2017

En mi post dedicado a los 10 mejores ilustradores de la ciencia ficción cometí el error de no incluir entre ellos a Robert McCall. Bien por olvido, bien porque debía limitar mi lista a solo a 10 artistas, Robert McCall quedó fuera de mi selección personal, cuando hubiera merecido figurar en ella más que justificadamente. 

Exploring The Space Frontier

Robert T. McCall nació en Columbus, Ohio, el 23 de diciembre de 1919. Sus primeros trabajos importantes fueron sus ilustraciones para la revista Life a principios de los años 60 en las que plasmaba el futuro de la exploración espacial, un tema candente en aquellos años. Su arte llamó la atención de la NASA, y le fue encomendado ilustrar sus logros en la carrera espacial. Algunos de sus murales sobre la exploración espacial cubren las paredes del museo del espacio de Washington D.C o el Pentágono, entre otros edificios gubernamentales estadounidenses.

Sin embargo, puede que sus ilustraciones más conocidas por el gran público sean sus pósters y arte conceptual para películas como 2001: Una Odisea del Espacio, El Abismo Negro o Star Trek: La Película. Incluso en un episodio de Star Trek: The Next Generation, el comandante Will Riker alaba las ilustraciones de este gran artista. Robert McCall falleció en 2010 de un ataque al corazón. 

L1 Spaceport


Another Busy Day On Mars

Undersea Horizons



The Prologue and The Promise (detail)


Arizona Solar Farm
Argosy
Alien Intellect
Star Trek: The Motion Picture
2001: A Space Odyssey

The Black Hole
Podeis ver más ilustraciones en su página web oficial, mccallstudios.com.

Para los que somos más o menos aficionados al cine, o lo intentamos, hemos notado que se está perdiendo un curioso arte patrio: las traducciones libres de los títulos de las películas estadounidenses. Si bien cada vez más se prescinde siquiera de traducir, (¿alguien ha visto un cartel donde diga Capitán América: Guerra Civil en vez de Civil War?) en los tiempos de Franco algo así era impensable. Afortunadamente, a cargo de dicha tarea estaba gente realmente capacitada para la tarea, auténticos profesionales que con su inventiva consiguieron mejorar, y mucho, algunos de los títulos que traían dichas películas de Norteamérica. Es por eso que hemos pensado en hacerles un homenaje a través de esta lista de grandes clásicos del cine que debieran haber cambiado sus nombres originales por las geniales traslaciones, que no traducciones, made in spain.

LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (THE SEVEN YEAR ITCH, 1955)

El título original hacía referencia a la crisis matrimonial que se dice aparece tras 7 años de convivencia por aquello de la rutina. Como si Marilyn Monroe no pudiera causar una crisis en un matrimonio hasta en 7 segundos... En un país como España en el que en aquella época ni siquiera existía el divorcio, semejante referencia era todo un atrevimiento. Aquí las riñas matrimoniales eran las que arreglaba Manolo Escobar bailando y cantando a su mujer en un andamio, así que había que pensar algo menos explícito. La Tentación Vive Arriba no solo está lleno de clase, sino que nada dice en el título de que el hombre tentado estaba casado y solo en casa. Porque mirar, lo que se dice mirar, no lo podía prohibir ni Franco.

LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (THE SEVEN YEAR ITCH, 1955)
LA VERDAD, LA PELÍCULA NO ME PARECIÓ PARA TANTO


¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ (DR STRANGELOVE, 1964)

A ver quien va a ver una película que se llama Dr. Amor Extraño, que parece la vida del primo del Doctor Dolittle... Lo último que parece es una sátira de la tensión insoportable que se vivía con la Guerra Fría. En el título españolizado al menos es evidente de qué va la película. Porque ahora nos quejamos de la crisis económica, pero aquello de que una guerra atómica se pudiera desatar a la mínima de cambio no era moco de pavo, aunque Stanley Kubrick supo reírse como nadie. Al final tienen razón los que opinan que cualquier tiempo pasado fue peor.

¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ (DR STRANGELOVE, 1964)
PUES SÍ, HEMOS TENIDO CRISIS PEORES QUE LA ACTUAL


EVASIÓN O VICTORIA (VICTORY, 1981)


En la versión patria, al menos no te cuentan el final de la película. Porque llamándose así, VICTORIA, ya sabe uno como termina el partido de fútbol de los protagonistas. Al menos con el título español te queda la duda de qué pasaría al final e iba uno al cine más inocente. Eso de Victoria también podría ser el nombre de una mujer, en plan biografía tormentosa del siglo XIX, o de la famosa reina británica. Si van un grupo de viejas a verla al cine con esas ideas y se encuentran a Sylvester Stallone en calzones en sus años mozos lo mismo no les sentaba demasiado bien. O lo mismo sí, pensándolo bien...

JOHN HUSTON INTENTANDO ENSEÑAR A LOS AMERICANOS ALGO DE FÚTBOL


CON FALDAS Y A LO LOCO (SOME LIKE IT HOT, 1959)

Algo muy caliente no es tampoco un título que fuera apto para entusiasmar a la censura franquista. Nuevamente Marilyn volvía locos a los hombres. Así que le dieron a la cabeza más que en latinoamérica, donde la titularon Dos Adanes y una Eva, y dieron con el título. Aunque también tiene su mérito, inventándose uno de los títulos más famosos de la historia del cine... al menos de los Pirineos para abajo.

