2018

La serie de cómics Injustice: Gods Among Us no terminó en su año cinco, como sería lo lógico dado que era su último año. Continúo en Injustice Zona Cero. Tras leer el primer número, aquello no me convenció. Por tanto, me quedé frustrado sin saber cómo había terminado la historia. Sin embargo, me llevé la sorpresa de que esta continuaba en volvía Injustice 2, publicada en formato grapa por ECC Ediciones. Sólo leer el nombre de Tom Taylor en la portada ya me hizo adquirirla sin dudarlo. Leídos los seis primeros números dobles, no podría estar más satisfecho con el resultado. Os animo a reengancharos a una de las mejores series actuales regulares de cómics de superhéroes. 

Injustice 2

VUELVE EL GUIONISTA TOM TAYLOR

A pesar de que fue el creador de dicha serie en origen, Injustice: Año Uno, se alejó para realizar otros proyectos, como Superior Iron Man o Star Wars. Para muchos lectores esta ausencia supuso una bajada en la calidad de la serie, pero en mi caso debo decir que, a pesar de sus altibajos, la disfruté en todo su recorrido. Sin embargo, el cariño y la forma en que este autor disfruta con la tarea de llevar esta colección se transmite directamente al lector. Sabe que tiene una gran historia que contar y a eso se dedica. 

SABE REINVENTARSE

La primera serie trataba el enfrentamiento entre Superman y Batman por la tiranía del primero sobre el planeta Tierra, tras darse cuenta de que el mal no entiende de redenciones. En esta segunda parte, a pesar de que el vencido consigue escapar, no es el enemigo principal que debe enfrentar Batman. La historia se va ramificando en distintas tramas, enfrentamientos y misterios que no tienen que significar el fin del mundo, al menos en principio. Nos detenemos en algunas historias menores que aportan mucho más que la enésima amenaza a la existencia mundial. 

EL DIBUJANTE PRINCIPAL, BRUNO REDONDO

Rompo una lanza por este dibujante que, sin disfrutar de la fama de otros como Mikel Janín o Jim Lee, hace un trabajo estupendo retratando a los héroes con gran acierto. Sus viñetas son amplias, pero no recurre como otros al abuso de la splash page para acabar antes. Cada héroe es perfectamente distinguible de los otros, dando un aire clásico a una historia de lo más moderna. Sus trazos son claros, llenos de personalidad y evitando caer en modas actuales. Lo bien que ha retratado por ejemplo el paso de Damian, de niño a joven adulto, distinguiéndolo perfectamente de los otros sidekicks de Batman, es muy de agradecer. Los niños se les dan bastante bien, y eso que son mucho mas difíciles de dibujar de lo que creemos. 


DEBATE ACERCA DE LA POSTURA DE BATMAN

Los constantes recordatorios de que la posición de Batman hace más mal que bien se evidencian a lo largo de la obra. Es indiscutible que acabar con genocidas salvaría casi con toda seguridad a miles de personas. Sin embargo, a Batman siempre lo muestran como alguien inflexible en ese sentido, que no mata (al menos directamente) pase lo que pase. ¿No sería hora de hacerlo avanzar algo en ese sentido? ¿No podemos permitirle excepciones que hasta el más pacífico ser entendería? La obstinación de la que hace gala Batman es discutida por varios personajes. Esta idea de que Batman no mata, aunque impera actualmente, es bastante reciente. En los cómics de los 70 y 80 no muestra esa negativa absoluta a tener que tomar medidas drásticas si fuera necesario. Parece más una imposición de directivos que una idea de los creadores. Así que, al menos por ahora, Taylor se desahoga planteando una discusión que, salvo en Detective Comics, no se prodiga mucho.

MENSAJE ECOLOGISTA

Tampoco pasan inadvertidos los duros datos que vamos recibiendo sobre la extinción de las especies a causa del hombre. Ni la inminencia del cambio climático salvo que tomemos medidas drásticas, la que ofrece el aparente villano. Al igual que en el punto anterior, da la impresión de que el autor querría que empatizáramos con los malos a los que les pierden sus métodos. Por momentos, uno se plantea si no debieran estar todos en el mismo bando. Y, al igual que en el punto anterior, unas directrices impuestas hacen que Taylor, de momento, no dé un paso más atrevido. Sin embargo, te deja un poso de reflexión que pocos cómics consiguen. También destacar que es la primera vez que veo a Batman en la selva (sin contar el primer Batman Vs. Aliens) y no me parece ridículo.

HARLEY QUINN

El hecho de que sea tan popular el personaje de Harley ha hecho que esté sobreexplotado. Para muestra, una de las últimas películas animadas de Batman, en la que cobra un absurdo protagonismo. Ya he comentado otras veces que, personalmente, nunca he entendido el éxito de dicho personaje. Sin embargo, Taylor le da un encanto especial a la chica regalándole frases realmente divertidas. Además, la ha provisto de una vida personal complicada que se echa de menos entre tanto superhéroe impoluto. Además, Taylor la hace evolucionar y tomar conciencia de que ha sido una mujer maltratada, haciéndola tomar sus propias decisiones. El bonito diseño de Redondo no hace sino engrandecer su presencia.

Harley Quinn, Injustice 2

EL ENFRENTAMIENTO ENTRE DAMIAN Y SU PADRE

Que cada uno haya estado en un bando es bastante comprensible viendo el carácter de ambos.  Si bien creo que en la continuidad Damian habría sido leal a su padre, en este caso, dado que estamos en una línea alternativa, da más juego lo contrario. Sin embargo, la personalidad de Damian, que otros autores retratan simplemente como un chico desagradable, es mucho más poliédrica en manos de Taylor. Su relación con Alfred es emocionante, como todas sus apariciones. Al contrario que Harley, Damian me ha encantado desde su aparición, y disfruto enormemente cuando el personaje es dirigido hacia toda su potencial. Es el caso de Injustice 2.

Como ya os he dicho, tengo pendiente la lectura de Zona Zero para cuando la publiquen en tomo, pero con saber quien ganó es más que suficiente para reengancharse a esta lectura. Se repiten las bondades de la primera parte, como el amplio elenco de miembros del Universo DC, que aparecen demostrando una grandísima sinergia. Impagables los momentos de Plastic Man y su hijo, o el Átomo, para reír sin parar. ¡Un spin off para ellos ya! Todo un regalo esta serie que no debéis perderos. 

