capítulos y a mí personalmente me anima a darle una oportunidad al segundo. 

Si bien me parece una buena serie para ver cenando y en familia, no la recomendaría para aquellos que han leído los libros. De hecho, las críticas más terribles vienen de quienes ven que se ha transformado en una serie familiar sin muchas aristas una obra que alaban por lo bien escrita que está. Si bien perdonan los cambios de raza y género, no hacen lo mismo con la falta de respeto a lo detallado de la psique de los protagonistas. Si esto no os supone un problema, podéis echarle un vistazo.