CON FALDAS Y A LO LOCO (SOME LIKE IT HOT, 1959)
OTRO CLÁSICO QUE AFORTUNADAMENTE TOM CRUISE FINALMENTE NO VOLVIÓ A HACER


CENTAUROS DEL DESIERTO (THE SEARCHERS, 1956)

Toma título con poderío y presencia. Con un nombre tan bueno la película solo puede ser un clásico de aupa. Si sabes que sale John Wayne ya sabes que va del oeste. Lo que no queda nada claro es que hacen exactamente Los Buscadores en él. ¿Qué buscaban? ¿Problemas? ¿Oro? Ni idea, vaya título para anticipar que buscaban a una niña raptada por los indios y uno de los grandes clásicos de la historia del cine. También es la película donde más veces se dice tío Ethan del mundo, pero eso no creo que lo tengan en cuenta en el Guinness de los Récords.

CENTAUROS DEL DESIERTO (THE SEARCHERS, 1956)
JOHN WAYNE ES MÁS TÍPICO DEL OESTE QUE LOS CACTUS


SOLO ANTE EL PELIGRO (HIGH NOON, 1952)


Una de las películas que más recuerdo de mi infancia y cuyo título en castellano define perfectamente la situación del atribulado protagonista. La angustia que pasé de pequeño viendo como todo el mundo dejaba solo al buenazo de Gary Cooper y tuvo que valerse por sí mismo ante su enemigo todavía me dura. Una gran película y una gran canción como tema principal que no hay quien anticipe si la hubieran llamado Mediodía como en inglés. 

SOLO ANTE EL PELIGRO (HIGH NOON, 1952)
UN CLÁSICO QUE TRANSCURRE APARENTEMENTE EN TIEMPO REAL


LA SEMILLA DEL DIABLO (ROSEMARY'S BABY, 1968)


Ya me diréis si tiene interés alguno ver una película que se llama El Bebé de Rosa Mari. Nadie duda que un bebé es una monada, pero yo en el cine busco otras cosas. Pues de aquí salió el icónico corte de pelo de Mia Farrow hecho por Vidal Sassoon, para los que no supierais que antes que champú, fue peluquero. Además, aquí sabíamos que por el título, la cosa podría ir de miedo. Y vaya si daba miedo la cosa, sin necesidad de recurrir a sanguinolentas escenas ni trucos baratos. La serie reciente basada en la película no tuvo tanta suerte.

LA SEMILLA DEL DIABLO (ROSEMARY'S BABY, 1968)
PARA UN PADRE, VER UN CARRITO SOLO AL BORDE DE UNA MONTAÑA
YA ES LO MÁS TERRORÍFICO DEL MUNDO

Más adelante os reseñaremos películas más recientes cuyas traducciones son de lo más demenciales.

Con tres libros en su haber sobre Woody AllenWoody Allen (1998), Woody Allen y la Literatura (2012) y Woody Allen. Músico y Cineasta (2015)— no era extraño que Jorge Fonte (Santa Cruz de Tenerife, 1967) decidiera redondear el triplete, dedicando un cuarto (¿y definitivo?) volumen al director neoyorquino. Tras tratar en esas obras distintas facetas del genial y controvertido director, el autor canario decide en Woody Allen. El Cine Dentro de su Cine, editado por Diábolo Ediciones, explorar las películas que más han influencia en su modo de hacer cine.

Woody Allen. El Cine Dentro de su Cine

El libro de Fonte se inicia con la biografía de Allen, una biografía que el propio director se ha encargado de plasmar en varias de sus películas. Cintas como Annie Hall (1977) o Días de Radio (1987), entre otras, sirvieron de excusa al realizador para reflejar pasajes de su infancia, convirtiendo parte de su filmografía en autobiografías más o menos confesas. 

Si la infancia de Allen ya fue una fuente de inspiración importante para muchas de las situaciones planteadas en sus películas, su vida amorosa no lo fue menos. De hecho, y tal como bien relata el autor en este ensayo, sus novias, esposas y amantes iban y venían coincidiendo con su aparición en las películas de Allen. Louise Lasser, Diane Keaton o Mia Farrow son solo algunas de las mujeres con las que Allen mantuvo relaciones, todas ellas conectadas de una manera más o menos directa con su filmografía.


Aparte de las mujeres, la otra gran pasión de Woody Allen es la literatura y la música. Tras hacer un recorrido por su biografía, Jorge Fonte se detiene en esas dos importantes facetas, casi tan importantes como su labor de director. La magia es otro de los grandes hobbys de Allen, una afición que no ha dudado en introducir en algunas escenas de sus películas, como Scoop (2006) o Sombras y Niebla (1991).

En la segunda parte del libro, Fonte ya entra de lleno en las películas que más han marcada la carrera del realizador neoyorquino. Empezando por Sueños de un Seductor (Herbert Ross, 1972), el autor analiza las influencias cinéfilas que impregnan tanto al Woody Allen actor como al Woody Allen realizador. Para ello, Fonte toma diálogos de los films de Allen y los compara con otros de cintas clásicas, como Casablanca (1942), en el caso de la cinta de Ross.


En Annie Hall, por ejemplo, Allen se sirve de referencias cinéfilas como la cinematografía de Ingmar Bergman o el documental La Tristeza y la Piedad (1969), de Marcel Ophüls. De esta manera, y película a película, Jorge Fonte saca a la luz las referencias, guiños e influencias cinematográficas dispersas por la filmografía del realizador norteamericano.

El ensayo de Jorge Fonte sobre las influencias de Woody Allen es, al mismo tiempo, un recorrido por algunas de las mejores películas de la historia del cine, algo que convierte a la obra que tengo en mis manos en recomendable no solo para fans del realizador, actor, escritor y músico, sino para todos aquellos amantes del cine en general. La gran cantidad de fotografías que acompañan al texto convierten al libro en una obra amena a la vez que bien documentada, alejada de obras más pesadas dirigidas a un público más académico. El libro se cierra con los carteles de todas sus películas, un apéndice que pone la nota de color a uno de los ensayos sobre Woody Allen más entretenidos y documentados de la oferta editorial actual.