INJUSTICE 2: GODS AMONG US NÚM. 1, 2, 3, 4, 5, 6
ECC Ediciones
Edición original: Injustice 2 núms. 1 al 12 USA
Guion: Tom Taylor
Dibujo: Bruno Redondo, Juan Albarran,  Daniel Sampere, Mike S. Miller
Grapa, 48 págs. color
Precio: 3,25 €

Entre las novedades más importantes que ECC Ediciones nos tiene preparadas para el próximo mes de noviembre cabe destacar las publicaciones dedicadas al 80 Aniversario de Superman. En primer lugar, el Action Comics nº 1.000, todo un hito en la longeva carrera de esta venerable colección. En este tomo, en edición cartoné, autores como José Luis García López, Tom King, Geoff Johns, Olivier Coipel o Paul Dini rinden merecido homenaje al héroe más grande de todos los tiempos.

Novedades de ECC Ediciones para Noviembre de 2018

En la misma línea, llega también a las librerías el tomo Action Comics: 80 Años de Superman, un volumen de casi 400 páginas con historias clásicas y primerísimas apariciones de personajes como Supergirl, Brainiac o Zatanna, entre otros. Además, como complemento, interesantes artículos de algunos de los autores más versados en el Hombre de Acero.

Y como colofón a todas estas novedades sobre el último hijo de Krypton, por fin llegan a España las primeras historias de Superman escritas por Brian Michael Bendis. Ilustrado por artistas de la talla de Ivan Reis, Jason Fabok, Ryan Sook, Kevin Maguire o Adam Hughes, el nuevo Superman de Bendis viene acompañado de artículos sobre esta nueva etapa, así como de un espectacular desplegable. 

Las novedades de noviembre de ECC Ediciones no terminan aquí. Publicaciones como el crossover Wonder Woman/Conan, miniseries como Liga de la Justicia: Sin Justicia o el tomo Batman/Superman: Otros Destinos, con dos de los mejores Elseworlds de estos personajes, son otros lanzamientos muy a tener en cuenta. Descúbrelos en tu librería habitual a partir del próximo 9 de octubre.

There are many ways to show support to your favorite television show. The most obvious is to watch or stream it on their official channels. You can also support them by following their social media accounts, sharing articles and news about them, following their events, and so on. 

Stranger Things

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1. Join online fan groups

It’s hard to get fan merch if you don’t know where to look, luckily the internet is filled with communities that will ease up your search. If you’re a fan of a specific TV show, you’ve probably started following them around through their official social media accounts. You must even follow the actors. The next step in showing your support is to join discussion threads in forums and groups. Here you’ll meet people from all over the world sharing the same fancy. And if you’re looking for merch, social media groups are the best place to be! It’s a great place to ask for recommendations on where to buy fan shirts and other related merchandise.

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Knowing where to buy is just the first step. And at this point in your journey you’ve probably received tons of recommendations on shirt sellers to try. But it’s not just about knowing where to buy stuff. You also need to do a little bit of checking to see if the shirts are of any quality at all. There are millions of shirt sellers out there who would go out of their way to infiltrate a fandom only to scam them. Make sure to buy from stores that have good reputation and offer high quality tees. For your convenience also make sure if they’re accessible. If they’re online make sure they can ship to your place and offer various payment methods.

Stranger Things t-shirt

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So many TV shows are all out advocating for a cause. If you want to support them, you can also do so by supporting their advocacies. Just like how the series 13 Reasons Why advocates for mental health awareness, you can start with groups associated with them, and help them in any way you can.

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Este mes de septiembre, Editorial Drakul nos tiene preparados dos importantes lanzamientos.  Bajo el sello Likantro ya se encuentra disponible en librerías "El Violeta", un cómic centrado en la persecución que sufrieron los homosexuales durante la dictadura de Franco, así como el difícil papel que jugaron las mujeres con las que tuvieron que contraer matrimonio. ¿Sabías que el régimen de Franco construyó campos de concentración para homosexuales? Este cómic, con guion de Juan Sepúlveda y Antonio Mercero y dibujos de Marina Cochet, te desvela eso y mucho más.

Editorial Drakul: Novedades Septiembre 2018

De la posguerra española nos trasladamos al espacio, concretamente al universo Star Trek. A finales de septiembre llega las librerías "Star Trek. Destino Manifiesto", ambientado en el universo de las nuevas películas. Con guion de Mike Johnson y Ryan Parrot, y espectaculares dibujos del español Ángel Hernández, se lanzará una edición especial en idioma klingon, solo disponible en el stand de Drakul de la Héroes Comic Con de Madrid. Este evento tendrá lugar los días 21 y 23 se septiembre. No pierdas la oportunidad de hacerte con esta original edición, que podrás llevarte firmada por sus autores si te acercas al stand de la editorial.

En el siguiente PDF encontrarás, además de información sobre estos dos lanzamientos editoriales, los horarios de firmas de los autores invitados al stand de Drakul de la Héroes Cómic Con. Tanto el cómic de Star Trek en klingon como "La Curandera", el primer volumen del nuevo cómic de David Braña y Gabriel Iglesias, solo estarán disponibles en el stand de Drakul y en su tienda online.

Siempre que oigo planes de revitalizar una franquicia languideciente me echo a temblar. Lo mismo me ocurrió cuando me enteré que el elegido para dar un nuevo impulso a la franquicia Depredador iba a ser Shane Black. A Black, que también formó parte del casting de la primera película de la saga que dirigiera John McTiernan en 1987, debemos los guiones de largometrajes tan interesantes como The Last Action Hero (1993) o El Último Boy Scout (1991)... y también bodrios tan inconmensurables como Iron Man 3 (2013), que también dirigió, por cierto. Pues bien, Predator encaja en esta última categoría, una cinta malograda en casi todos lo niveles que consigue elevar a los altares no ya a las dos primeras entregas, sino también la extraña Predators (2010) y los dos cruces con mis queridos xenomorfos, la reivindicable Alien Vs. Predator (2004) y la indescriptible Aliens vs. Predator: Requiem (2007).

The Predator (2018)

Podría terminar la crítica de The Predator aquí mismo porque, en realidad, no hay mucho que decir de un filme que, prácticamente, no aporta nada nuevo a la franquicia. De hecho, no solamente no aporta nada, sino que obvia todo lo establecido en anteriores películas. Con que uno de los protagonistas mencione que la raza de los predators, los Yautja, nos visitaron en 1987 y 1990, es suficiente. Ya está. Estamos ante un reinicio de la saga que, en realidad, no reinicia nada, no reinventa nada ni aporta tampoco nada. Bueno, sí, muchos chistes malos.

La película comienza con una escena que pretende homenajear el inicio de la de McTiernan, con el protagonista, McKenna (Boyd Holbrook), en una misión como francotirador en tierras mexicanas. Cuando está a punto de matar a su objetivo, una nave de origen desconocido se estrella a pocos metros de su posición. A partir de aquí, la cinta de Black se convierte en todo un carrusel de despropósitos y desaciertos, cada uno peor que el anterior. 