Woody Allen: El Cine Dentro de su Cine
Diábolo Ediciones
Autor: Jorge Fonte
Tapa dura, 280 págs. color
Precio: 23,95 €


Este mes de abril desde Diábolo Ediciones vienen dispuestos a entretener con sus novedades desde los más pequeños a los más mayores de la casa. Dentro de su línea infantil Diabolín llega a las librerías "Soy Pez, Soy Pájaro, Soy Lombriz", de Tomás Bases. En esta preciosa obra, ilustrada como si de miniaturas medievales se tratase, este artista barcelonés residente en Sevilla nos cuenta la historia de Leopoldo, un monarca que, con tal de conseguir un inmenso poder, será capaz de renunciar a sí mismo.

Novedades de Diábolo Ediciones para Abril de 2017

Y en abril Diábolo inaugura una nueva línea editorial centrada en la publicación de novelas clásicas de aventuras. La primera entrega de la colección "Aventuras Históricas" es "La Pimpinela Escarlata" de la Baronesa Emma Orczy, con una nueva traducción y las extraordinarias ilustraciones que acompañaron la primera edición de 1905.

Y dentro de los lanzamientos de obras sobre cultura popular, a finales del mes de abril se pone a la venta "¡Andá!, la Merienda... Las Deliciosas Colecciones de Nuestra Niñez", de Vicente Pizarro. Pizarro, cámara de televisión y fotógrafo, es además un empedernido coleccionista de cromos, figuras y merchandising de la España de los 60, 70 y 80. Por ello, quién mejor que él para escribir esta obra, un recorrido por aquellos añorados pastelillos y demás alimentos que siempre venían con sorpresa.

Y para los amantes de los felinos, Diábolo Ediciones lanza a finales de mes "Miau, Miau, Miau. Los Gatos en el Cine", de Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona, dos verdaderas autoridades en lo que a cultura cinematográfica se refiere, con obras en su haber como "Lucha de Gigantes" (que ya reseñamos aquí) o "De Perdidos a Star Wars".

Os dejo con el PDF de las novedades donde podréis encontrar más detalles acerca de estos espléndidos lanzamientos.

Tras la deliciosa experiencia que supuso la lectura de Daredevil Amarillo, no dudé un segundo en hacerme con esta publicación. De nuevo con Jeph Loeb al guión y Tim Sale al dibujo, se nos narra una historia autoconclusiva de un personaje Marvel emblemático: Spider-Man. De nuevo, un mensaje de amor a una pareja fallecida a manos de un supervillano, Gwen Stacy, es el hilo conductor del tomo. ¿ Es otro éxito esta colaboración para homenajear al trepamuros?

Spider-Man Azul, de Jeph Loeb y Tim Sale

Si bien la historia se había vendido un poco como una historia de amor de Peter hacia Gwen, a mi no me ha dado esa impresión tan absoluta. Es cierto que la trama comienza con Peter comunicándose con ella en el día de San Valentín, pero este tomo es mucho más que eso. Es todo un homenaje a la época que los viejos lectores de Spider-Man atesoramos, aquella en la que John Romita dibujaba y Stan Lee guionizaba. Mucho de lo que leímos en aquellos cómics se representa en este tomo: desde la presentación de Mary Jane con aquella famosa frase de los cómics sobre que le había tocado la lotería, a la marcha de Flash al ejército para destacar en algo en la universidad.

Son momentos muy reconocibles y claves en la continuidad del Spider-Man más clásico. Nos ahorran la muerte del tío Ben, ya que Peter conoce a Gwen en la universidad y el recuerdo se basa en cómo ellos inician su relación. Sin embargo, es la dualidad Spider-Man/Peter Parker la que domina en el tomo: la lucha con los villanos, su vida personal, avanzar en ésta compartiendo piso con Harry Osborn...

Spider-Man Azul, de Jeph Loeb y Tim Sale

Pero donde más brilla este retrato retrospectivo en en los momentos que Peter comparte con su tía May. Esos chistes horrorosos acerca de lo sexy que es y de cómo vuelve loco a todo el mundo son calcados de la vieja época: siguen provocando la misma y encantadora vergüenza ajena.

Es todo un homenaje a la época que los viejos lectores de Spider-Man atesoramos, aquella en la que John Romita dibujaba y Stan Lee guionizaba.


Si bien rememorar las historias más recordadas del trepamuros se hace con un gusto exquisito y un gran estilo narrativo, sacando algunos villanos imprescindibles de su amplio catálogo, no triunfa tanto el tomo representando a las chicas. No se desarrolla bien la historia entre Gwen y Peter, sólo se recuerda un inicio que no tiene mucho sentido para el lector. No falta la inefable Mary Jane, pero ambas tienen una personalidad demasiado similar, cuesta distinguir a una de otra. El estilo de Tim Sale es muy particular, pero para sacar mujeres sexy no es el ideal. Deforma demasiado las caras y los cuerpos y no resulta muchas veces atractivo. Al menos es mi opinión. Y eso que representa literalmente viñetas de Romita, pero el sex appeal de Gwen y Mary Jane no llega ni a las suelas a pesar de ser una maravilla de dibujo. Es algo inherente al diseño de los personajes de Sale, consiguen otros efectos pero ese no.

ESTA MARY JANE DA MÁS MIEDO QUE OTRA COSA... AUNQUE AL FINAL SEA UNA SANTA

Por eso, aunque el sentido de la historia es que Peter recuerda a Gwen aunque esté casado ya con Mary Jane, para mi no transmite esa emoción del pasado que pretende. Me falta ver qué compartían, y eso no me lo cuentan, sólo algunas insinuaciones de Gwen que son demasiado atrevidas para el carácter que tenía el personaje. Espero que esto consuele a aquellos que no les atraía demasiado que esto fuera un cómic romántico: no lo es estrictamente y tiene mucho, mucho más dentro.