Boyd Holbrook, Jacob Tremblay

Desde el principio tenemos claro que no podemos tomarnos en serio la cinta. Hay gente que se conforma con esto, siendo capaces de disfrutar de esta manera de truños colosales, como la saga Sharknado. Yo, en cambio, no. Si un largometraje es malo, es malo y punto. No me vale eso de que "la disfrutarás si no te la tomas en serio"... Perdona, no. Shane Black ha conseguido arruinar la posibilidad de relanzar una franquicia fatigada perpetrando una nueva entrega en la que ni los protagonistas, ni el monstruo, ni la acción, ni el argumento son capaces de interesar a un espectador con un mínimo criterio.

Enumerar los fallos de The Predator sería arduo y cansino, así que pondré solo algunos ejemplos. En primer lugar, la película es, lisa y llanamente, una americanada de las gordas. Toneladas de testosterona, de tipos duros malhablados pero con el corazón de oro incapaces de tocarle un pelo a una Olivia Munn roncando a pierna suelta (¿se habría contenido el amigo de Black, actor en la película, convicto por abuso sexual?). "Chicos, somos soldados. ¿Tocar a una mujer dormida?" Sí, este es el nivel de los diálogos escritos por Black. 

Ni los protagonistas, ni el monstruo, ni la acción, ni el argumento son capaces de interesar a un espectador con un mínimo criterio


Otro de los fallos imperdonables de The Predator es la sucesión de chistes malos que infestan los diálogos. Chascarrillos groseros, insultos y palabrotas son la base de los diálogos que Shane Black pretende hacernos colar por sana camaradería. Hacer que sintamos algo por los protagonistas a base de palabras malsonantes y gracietas es un insulto a la inteligencia del espectador. Y lo que es peor, rompe completamente el clima de tensión y terror de una película supuestamente centrada en un alienígena asesino casi imbatible.

The Predator (2018)

Aparte de la poca empatía que despiertan en el espectador esta "patrulla condenada", el actor protagonista de la cinta, Boyd Holbrook, tiene el carisma de un pepinillo. Para colmo, mejores actores que él, como Thomas Jane (The Punisher) o, incluso Alfie Allen (Juego de Tronos), se ven relegados a papeles casi paródicos. Olivia Munn, aunque interpreta un papel increíble (¿alguien se puede creer que una bióloga haga las cosas que ella hace en esta película?), sale bastante airosa frente al resto de actuaciones. Sin querer pecar de machismo, lo mejor de la cinta.

¿Y la historia? No, tampoco se sostiene por ningún lado. En primer lugar: ¿qué pretende el primer Predator que se estrella en México? ¿Ayudar a los humanos frente a otro tipo de predators, más peligrosos y despiadados? ¿Convertir la tierra en su coto de caza exclusivo? ¿Recolectar médulas espinales para mejorar su especie con la instintiva agresividad humana? El guion es de todo menos claro y, nada más empezar la película, queda patente que aquello no va a mejorar y que van a dejar sin explicar muchas cosas. Entonces, el nuevo tipo de predator monstruoso que aparece a mitad del metraje, ¿son los originales o son mutantes? No intentes averiguarlo.

The Predator (2018)

Pero si hay algo que se lleva la palma en lo relativo a grandes despropósitos es decir que las personas aquejadas de autismo son el siguiente paso de la evolución humana. Los autistas han sido utilizados por los guionistas de Hollywood en infinidad de películas, retratándolos casi siempre como personas superdotadas, casi genios, pero incapaces de relacionarse normalmente con sus semejantes. Es un cliché repetido hasta la saciedad por guionistas que, posiblemente, no tienen familiares con autismo ni nunca han tenido relación con una persona que sufra esta complicada enfermedad. ¿Retratar al niño protagonista como el siguiente estadio evolutivo? ¿En serio? ¿En qué pensaban Fred Dekker y Shane Black, coautores de este desvarío, cuando escribieron este argumento?

En definitiva, The Predator es, sin duda, una de las peores entregas de la saga iniciada en 1987. Ni siquiera la película que protagonizara Adrien Brody en 2010 es peor que la de Shane Black. Miedo me da que este director y guionista tenga entre sus próximos proyectos llevar (de nuevo) a la pantalla grande a un personaje como el héroe pulp Doc Savage. A saber qué dislate puede parir este individuo sobre uno de los personajes más queridos por los que amamos los cómics clásicos. Para echarse a temblar.

Nacido en 1907, Lyon Sprague de Camp fue uno de los escritores norteamericanos de ciencia ficción y fantasía más relevantes de la década de los 40 y 50 del pasado siglo. Sus relatos y novelas sobre Conan el Bárbaro y la era Hyboria, así como otras obras más enmarcadas en la ciencia ficción, como la excelente Que no Desciendan las Tinieblas (1939) todavía conservan suficiente interés y atractivo como para rivalizar con lo que actualmente se escribe dentro de estos géneros. De Camp también fue un solvente biógrafo. Entre sus biografías más relevantes se encuentran, precisamente, la de Robert E. Howard, creador del guerrero cimmerio,  y la de Howard Phillips Lovecraft, libro este último que intentaré reseñar en el presente post.

Howard Phillips Lovecraft

De Camp no llegó a conocer a Lovecraft en vida. Aunque podrían haber coincidido debido a que compartían amistades comunes dentro del mundillo de escritores fantásticos norteamericanos del primer tercio del siglo XX. Sin embargo, el prematuro fallecimiento en 1937 de El Solitario de Providence, como era conocido por su círculo de amigos, debido a un tardíamente diagnosticado cáncer de colon hizo que estos dos grandes autores de lo fantástico nunca llegaran a encontrarse.

El estudio que Sprague de Camp dedica a Lovecraft es monumental. El autor neoyorquino se basa tanto en testimonios de personas que lo conocieron como en las más de 100.000 misivas que escribió durante su corta vida. De hecho, estas cartas son más esclarecedoras acerca de la vida y obra de Lovecraft de lo que podrían haber sido entrevistas realizadas en persona al propio autor de Providence. Como se menciona varias veces en la biografía, de no haber dedicado tanto tiempo y esfuerzo a la epístola, el legado narrativo de Lovecraft habría sido muchísimo mayor.

Pero no fue el excesivo amor del célebre escritor por escribir cartas a su círculo de amigos (más amplio de lo que los tópicos sobre este autor siempre nos han empujado a pensar) lo que más dañó su carrera literaria. De Camp, con una prosa sencilla, directa, pero muy disfrutable, comienza su obra escarbando entre las raíces de los problemas que acuciaban a Lovecraft desde su más tierna edad. Una madre dominante y excesivamente acaparadora, un padre con serios problemas mentales muerto a los pocos años de nacer su hijo y unas tías y abuelos maternos que lo sobreprotegieron y mimaron de pequeño más de lo debido... Todo ello se unió en un cóctel mortal que atenazó y limitó el normal desarrollo emocional y social del joven Lovecraft, condicionando toda su vida adulta.

EL PEQUEÑO HOWARD (VESTIDO COMO UNA NIÑA) JUNTO A SU PADRES
EL PEQUEÑO HOWARD (VESTIDO COMO UNA NIÑA) JUNTO A SU PADRES

La labor de De Camp para arrojar luz sobre las sombras que rodean la figura de Lovecraft es verdaderamente encomiable. El biógrafo, alejándose de tópicos, ideas preconcebidas, y haciendo gala de una gran objetividad, mira en la distancia al literato enmarcándolo en su tiempo, en el contexto social, cultural, político y económico de la Providence de principios del siglo XX. De Camp denomina en su obra a la clase social a la que pertenecía Lovecraft como "americanos viejos", es decir, la clase dominante de la sociedad de la época, sobre todo en los estados del sur y en otros como el propio Rhode Island. Por supuesto, el pensamiento de esta rancia clase privilegiada estaba dominado por el clasismo, el racismo y todo un catálogo de lacras morales que, en aquellos tiempos, no solo no estaban mal vistas, sino que eran opiniones ampliamente aceptadas. Entonces, ¿era Lovecraft un racista?

De no haber dedicado tanto tiempo y esfuerzo a la epístola, el legado narrativo de Lovecraft habría sido muchísimo mayor


De la lectura de la obra de De Camp saco varias conclusiones. Lovecraft siempre ha cargado con el estigma de ser un personaje poco menos que racista y misógino. Sin embargo, De Camp deja claro que ese pensamiento era normal en la clase social y el lugar donde se había criado. Por ello, y siguiendo el razonamiento que De Camp hilvana en su libro, el creador de Cthulhu solo fue un autor que, recluido en su juventud, alimentó el ya imperante racismo de su entorno con su autoimpuesto aislamiento, la ausencia de una formación reglada y ciertas lecturas equivocadas que fueron cayendo en sus manos.

Tal y como relata De Camp en su texto, Lovecraft era un hombre de extremos. De su desprecio por las por él denominadas "razas inferiores" (¿os suena este término de algunos de sus relatos?) pasó, en pocos años, a respetar e, incluso, a admirar a personas judías o afroamericanas. Sus opiniones, en sus inicios encendidas y furibundas, se vuelven más matizadas en sus misivas más tardías. Todo en Lovecraft se suaviza con los años, no solamente su racismo inicial. De este modo, de ser un apasionado defensor del Imperio Británico y del poder germánico, basculó al extremo opuesto del péndulo llegando a alabar una especie de socialismo de corte liberal, llegando a simpatizar con el bando republicano en la Guerra Civil Española, en la que murieron tantos compatriotas suyos.

SR. Y SRA. LOVECRAFT POSANDO SONRIENTES
SR. Y SRA. LOVECRAFT POSANDO SONRIENTES

El autor relata etapas tan interesantes de la vida del maestro del horror cósmico como su matrimonio con Sonia Greene, precisamente de religión judía. Desde el inicio fue un matrimonio fallido, obviamente por el excesivo apego de Lovecraft hacia su ciudad natal y por las pesadas cargas psicológicas y emocionales que lastraban su personalidad. Además, pensaba que un caballero de la vieja Providence como él no podía trabajar como no fuera en alguna profesión digna, lo que limitó enormemente sus posibilidades de contribuir al sostenimiento de la economía familiar.

De Camp no olvida situar la producción literaria de Lovecraft en el contexto de las diversas etapas de su vida. De esta manera, el lector de esta biografía puede tener una perspectiva más amplia acerca de sus relatos y qué circunstancias de la vida del autor de Providence dejaron huella en sus narraciones. ¿Sabías que Lovecraft odiaba el pescado, el marisco y, en general, cualquier alimento marino? A ello se debe quizás que en sus cuentos y novelas cortas la mayoría de criaturas monstruosas surgidas de su fértil imaginación proceden, viven o tienen características físicas que recuerdan a los animales del océano. Del mismo modo, el racismo que le consumió en su primera parte de de su vida es lo que propició que en sus relatos aparecieran tan a menudo subhumanos híbridos con seres preternaturales de insondables abismos submarinos.

El autor relata etapas tan interesantes de la vida del maestro del horror cósmico como su matrimonio con Sonia Greene


La edición de Editorial Valdemar de Lovecraft: Una Biografía es un grueso tomo de mil páginas, contando las páginas dedicadas a notas y los índices. Traducida por Francisco Torres Oliver, la obra de De Camp constituye, en sí, una apuesta arriesgada porque, si bien Lovecraft es un autor que goza de gran popularidad, su vida personal sigue sumida en las sombras para el gran público. Raro, misógino, inadaptado, racista, clasista, enfermo, homófobo, son algunos de los clichés que surgen en cualquier conversación entre dos personas poco informadas sobre quién fue Lovecraft en realidad. Más allá de los Mitos de Cthulhu, de sus narraciones de ciencia ficción o de sus cuentos oníricos y dunsanianos se encontraba una persona de extraordinaria cultura, adquirida mayormente de manera autodidacta y muy amiga de su amigos. Lovecraft, según el retrato que de él hace De Camp, era un excelente conversador, un ser amable y cordial que pasaba de estar sentado en un rincón al inicio de las reuniones con sus amigos a ser el alma de la fiesta... y ello sin probar una sola gota de alcohol, ya que era abstemio.

Este libro no está pensado para aquellos que busquen encontrar un significado esotérico y oculto a las narraciones de Lovecraft. Más bien se centra en arrojar luz sobre las motivaciones, anhelos y deseos de un hombre sencillo que tomó muchas decisiones equivocadas en su corta vida, muchas de ellas relacionadas directamente con su actividad literaria. De Camp no entra demasiado en qué se basó Lovecraft para crear a Nyarlathotep o al dios idiota Azathoth, sino en diseccionar su vida intentando explicarnos por qué ha llegado a erigirse en uno de los escritores norteamericanos más influyentes del siglo XX. Por eso, recomiendo este volumen no solo a fanáticos del escritor de Providence, sino a cualquiera mínimamente interesado en ahondar en las grandes figuras de la literatura en general. Sin duda, un libro para leer (y releer) con detenimiento, con el que conocer al creador de un rico panteón de seres, personajes  y conceptos que influyeron, y seguirán influyendo, en la literatura de horror y ciencia ficción.