Si eres un lector clásico de Spider-Man, deberías hacerte con este tomo, ya que recordarás momentos inherentes a tu querido vecino Spider-Man mediante esta reinvención llena de clase y estilo. Loeb conoce y ama esa época del personaje y así lo transmite en su guión y Sale sabe hacer un Spider-Man reconocible pero único. 

Una gran idea la de estos tomos especialmente para aquellos que amamos y seguimos a estos personajes durante años. Me ha gustado más el de Daredevil, pero porque cuenta una historia más desarrollada Una pena que Marvel parezca estar en otros temas más que en ver cómo volver a ser la Casa de las Ideas... las buenas ideas. 

100% Marvel HC. Spiderman: Azul
Panini Cómics
Edición original: Spider-Man: Blue 1-6 USA
Guión: Jeph Loeb
Dibujo: Tim Sale
Libro en tapa dura. 168 páginas, color
Precio: 15 €



Uno de los subgéneros más populares de la ciencia ficción cinematográfica es el de los robots con sentimientos humanos. A lo largo de la historia del cine muchas han sido las películas cuya trama, total o parcialmente, han girado en torno a un ingenio mecánico con alma humana. Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina encaja de lleno en esa clasificación. Basada en el universo creado por Masamune Shirow, la película que protagoniza Scarlett Johansson como la Mayor Mira Killian supone un esfuerzo notable por adaptar el mundo y los personajes del autor de manga japonés a una gran producción hollywoodiense. Sin embargo, el resultado naufraga debido a su indefinición, su falta de personalidad, la frialdad de sus personajes y una historia que no logra captar la atención del espectador.

Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina

En un futuro cercano, la corporación Hanka Robotics ha logrado culminar sus experimentos para integrar un cerebro humano en un cuerpo totalmente sintético. Mira Killian, una joven víctima de un ataque terrorista, es la candidata perfecta para ser la primera en ver su cerebro trasplantado a un organismo cibernético. El éxito de la operación hace que el CEO de la corporación decida emplear a Mira como arma viviente, por lo que esta pasa a incorporarse a la Sección 9, una agencia gubernamental antiterrorista.

Este es el punto de partida de Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina, una película que dirige el británico Rupert Sanders, un realizador con solo un largometraje anterior, Blancanieves y la Leyenda del Cazador (2012). El guión, escrito por Jamie Moss, William Wheeler y Ehren Kruger, este último autor de tres de las películas de la saga Transformers, ha pasado en realidad por muchas más manos. Y no es extraño, tratándose de una producción tan importante y en la que se han invertido tantos recursos, con un presupuesto estimado de 110 millones de dólares. Ese pulido y repulido del guión de Ghost in the Shell ha dado como resultado una película que, si bien brillante a nivel visual, viene lastrada por el intento de emular en imagen real la obra de Shirow, sobre todo la película animada de 1995 del mismo título, todo un film de culto para los aficionados al manga y el anime.

Scarlett Johansson

El film de Sanders nos muestra un Tokyo muy similar a Los Angeles de Blade Runner, solo que las grandes pantallas publicitarias del film de Ridley Scott han sido sustituidas por gigantescos hologramas. La sensación de estar en un ambiente futurista está muy lograda, así como la habilidad del realizador de intercalar entre plano digital y plano digital planos reales de sucios callejones y mastodónticos edificios de apartamentos. Para esas tomas se han elegido exteriores de ciudades como Shanghai y Hong Kong.

Menos logrado está, sin embargo, el desarrollo de la historia. La película, básicamente, vuelve a plantear el clásico conflicto entre cuerpo de metal y alma humana, tantas y tantas veces visto en el cine, tal y como apuntaba al inicio de esta crítica. Pero, en vez de aportar algo distinto, algo novedoso, Ghost in the Shell se entretiene entre los meandros de su vigorosa estética, distrayendo al espectador con planos que parecen eternos, por muy visuales e inspirados que estos sean. 

Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina

Salpicada con dos o tres escenas de acción, el film no llega a aburrir, pero no entusiasma. No voy a entrar en sus similitudes o la falta de estas con el anime de 1995 y sus derivados, eso lo dejo para webs de aficionados al cómic japonés. La indefinición a la que me refería se plasma en que Ghost in the Shell pretende ser, al mismo tiempo que una película de acción, una cinta donde los momentos de introspección de la protagonista intentan calar en el espectador, consiguiéndolo a duras penas. En resumen: ni es una película memorable por sus escenas de acción, ni lo es por su estudio del alma humana dentro de una máquina.

De entre sus personajes principales destacar el trabajo de Johansson quien, básicamente, carga a sus espaldas el peso de la película. Se nota que la actriz realiza un esfuerzo por tratar de ofrecer con su caracterización de la Mayor Killian la vulnerabilidad y la fuerza de un alma humana encerrada en un cuerpo artificial. Aún así, dicho esfuerzo queda diluido por unos guionistas que no han sabido hacer que el espectador empatice ni con el personaje de Johansson ni con ninguno de los secundarios. De estos últimos merecen ser resaltados el que interpreta el gran Takeshi Kitano (jefe de la Sección 9) y el del danés Pilou Asbæk (Batou, compañero de Killian). Juliette Binoche, como la Dra. Ouelet, está bastante desaprovechada, y su elección para el papel aún sigue siendo un misterio para mí, cuando apenas tiene un par de escenas.

En definitiva, y aunque no podemos hablar de película completamente fallida, Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina naufraga a la hora de interesar al espectador por lo que le está sucediendo a los protagonistas. Aunque la ambientación es sobresaliente, con elementos tomados, eso sí, de decenas de películas y series de ciencia ficción, la película no logra que nos rindamos ante ella, que nos sumerjamos completamente en ese mundo que, a priori, debería fascinarnos. Algo que consigue con creces es, sin embargo, nuestra más absoluta indiferencia, un pecado que en el cine es casi tan importante como el más rotundo de los fracasos.

Tras el imponente e impresionante stand que montaron en el Salón del Cómic de Barcelona, en ECC siguen imparables con la publicación de los cómics DC en castellano. Si pensábais que tras el aluvión de novedades de la primera salida de mayo se iban a quedar cortos en la segunda, me temo que estáis equivocados. Desde irresistibles ediciones de lujo de Kingdom Come, la obra maestra de Mark Waid y Alex Ross, y su continuación The Kingdom—, hasta una nueva oportunidad de comenzar la colección de Sandman en una edición deluxe. En ECC Ediciones no se olvidan por supuesto de una segunda remesa de grapa, como la conclusión del primer arco de Scott Snyder en All-Star Batman. El manga y el mejor cómic independiente completan una inmejorable oferta.

Kingdom Come

Aparte de estas novedades, ECC ha anunciado su presencia los días 22 y 23 de abril en Héroes Manga Madrid, en Ifema, un evento anteriormente conocido como Expomanga. Podréis encontrar todo el catálogo manga de ECC en el stand D44, así como las publicaciones de la editorial Milky Way Ediciones. Para todos aquellos que hagáis alguna compra en su stand, ECC tiene preparado un estupendo regalo: una taza decorada con ilustraciones de Junji Ito, el maestro japonés del terror. Para más información acerca del evento, pinchad en este enlace.

A continuación, el PDF con todos los lanzamientos de la segunda salida de mayo.


Con este título se nos presenta el primer crossover dentro de la etapa Renacimiento de la creciente batfamilia, incluido Clayface. A diferencia de otras ocasiones, aunque abarque títulos de las colecciones regulares de Batman, Detective Comics y Nightwing, se puede entender perfectamente como un tomo integral para el que no siga esas colecciones. Lo más imprescindible que se necesita saber se indica en breves apuntes a lo largo del tomo. Obviamente, si las seguís todas lo pillaréis todo y sabréis quien es Gotham Girl o por qué está cabreada Spoiler. Pero si os llama la atención podéis quedaros tranquilos respecto a entender lo que ocurre. Y ¿qué es lo que sucede? 

Batman: La Noche de los Hombres Monstruo

En Gotham se cierne una gran tormenta que amenaza con dejar víctimas. Batman no deja pasar una y considera a la naturaleza otra de las enemigas de Gotham a combatir. Lo que no sospecha es que en realidad el verdadero peligro todavía está por venir. ¿Podrá la batfamilia luchar contra esta nueva amenaza que se cierne sobre Gotham?

Por un lado, reconozco que he disfrutado la lectura del tomo, pero no por ello no he dejado de verle algunas carencias. Lo bueno es que transmite mucha sensación de aventura y peligro, ya que se enfrentan a unos monstruos completamente sobrenaturales. Ya sabemos que estamos ante un cómic y la fantasía es imprescindible, pero en Batman quizás no sea donde más deba abundar ésta. El tamaño de los monstruos es desorbitado, pero si lo tomamos como homenajes a Godzilla, que es la que parece ser una de las motivaciones de la historia, no queda más remedio que dejarla pasar. 

EL TAMAÑO DE LOS MONSTRUOS ES CIERTAMENTE ASOMBROSO

El comienzo nos muestra a un Batman algo robótico y simplón en sus reflexiones, obsesionado con la aparente pérdida de Tim Drake. La verdad es que esta parte no emociona como debiera. Lo de perder a un Robin no es nuevo y con Jason Todd se ha llevado mucho mejor el sufrimiento que generó en el murciélago y su psique. Suena como un general y no como un mentor o padre sustituto, diciendo que no va a perder a nadie más... tras decir la lista de los que ha perdido. Como lector no me inspira mucha confianza como para ponerme bajo su cuidado. Hubiera preferido un Batman con más capas.

Se ven por otro lado las intenciones de que Batwoman sea casi una igual a Batman, aunque el gran protagonista de la historia sea probablemente Nightwing. Se ve implicado de más maneras de las que quisiera y tiene un papel predominante en la resolución de lo que ocurre. Se reconoce al Dick Grayson que echamos de menos los lectores clásicos, aunque por momentos parecen olvidar que uno de los encantos del personaje es que no tiene superpoderes... Duke Thomas, que no es santo de mi devoción, tiene un papel más tolerable que de costumbre. Si me ha gustado mucho más en cambio el papel de Clayface, bastante divertido y oportuno en sus apariciones. 

Habría mejorado un poco si no diera esa sensación de que los únicos que se preocupan por los ciudadanos en peligro son los superhéroes, estando indefensos ante cualquier ataque si Batman se da de baja. Esa exposición pública que hace el murciélago con su nuevo sistema es curiosa, pero se aleja de la imagen de misterio tan inherente al murciélago. Aunque quizás hay que culpar más al legado de Batman Inc. que a otra cosa. Al fin y al cabo, Rebirth no borra lo anterior. ¿Dónde está el ejército? ¿Y la policía? No costaba tanto sacarlos intentando hacer algo menos inútil ante un ataque de semejante magnitud.