Lovecraft. Una Biografía
L. Sprague de Camp
Ed. Valdemar - Colección El Club Diógenes nº 183 (2002)
Edición de bolsillo, tapa blanda, 1.008 págs, fotografías en b/n
ISBN: 84-7702-402-2
Precio: 17,30 €

Los tebeos que leímos en nuestra infancia han marcado nuestras lecturas adultas. En mi caso, El Jabato fue uno de esos cómics. Creado para la editorial Bruguera en 1958 por el guionista Víctor Mora y el dibujante Francisco Damís, El Jabato pronto se convirtió en todo un éxito de ventas. Publicadas inicialmente en blanco y negro, las aventuras de El Jabato transcurrían en pleno auge del imperio romano, alrededor de un siglo antes de Jesucristo. Acompañado por sus fieles amigos Taurus, Fideo de Mileto y Claudia, el bravo campesino convertido en justiciero ha entretenido a niños y mayores durante sesenta años. Ahora, Planeta DeAgostini, para conmemorar dicho aniversario, lanza una extraordinaria edición de lujo con la práctica totalidad de las aventuras del personaje.

Coleccion El Jabato 60 Aniversario

Pensada tanto para seguidores del personaje como fans del cómic en general, la Colección 60 Aniversario de El Jabato de Planeta DeAgostini está compuesta por lujosos tomos en tapa dura con lomo entelado. Esta edición, a todo color, incluye además en cada tomo un dossier con la historia del personaje, sus creadores, las distintas ediciones, tanto españolas como extranjeras, así como multitud de datos curiosos. Además, utiliza las sensacionales portadas que el ilustrador Antonio Bernal realizó para la colección Jabato Color, editada en los años setenta. En definitiva, una colección que no puede faltar en la estantería de todo amante de los cómics españoles.

¿Cómo conseguir esta magnífica colección? Para suscribirte, entra en la web de la promoción de Planeta DeAgostini. Las ventajas de suscribirte es que recibirás las entregas en tu domicilio sin gastos de envío y sin compromiso de permanencia. Además, si lo haces antes del 12 de septiembre, recibirás de regalo una exclusiva camiseta de algodón con la figura del personaje.


¿Qué otros beneficios hay por suscribirse? En el quinto envío recibirás, totalmente gratis, un cuaderno de notas con la portada impresa con viñetas de El Jabato. En sucesivos envíos recibirás en tu hogar, además, una taza con el héroe a caballo y una gorra con visera con el logotipo de El Jabato. ¡Ah!, y no olvides utilizar el código promocional para suscribirte a la colección.

La Colección 60 Aniversario de El Jabato de Planeta DeAgostini recopila las mejores historias del personaje. Se trata de una extraordinaria edición inédita que solo podrás adquirir mediante suscripción, con contenidos exclusivos que no encontrarás en otro lugar. Sin duda alguna, la colección que todos los fans de El Jabato estábamos esperando.

El actor Jim Carrey es uno por el que tengo especial debilidad desde que surgió en los años 80 siendo yo apenas un adolescente. He seguido también ligeramente su vida personal, pero ni mucho menos lo he juzgado con la dureza de los críticos que nunca supieron entender su arte. Sencillamente, es un hombre que descubrió que el éxito y las buenas críticas no se tradujeron en su felicidad personal y, por tanto, se dedicó a otros menesteres. 

Kidding

La visión del  documental Jim y Andy (2017), sobre cómo Carrey pareció ser poseído por el espíritu del humorista al que interpretaba, Andy Kauffman, me dejó algo desconcertado, pero confirmó en las narraciones del actor, realizadas 20 años después de la película Man On The Moon (1999), que alcanzar su sueño de ser el actor más famoso de Hollywood no le aportó la paz que buscaba. Por tanto, la noticia de que Carrey había accedido a protagonizar una serie creada por el director de ¡Olvídate de Mí! (2004), Michael Gondry, me dio a entender que sería un proyecto realizado por placer y no por ninguna otra necesidad, lo cual, en principio, es bueno. Visto este primer capítulo del canal Showtime y disponible en España en Movistar, ¿qué podemos decir?

La verdad, no recuerdo ninguna serie que se me haya desinflado de una manera tan rápida en tan solo un episodio de media hora. El comienzo es bueno, y los dialogos. El doblaje no, así que tuve que verla subtitulada en castellano. Por cierto, éste también pésimo, ya que la palabra autobusero no existe, al menos en España. Una vergüenza que en Movistar tengan tantos millones para dilapidar en el fútbol y no para ofrecer subtítulos en inglés o, al menos, en un castellano en condiciones. 

No recuerdo ninguna serie que se me haya desinflado de una manera tan rápida en tan solo un episodio de media hora


Conocemos a Jeff (Carrey), Mr Pickles para los niños, un famoso actor para niños que presenta un libro en el programa nocturno de Conan O'Brien. Vamos conociendo poco a poco la vida de Jeff, que se debate entre las exigencias de la industria multimillonaria que su anquilosado papel genera y la necesidad de expresar lo que le consume: la muerte absurda de uno de sus dos hijos de 13 años en un accidente. 

La parte en la que el actor suplica a su superior, Sebastian (Frank Langella), su necesidad de contar a los niños lo que es la muerte para dar un compresible sentido a la más terrible de las pérdidas, y éste le rechaza, es muy emocionante, el resto no acaba de cuadrar.

UNA BURDA BROMA QUE NO HACE MÁS QUE EMPEORAR A MITAD DEL CAPÍTULO

Desde la primera escena vemos referencias sexuales de lo más burdas, que en nada respetan un tema tan serio como el que sufre el protagonista. Nos encontramos algunas más en la vida de una compañera de trabajo de Jeff, y en las referencias poco creíbles de un hijo a su padre que va a visitarlo. Si bien esperaba que estaría ante una obra original, cuál es mi sorpresa cuando me encuentro que Jeff bebe los vientos por su desagradable ex-esposa, un tópico más propio de telecomedias facilonas que de una obra que aspira a ser algo original.

Me resulta bochornoso que dicha esposa, Jill (Judy Greer) no parezca haber perdido hijo alguno, ya que dedicarse a su novio y catas de vino les garantizo que no es precisamente la reacción más común. Es posible que más adelante expliquen por qué ella reacciona así, pero en principio parece que la serie no está bien planteada. Ocurre lo mismo en los detalles que no cuadran. Si Jeff es tan importante y genera tanto dinero, ¿por qué vive como alguien de clase media norteamericana? Además, si puede editar sus propios libros y es tan famoso, ¿por qué no renuncia a su papel y se lanza a lo que desea hacer por cualquier otro medio? ¿No sabe ya tras tantos años lo que puede esperar de su jefe y lo que no?

EL HIJO SUPERVIVIENTE DE JEFF, WILL, ES EL TÍPICO PREADOLESCENTE INSOPORTABLE 

Tampoco cuando amplían los personajes con Deirdree, su compañera, y su familia, aportan demasiado, a pesar de que ésta pille a su marido en un momento raro. Que la hija de ésta, Maddy, no se coma los brócolis es comprensible, ya que parece que se los dieran crudos. ¿A qué viene insistir tanto en esto si no tiene la menor gracia o interés? 