UN DIBUJO QUE A VECES NO LLEGA NI AL APROBADO

En cuanto al dibujo, es menos detallista de lo normal. El tema de las proporciones tampoco lo llevan demasiado bien, con un Nightwing que parece medir varios pisos. El típico problema de tener que tener muchos dibujantes y poco tiempo para dibujar. Tampoco concuerda el destrozo que causan los monstruos en los edificios con las pocas víctimas que se reconocen. El tomo tiene un correcto desarrollo (abarca 6 grapas) y es todo un acierto editarlo de esta manera para no volvernos locos esperando entregas y juntando cuál va en cada momento.

Tampoco es un trastorno  para quienes sigan las series regulares, ya que se aparta bastante del resto de historias, creando una narración autónoma. Si el exceso de fantasía no es un problema para vosotros, estamos ante una trama que, sin aspirar a crear nada trascendente, se disfruta sin más intenciones. Me ha recordado en el estilo a Batman y las Tortugas Ninja. Una historia palomitera muy digna y recomendable. Ya habrá tiempo de entrar en más profundidades más adelante.

BATMAN: LA NOCHE DE LOS HOMBRES MONSTRUO (RENACIMIENTO)
ECC Ediciones
Edición original: Batman núms. 7-8 USA, Nightwing núms. 5-6 USA, Detective Comics núms. 941-942 USA
Guión: James Tynion IV, Steve Orlando, Tim Seeley, Tom King
Dibujo: Andy McDonald, Riley Rossmo, Roge Antonio
Rústica, 144 págs. A color
Precio: 13,50 €



Acaba de ponerse a disposición del público la versión animada de una de las historias más recordadas de la era dorada de Los Nuevos Titanes: El Contrato de Judas. Obviamente, los más de 30 años que han pasado desde la publicación de la obra de Wolfman y Pérez han hecho que más bien sea una inspiración para la película que una adaptación.


Para empezar, tenemos que aceptar que la alineación que nos muestran no es igual que la del cómic. Ciborg aquí forma parte de La Liga de la Justicia, y Donna Troy aún no forma parte del equipo. Afortunadamente, han respetado la presencia de Nightwing y Starfire, ahora la líder de los Jóvenes Titanes. Tampoco faltan Beastboy, Raven, Blue Beetle y la imprescindible Terra. Los enemigos también se mantienen, teniendo como contrapartida al grupo de héroes al Hermano Sangre y a Deathstroke. Los que podéis estar tranquilos sois los que os quejáis de que metan en todas las historias a Batman: no hay ni rastro de él. 

La historia comienza con un acertado y encantador flashback en el que vemos cómo llegó Starfire a la Tierra y cómo conoció a unos Jóvenes Titanes encabezados por el primer Robin. Esta primera alineación no me hubiera importado repetirla, al menos en parte, para la película. Por ejemplo Speedy, aunque tampoco formara parte de la historia original. El encuentro entre Dick y Starfire es posiblemente el primer gran guiño a la historia clásica. Después nos cuentan un asalto de los chicos, ya en el presente, donde nos hacen ver que Nightwing y Starfire mantienen una relación sentimental que se había intuido en otras películas como Mala Sangre o en La Liga de la Justicia contra los Jóvenes Titanes.

Podéis estar tranquilos los que os quejáis de que metan en todas las historias a Batman: no hay ni rastro de él. 


Hay que decir que la personalidad de Starfire se aleja totalmente de la versión de los cómics. Si bien en estos era una gran guerrera, en cuanto a su relación con Dick había momentos vergonzantes de dependencia emocional y falta de dignidad, achacables a la época en la que se escribieron. Si bien Chris Claremont ya había mostrado décadas antes mujeres mucho más complejas, perfectamente actuales, el paso del tiempo no es benevolente con la arrastrada y enamorada Starfire. Esta versión animada, aparte de cubrirle un poco más la piel, muestra una mujer madura y sensible, sin olvidar algunos divertidos y picantes toques de ingenuidad propios de una alienígena que no conoce todas las normas sociales. Una buena actualización del personaje. 

EL RETRATO DE KORY MEJORA LA VERSIÓN DEL CÓMIC

Tras la acción inicial, asistimos al día a día de la torre. Vemos algo de las vidas personales de los chicos, todos en versiones juveniles salvo la pareja formada por Starfire y Nightwing. No pueden profundizar mucho en ellos debido a la falta de tiempo, pero es interesante lo que nos cuentan acerca de Blue Beetle y Terra, imprescindible para entender lo que sucede posteriormente. Se respeta mucho de lo referente a la relación entre Deathstroke y Terra, hasta un punto que no debieran ver menores de edad, pero evadiendo escenas polémicas como la vista en La Broma Asesina. Parece un mensaje claro de los creadores de que este tipo de películas no va dedicada a un público infantil, algo que se agradece, ya que me temo que las compramos sus padres.

La acción está bastante bien y abunda en muchas escenas. La historia se va desarrollando de una manera amena, con guiños interesantes a los que hemos leído el cómic. Aunque hay un hecho que yo habría destacado: En El Contrato de Judas se produce el cambio de Robin a Nightwing. Dado que a éste lo vemos aparecer directamente con el traje rojo de Los Nuevos 52, que hubiera cambiado el traje azul por el rojo durante el metraje habría sido una buena referencia a aquello. 

EL INTERÉS DE GARTH POR TERRA TAMBIÉN SE VE EN LA PELÍCULA

La presencia de Deathstroke es poderosa y Hermano Sangre aterrador. Nos ahorran la historia del origen del primero, pues está relacionado en la continuidad actual con la Liga de Asesinos. Sí que nos ofrecen algo de Terra, la cual hay que reconocer que tiene unos poderes bastante fuertes y potentes. La animación es similar al resto de producciones anteriores de este estilo. Alguna cara se deforma un poco si te fijas, pero nada más. A Damian lo han estirado un poco, pero sigue siendo un adolescente sin filtro. 

A pesar de los riesgos que suponía una adaptación de este tipo, han superado con creces el reto. No es mi caso, pero aquellos que no estaban nada satisfechos con las últimas películas animadas de Warner encontrarán aquí una subida de la calidad. No puedo decir que sea mejor que Bajo La Capucha, ya que esa historia es mucho más intensa y centrada en menos personajes. Sin embargo es la que más se le acerca. La pena es que han tenido que prescindir de algunos personajes de la historia original y las versiones tan juveniles, como la de Raven, pierden interés ante su contrapartida adulta.

Tranquiliza saber que están ampliando el universo animado DC más allá de Batman... y Batman. Hay material de sobra para ello.

 

Tal y como ya había hecho en 1986 en El Hombre de Acero, la miniserie de seis números en la que renovaba el origen de Superman, John Byrne recibiría el encargo por parte de DC Comics de hacer los mismo con Wonder Woman. El dibujante y guionista canadiense de origen británico se hizo cargo de la colección de la amazona durante tres años, de 1995 a 1997, 36 números en los que Diana Prince trasladaba su base de operaciones a la ficticia ciudad de Gateway City e iniciaba una nueva vida. ECC Ediciones, en su colección Grandes Autores de Wonder Woman recoge en tres volúmenes los números de Byrne a cargo de la colección, la mayor parte material inédito en nuestro país.

Wonder Woman. Segunda Génesis, de John Byrne

El primer tomo, titulado apropiadamente Segunda Génesis, plantea al lector la nueva situación de la amazona. Una nueva ciudad, la necesidad de buscar un nuevo trabajo para su personalidad civil y la gran amenaza de Darkseid son los principales ejes a lo largo de los cuales giran estos primeros 11 números de la colección recogidos en el tomo.

Estamos ante un John Byrne todavía en plena forma en cuanto a dibujo y guión. Aunque nunca hayamos leído nada de Wonder Woman, Byrne logra que nos sumerjamos enseguida en la historia aunque ya, en las primeras páginas, la haga enfrentarse cara a cara nada menos que con Darkseid. Los primeros cuatro números se centran en el enfrentamiento de la heroína con el monarca de Apokolips, acompañada por el agente de policía Mike Schorr, un personaje creado por Byrne para esta nueva etapa y que se convierte en el aliado más fiel —aunque algo improbable— de la amazona.

BYRNE NOS MUESTRA EL LADO MÁS FRÁGIL DE DIANA EN EL PRIMER ARCO ARGUMENTAL DEL TOMO

La historia de Darkseid queda, sin embargo, resuelta a medias, pues Byrne decide que aún no es el momento de desvelar sus planes últimos. En Líneas Vitales, el segundo arco argumental del volumen, Byrne da tiempo a la amazona para acomodarse a su nuevo empleo en el museo arqueológico de Gateway City —una elección obvia para una semidiosa griega—, donde conocerá a otro de los personajes que la acompañarán en esta etapa: Cassandra Sandsmark.

Cassie Sandsmark, personaje también creado por Byrne especialmente para esta etapa de Wonder Woman, pronto jugará un importante papel en la vida de Diana Prince. Esta impulsiva adolescente, hija de la Dra. Helena Sandsmark, se convertirá más adelante en la segunda Wonder Girl —la primera en ostentar dicho nombre fue Donna Troy—, un título que obtendrá gracias a su afán por servir de sidekick de Wonder Woman. Su padre, cuya identidad aún no es revelada por Byrne en estos primeros números, también jugará un papel crucial en el destino de Cassie como Wonder Girl.

EL OBJETIVO FINAL DE DARKSEID NO NOS ES DESVELADO TODAVÍA EN ESTE VOLUMEN

Byrne parece mostrar cierta debilidad por los supervillanos ciclópeos. En las primeras páginas del tomo, Wonder Woman ha de enfrentarse a un colosal esbirro del monarca de Apokolips. En Líneas Vitales, segundo arco del tomo, la amazona hace una entrada triunfal en su trabajo en el museo arqueológico de nuevo luchando contra un coloso, una especie de autómata griego guiño a Talos, el gigante de bronce que aparece en la película Jasón y los Argonautas (1963). En ese mismo arco, Byrne usa el mismo recurso —enemigos colosales— para enfrentarse a la amazona, esta vez surgidos de un tapiz antiguo.

En el número #107 hace su entrada el Demonio Etrigan, convocado por otro de los enemigos de Diana presentes en estas primeras historias de Byrne a cargo de la colección: Morgana Le Fay. Tanto Etrigan como la bruja Morgana son personajes creados por Jack Kirby, y Byrne parece disfrutar mucho usándolos en sus historias. Obviamente, no podían faltar unos brazos ciclópeos armados con espadas que entorpecen los esfuerzos de Wonder Woman y sus aliados por derrotar a la venerable hechicera...

PORTADA DE WONDER WOMAN VOL. 2 #107, DONDE ENTRA EN JUEGO EL DEMONIO ETRIGAN

En el siguiente arco, titulado Nivel 1, Cassie comienza a ser entrenada por Wonder Woman como su nueva ayudante, consciente esta última de las extraordinarias capacidades de la chica. Byrne, un maestro encadenando tramas, hace explotar en este último arco del volumen unos hechos que se habían venido gestando muchos números atrás. Flash, Sinestro o Juicio Final serán algunos de los contendientes a los que se enfrentará Diana en estos números. Esta vez, la heroína tendrá a su lado a Campeón, un héroe del que Byrne aún se resiste a darnos pistas de su identidad. Por cierto, atentos a la aparición de Superman con el pelo largo, el look que se rumorea tendrá el personaje en la película Liga de la Justicia de Zack Snyder.