Una buena idea que no termina de estar bien desarrollada. No está compactado, no acaban de funcionar los personajes y el propio personaje de Carrey es demasiado raro. Tan raro como que hoy día los niños estén pendientes de alguien como él.

Cuál es mi sorpresa cuando me encuentro que Jeff bebe los vientos por su desagradable ex-esposa, un tópico más propio de telecomedias facilonas


Vi en su momento ¡Olvídate de Mí! y, aunque debería verla otra vez para poder juzgarla ya que no la recuerdo bien, sí que tengo en mi memoria a la hermana de una amiga que decidió irse antes del final. Este episodio confieso haberlo visto completo, pero sólo para comprobar que la última escena no ha hecho más que confirmar los peores temores. Esto no tiene mucho sentido. 


Una pena, ya que de verdad hubiera deseado que Carrey, cuya actuación no deja de ser algo estereotipada, supongo que por exigencias de arriba, se hubiera embarcado en un proyecto arriesgado de verdad dado lo privilegiado de su posición. Difícilmente esta serie lo será. 

En 2015, Jason Statham declaró sobre las películas de superhéroes: "Lo hacen todo a base de dobles, de pantalla verde y de presupuestos millonarios. Es todo imagen digital. Para mí, eso no es auténtico." Pues bien, solo tres años después, el intérprete británico vuelve a la cartelera con Megalodon, una multimillonaria coproducción chino-americana de serie B disfrazada de blockbuster, pero más cercana a las abominables películas de monstruos del canal SyFy que a clásicos como Tiburón (1975) o Piraña (1978). Más pantalla verde que en Megalodon... Por la boca muere el pez. En esta nueva entrega de nuestro exitosa recopilación 10 Películas de Monstruos Marinos para Ver en Verano, vamos a intentar rescatar del olvido otras diez producciones, posiblemente más modestas que Megalodon, pero indudablemente mucho más divertidas y con menos pretensiones. ¡Al agua!

Otras 10 Películas de Monstruos Marinos que Ver en Verano

Slithis (1978)

Rodada en solo 12 días, esta producción norteamericana de serie B es todo lo extraña y sorprendente que puedas imaginar, llegando a ser divertida de lo mala que puede llegar a ser. La película contenía generosas raciones de violencia y algún que otro desnudo, como también sucedía en la muy similar Humanoides del Abismo, estrenada dos años después. El aspecto del monstruo no estaba nada mal pero parece que sus apariciones eran pocas en comparación con la cantidad de escenas con diálogos absurdos y sin sentido que estropeaban la película. Para ver con el botón de avance rápido.



The Flesh Eaters (1964)

El protagonista de esta película es un monstruo algo más intangible que el anterior, concretamente unos microbios hambrientos de carne humana. Esta producción de bajo presupuesto se convirtió rápidamente en un film de culto ya que contenía escenas de horror bastante gráficas para la época, casi cercanas a un primitivo gore. La historia es de Arnold Drake, también guionista de cómics. De hecho, es recordado por ser el co-creador, junto a Carmine Infantino, de Deadman y de Los Guardianes de la Galaxia, junto a Stan Lee.



La Grieta (1990)

Esta producción, del director español Juan Piquer Simón (Misterio en la Isla de los Monstruos, Supersonic-Man), aprovecha el tirón que por aquellos años tenían las películas de monstruos submarinos. La cinta fue producida por Dino de Laurentiis, que el año antes había estrenado Leviathan: El Demonio del Abismo. Básicamente, de Laurentiis se copió a sí mismo. El guion original es del escritor británico Colin Wilson, autor de la novela que inspiró la película Lifeforce: Fuerza Vital (1985), de Tobe Hooper. Sin embargo, el libreto de Wilson fue reescrito por David Coleman quien, dos años después, escribiría La Mansión de los Cthulhu, también para Piquer Simón.



Surgió del Fondo del Mar (1955)

Sin duda, lo mejor de esta película es el pulpo monstruoso animado mediante stop motion por uno de los magos de esta técnica: Ray Harryhausen. Debido a restricciones presupuestarias, solo había dinero para animar seis tentáculos, así que se eliminaron dos de los ocho brazos del modelo fabricado por Harryhausen. La película fue todo un éxito, ya que su taquilla casi multiplicó por diez su presupuesto, y ello a pesar de que las mejores escenas del cefalópodo no llegan hasta casi la media hora final de la película.



Tentáculos (1977)

Veintidós años separan esta producción italiana de la anterior, pero la premisa es muy similar: un pulpo gigante mutante está atacando y devorando hasta la médula (literalmente) a los bañistas de una tranquila localidad costera. Esta coproducción italo-norteamericana surge a rebufo del éxito de películas como Tiburón (1975) y, como toda coproducción de aquella época que se precie, en su elenco figuran numerosas viejas glorias, como John Huston, Shelley Winters o Henry Fonda... que aparecen muy brevemente. Como nota curiosa, se construyó un pulpo gigante a escala natural que se comió buena parte del presupuesto. Obviamente, nada más echarlo en el agua se hundió a plomo. 



Serpiente de Mar (1985)

Producción española dirigida por Amando de Ossorio, realizador especialista en cintas de terror, como su cuatrilogía sobre caballeros templarios zombis que inició con La Noche del Terror Ciego (1972). Exponente de toda una era dorada del cine de género patrio, Ossorio escribió la que también sería su última película como realizador. También sería la última aparición en pantalla del actor Ray Milland, "El Hombre con Rayos X en los Ojos", quien fallecería un año después. Lo mejor: que la serpiente marina, aunque bastante cutre, aparece en bastantes escenas y Ossorio no escatima en mostrarla zampándose bañistas.


Megalodon (2004)

No, no se trata de la película de Jason Statham, sino una película que, ya antes del estreno, arrastraba problemas. Originalmente rodada para ser estrenada en 2002, los estudios fueron incapaces de encontrar una distribuidora para la película... ¿de lo mala que era? Finalmente, fue estrenada en vídeo, aunque parece que llegó a algunos cines europeos. La cinta es en realidad la tercera parte de una trilogía que empezó en 1999 con el lanzamiento en vídeo de Shark Attack, de la que Megalodon es la más conocida. Risible hasta decir basta.


La Garra (1980)

Ni tiburones ni serpientes marinas, esta vez es un simpático e inofensivo crustáceo el que, gracias a un buen baño de radiación, crece hasta hacerse colosal. Dirigida y escrita por Hernan Cardenas, supuso el inicio y el fin de su carrera como cineasta, supongo que avergonzado por el nulo éxito de esta película. La criatura, creada por Glen Robinson, quien había trabajado en el King Kong de John Guillermin (1976), aparece poco, como ocurre en casi todas estas producciones baratas, pero al menos se tomaron la molestia de construirla completa.


Up from the Depths (1979)

Otra de las decenas de producciones sobre peces monstruosos que aparecieron siguiendo la estela del Tiburón de Spielberg. Esta vez se trata de una criatura prehistórica despertada de su letargo de eones por un terremoto submarino. El propio director afirma que su rodaje en Filipinas fue una "terrible experiencia" y que el montaje que él realizó nada tiene que ver con el que hizo posteriormente Roger Corman, productor de la cinta. Por cierto, fue una de las primeras bandas sonoras compuestas por James Horner.


They Bite (1996)

Si recuerdas, en Humanoides del Abismo (1980) unos increíblemente mutados salmones atacaban y violaban a cuanta chica se les pusiese por delante. Pues bien, la premisa de They Bite es casi la misma que la del film de Roger Corman. La diferencia es que en esta película, los protagonistas son un equipo de rodaje filmando una película porno titulada Invasion of the Fishfuckers (uno de los actores protagonistas es Ron Jeremy, estrella del cine adulto de los 90). Una película dentro de otra película... Una cinta para no tomarse demasiado en serio y pasar el rato, con unas criaturas que lucen bastante mejor de lo que cabría esperar en una producción como esta.

El próximo 15 de septiembre se celebra el Batman Day y, como viene ocurriendo desde hace ya cinco años, ECC Ediciones quiere premiar a sus lectores con dos exclusivos lanzamientos relacionados con el murciélago. Estos lanzamientos estarán disponibles en tu librería habitual a partir del 14 de septiembre, coincidiendo con la salida a la venta de las primera tanda de novedades de octubre.

Batman Day 2018

El primer lanzamiento, limitado a solo 1.000 unidades, consiste en una sensacional caja del evento Noches Oscuras: Metal. Imitando el formato vinilo, en su interior encontrarás seis púas de guitarra con los seis integrantes de la Liga de la JusticiaBatman, Superman, Wonder Woman, Flash, Aquaman y Green Lantern, así como sus versiones oscuras. Además, un parche termoadhesivo y una entrada facsímil de la gira Noches Oscuras: Metal Tour.

Pero eso no es todo. Coincidiendo con el 30 aniversario de La Broma Asesina, de Alan Moore y Brian Bolland, ECC Ediciones lanza dos ediciones distintas para coleccionistas. La edición en caja, de solo 2.500 unidades, contendrá el cómic en cartoné, un bolígrafo, un diario y una bolsa del Joker. La edición sencilla estará limitada a 1.500 unidades.

Te aconsejo que, si estás interesado en estos lanzamientos, acudas a tu tienda de cómics habitual y consultes con tu librero si es posible reservar tus ejemplares. ¡No te quedes sin estas excepcionales ediciones!

Con este tomo, ECC Cómics inicia la solicitada recopilación en tomos de tapa dura de la etapa de Renacimiento relativa a Batman. Y, si hay un nombre ligado a Renacimiento y Batman, ese es Tom King, autor de los guiones de una etapa que ya lleva dos años de andadura. El reto de King era heredar el Batman de Scott Snyder respetando lo sucedido en Los Nuevos 52, pero dando un nuevo giro al personaje.  King, que venía de escribir Grayson, con más éxito de crítica que de público, se hizo cargo de la colección más vendida del personaje más rentable de DC, y además con regularidad quincenal en vez de mensual. ¿Qué nos vamos a encontrar en este primer tomo?

Batman Volumen 01: Yo Soy Gotham

El primer número supone la transición de Snyder, que también participa en el guión, a King. Por tanto, nos encontramos con el protagonismo de un personaje, Duke Thomas, que afortunadamente se desvanecerá más adelante. No hay nada que haga Duke que no pueda hacer Alfred, que tiene en King a uno de sus mejores retratistas. El humor que desprende cada comentario del mayordomo se agradece. También su relación con Bruce, muy bien tratada, transmitiendo la relación padre-hijo que es la que mejor definiría a ambos personajes. Duke, en cambio, es un personaje carente de sentido por mucho que Snyder creyera que la batfamilia necesitaba más miembros.

Otra característica heredada, que me temo permanecerá mas tiempo, es la idea de un Batman superpoderoso enfrentado a amenazas de dimensiones colosales que pueden suponer la extinción de Gotham, como el caso del Hombre Calendario, transformado de payaso a criminal terrorífico, como tantos otros. A pesar de eso, King se las apaña para ofrecer enfrentamientos de menor calado más acordes con un personaje que no tiene superpoderes.

Sin embargo, a pesar de estos puntos impuestos por sí mismo o por otros, King demuestra bien pronto que tiene bien pensado lo que quiere hacer con su Batman y cómo va a ir estructurando dicha etapa. Lejos de hacer historias autoconclusivas sin apenas relación, la relectura de Yo Soy Gotham me ha hecho darme cuenta de semillas que han visto su fruto bastante más adelante, con mayor o menor acierto.

YO CAMBIARÍA LA FRASE "YO SALVARÉ GOTHAM" POR "A VER QUÉ PUEDO HACER" 

Desde el primer número que King guioniza solo, el segundo, ya da muestras de que quiere darle un enfoque más emocional a Batman. Los personajes que crea, Gotham Girl y Gotham, son buena muestra de ello. El retrato que hace de estos héroes, tomándose el tiempo necesario para que lleguemos a conocerlos y a empatizar así con sus vidas y motivaciones, es algo que celebro. He leído algunas críticas a estos personajes, pero no me parecen justas. Están a años luz del ya mencionado Duke, cuyos talentos se me escapan. Al menos estos dos tienen superpoderes. 

La identificación del propio Batman con ellos está muy bien llevada, y el destino de los chicos también. Empezamos a aterrizar gracias a King acerca de las consecuencias de los actos, de que no todo puede ser reversible.

En cuanto a su relación con Gordon, sigue muy presente, aunque afortunadamente nada nos recuerda que hasta hace bien poco éste interpretaba el papel de Batman. Ya se nota que King intenta despegarse en lo posible de Snyder y sus giros esperpénticos. A pesar de lo anterior, sigue siendo por momentos un Batman algo sobrado que se cree invencible y la única solución a los ataques a Gotham. Hay mejores formas de impresionar sin caer en lo vulgar. Vemos algo de labor detectivesca, pero no al nivel de las historias que de verdad han tenido en cuenta esta parte.

En cuanto a su identidad secreta, no estaría mal que volviera a preocuparse un poco en ocultar que Bruce Wayne es Batman. Según lo visto aquí, hasta un ciego lo vería, algo que King debe cuidar bastante más ya que tanto esfuerzo ha puesto en recuperar la vida personal de Bruce Wayne

A VECES, NO SE PUEDE AYUDAR CON PUÑOS Y TEC NOLOGÍA

En cuanto al dibujo, se nota que han ido a por lo mejor. Que te cambien a Finch por Janin no es un gran problema. Ya indiqué que la cara de Wayne parece el propio Grayson algo más mayor, pero el resto es bastante espectacular. Grandes viñetas que se han convertido en salvapantallas, el nuevo uniforme... No creo que nadie eche de menos a Greg Capullo a pesar de su gran trabajo, la verdad. El dibujo aquí apoya totalmente el guión, engrandeciéndolo sobremanera.

Un buen punto de partida este tomo que, a pesar de que yo adore un Batman más clásico, soy consciente de que los nuevos tiempos requieren otras características que atrapen a más público nuevo sin olvidar a los más veteranos. Quizás eso explica el exceso de violencia que tan común se ha vuelto. La evolución de lo que leemos va cada vez a más, conformando una lectura consistente y bien construida. Consigue aportar nuevos elementos y emocionar por momentos, sin ignorar por ello algunas cosas menos satisfactorias. Es una lectura muy recomendable tanto para quienes tienen curiosidad para acercarse a la actualidad de Batman, sin más, como para los que llevamos años siguiendo sus aventuras. 

BATMAN VOL. 01: YO SOY GOTHAM
ECC Cómics
Edición original: Batman núms. 1 a 6 USA, Batman: Rebirth núm. 1 USA (one-shot)
Guion: Scott Snyder, Tom King
Dibujo: David Finch, Ivan Reis, Mikel Janin
Cartoné, 192 págs. A color
Precio: 19,50 €

No he podido evitar reírme al saber que Marvel Studios va a presentar Pantera Negra a los Oscars de este año. Hubiera entendido que se atrevieran con Infinity War, pero reconozco que esto me ha dejado despistado. De mi entorno, todos han concluido que la del héroe de Wakanda es una película aburrida, y eso siendo benevolentes. Aprovechando el décimo aniversario de Marvel Studios, os dejo con las peores películas que, en mi humilde opinión, han producido. Quiero aclarar que me estoy ateniendo a las veinte películas que ha producido este estudio, de manera que no incluimos bodrios como Daredevil o Elektra. En bastantes listas han salido ya las pobres...

Las 5 Peores Películas de Marvel Studios

PANTERA NEGRA (2018)

No se si os ha ocurrido lo siguiente: una película se pone de moda, recauda lo más grande, y parece ir contra una ley divina decir que no es ninguna maravilla. Tienes que decir en voz baja que no es buena o mejor callarte por tu propia integridad física. Pasa el tiempo y, de repente, empiezas a darte cuenta de que llevabas razón, y lo que tanto fascinó no tiene quien lo defienda. Es el caso de esta película. Que se haya estrenado en un período de lucha feminista y de reivindicación de las minorías ha hecho que no se pueda discutir su calidad artística, como si atacar esta producción fuera el equivalente a ser un machista y un racista. ¿De verdad alguien puede reivindicar una monarquía absolutista donde el rey se decide a tortazos, como ejemplo? Entiendo que es un cómic como lo es Aquaman, pero nadie se apropia de éste último como ejemplo de nada. Me aburrí muchísimo con Pantera Negra, el protagonista no tiene carisma, y el villano no tiene sentido. Pero oye, no hay nada como llegar en el momento adecuado.

PARA UN VILLANO BUENO QUE ENCUENTRAN EN MARVEL, VAN Y SE LO CARGAN DE MANERA RIDÍCULA

IRON MAN 3 (2013)

Poco puedo añadir a lo ya dicho en su momento. La película que arrasó gracias a que era el siguiente estreno de los estudios tras Los Vengadores resultó ser una road movie con un guión nada original y carente de acción que echó a perder las posibilidades de un gran villano, El Mandarín, y lo insinuado en la primera de Iron Man. Al menos sirvió para que Marvel abandonara el tono jocoso e irrespetuoso con su propio material. Si cuando me pongo a buscar el lado bueno de las cosas, no me gana nadie...

EL MANDARÍN, UNA DE LAS MAYORES METEDURAS DE PATA DE MARVEL STUDIOS

THOR: RAGNAROK (2017)

La tercera película de Thor recuerda bastante a Iron Man 3 en el sentido de que parece buscar más el chascarrillo que el sentido o la emoción a lo que vemos. Y mira que tiene una villana estupenda que merecía más tiempo en pantalla, Hela (Cate Blanchett). Si los habitantes de Asgard, que en esta película parecen extras de Los Miserables, hacen chistes cuando todo su mundo ha desaparecido, poca emoción pueden esperar del espectador. Thor parece Will Smith de gira por el espacio, sin relación alguna con la personalidad que tenía en anteriores películas. Soy consciente de que tiene sus fans, ya que las anteriores de este personaje tampoco están entre las mejores, pero yo prefiero al que se parece un poquito, solo un poquito, al personaje de cómic.

THOR: RAGNAROK, UNA PELÍCULA BRILLI BRILLI DE LA QUE POCO SE SALVABA

VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN (2015)

Una decepción en taquilla y de crítica. Recaudó bastante menos que la primera, que llegó a los mil quinientos millones de dólares. Ésta no lo superó, que es la misión de toda secuela. Como bien sabrá Joss Whedon, situar la acción en medio de los bosques de la Europa del Este no era de lo más atractivo. Chistes tontos, villano desaprovechado, historia poco atractiva... Eso sí, gracias a esta película conocimos a la fantástica versión cinematográfica de La Visión. La Bruja Escarlata me convence menos, pero es lo que hay. Peor es su hermano Mercurio, del que ni me acuerdo.

WANDA Y SU DESAPROVECHADÍSIMO HERMANO PIETRO MAXIMOFF

THOR: THE DARK WORLD (2013)

Al pobre Thor le han caído encima dos de las cinco películas de esta lista. Y la primera se ha librado porque entendemos que estaban empezando y la tecnología y los presupuestos daban para lo que daban en aquel entonces. Esta segunda no acaba de arrancar ni permanecer en la memoria. La presencia de Natalie Portman como Jane Foster aporta lo de siempre, nada. No tienen química alguna y es de celebrar que hayan prescindido de ella.

INCLUSO CHRISTOPHER ECCLESTON HA ABORRECIDO PÚBLICAMENTE SU PAPEL EN THOR 2

Insisto en que esto es sólo mi opinión, y que cada uno es libre de hacer su propia lista y defender o atacar con argumentos la que considere. Sentíos libres para hacernos llegar vuestras opiniones.