Estos primeros números de Byrne a cargo de la colección de Wonder Woman, sin ser una obra maestra, cumplen a la perfección como renovación del personaje. Son historias sencillas, sin argumentos demasiado complejos, en las que Byrne se centra más en presentar los nuevos personajes que acompañarán a la amazona en sus siguientes aventuras que en enredarse en tramas complicadas. No es el Byrne de Los 4 Fantásticos, X-Men o Superman, pero sin duda su etapa en Wonder Woman hará las delicias de los fans de este genial artista.

GRANDES AUTORES DE WONDER WOMAN: JOHN BYRNE - SEGUNDA GÉNESIS
ECC Ediciones
Edición original: Wonder Woman vol. 2 núms. 101 a 112 USA
Guión y dibujo: John Byrne
Cartoné, 296 págs. A color
Precio: 29,50 €

"Bueno —pensó—; ¿y si siguiese durmiendo un rato y me olvidase de todas estas locuras?" Ese es precisamente el pensamiento que quedó rodando por mi cabeza justo al terminar Face, la primera novela gráfica de Rosario Villajos, editada por Ponent Mon. Y es que este cómic, a primera vista, puede parecer algo surrealista pero, en realidad, encierra muchas verdades sobre la sociedad en la que nos ha tocado vivir.

Face, de Rosario Villajos

Face es una chica normal, con amigos normales, que ha elegido Londres como tantos jóvenes españoles para poder realizar sus sueños. Sin embargo, Face no tiene rostro. Face tiene un buen trabajo, una buena mata de pelo... pero no tiene cara, tan solo un vacío óvalo recubierto de piel blanca. A pesar de contar con buenas amistades, Face está sola, no tiene a nadie que se interese por alguien sin rostro, así que comienza a plantearse buscar pareja.

Villajos no ha tenido que ir muy lejos para encontrar la inspiración para su primera novela gráfica. En parte autobiografía, esta joven autora española residente en Gran Bretaña reflexiona en Face sobre el aislamiento que sufren muchas personas en esta sociedad aparentemente tan interconectada. Estamos más relacionados que nunca gracias a los smartphones y las redes sociales, unas relaciones, la mayoría de las veces, vacías e insustanciales. 

Rosario Villajos
LA AUTORA, EN LA PRESENTACIÓN DE FACE EN LA LIBRERÍA LONDINENSE THE GOSH!

La cita que abre la novela gráfica de Villajos, y que uso para comenzar esta reseña, está extraída de La Metamorfosis, de Franz Kafka. Y ello no es casual, porque el viaje de Face es similar al que emprendiera el protagonista de aquella excepcional novela. Face, con su falta de rostro, se esfuerza por encajar en el círculo en el cual se mueve, mimetizándose para parecerse a los demás. Esta búsqueda de identidad —de rostro— la lleva incluso a tomar prestada la faz de su pareja, en lugar de desarrollar la suya propia.

En parte autobiografía, esta joven autora española residente en Gran Bretaña reflexiona en Face sobre el aislamiento que sufren muchas personas en esta sociedad aparentemente tan interconectada. 


Face es una primera novela gráfica estimable, que se lee del tirón y con la que muchos se sentirán muy identificados. A pesar de que no es precisamente mi estilo de cómic favorito, me ha sorprendido descubrir cuánto se puede contar con los sencillos, pero enormemente expresivos, dibujos de Rosario Villajos, una cordobesa curtida en el diseño, el cine y la fotografía. Su alegoría de la alienación es un retrato fiel de como muchos intentan encontrar un hueco en la vorágine de la sociedad actual, marcada por la superficialidad y la instantaneidad. Face, es sin duda alguna, una pequeña gran obra que encierra un mensaje trascendental que, aunque obvio, tendemos a ignorar gran parte de nuestras vidas. ¿Cual es ese mensaje? Tendrás que leer Face para descubrirlo.

Face
Editorial Ponent Mon
Guión y dibujos: Rosario Villajos
Rústica, 88 páginas, B/N y color
Precio: 12 €






Con un limitado estreno, ha llegado a nuestras pantallas españolas este exitoso anime que ha batido récords de recaudación en su país de origen: Japón. Al llegar al cine nos encontramos que nos dan la entrada en la primera fila. Con la simpatía y don de gentes que me caracteriza, llamé la atención a la taquillera de que vaya ocurrencia había tenido de mandarnos justo debajo de la pantalla. "Es que no hay otro sitio", me respondió. La sala no sólo estaba completa en mi cine, sino que me informaron que en otros más alejados no había entradas desde hacía días. Tras la crítica, entraremos a valorar si esta expectación ha estado justificada.


Lo primero que quiero destacar es que soy un absoluto ignorante en lo que a anime se refiere, así que quiero que entendáis mi crítica como la de un espectador casual. Your Name nos cuenta una preciosa historia de amor enmarcada en la fantasía. Taki es un chico de 17 años que vive en Tokio y tiene los problemas universales que vienen a tener todos los chicos de su edad. Mitsuha es una chica que vive en un pequeño pueblo de Japón, también de 17 años. Como suele suceder, está deseando dejar atrás la pequeñez de su pueblo y largarse donde está la emoción: Tokio.

A pesar de que observamos tradiciones japonesas que nos son desconocidas, es imposible no empatizar con ambos y reconocer una situación tantas veces vista, pero contada de una forma muy especial. De repente, sin previo aviso, ambos chicos empiezan a intercambiar sus cuerpos, lo que genera buena parte de los deliciosos momentos cómicos de la película. Debo destacar la clase con la que está llevada la lógica curiosidad de verte en un cuerpo del sexo contrario siendo un adolescente. En vez de ignorar esta parte como si fuésemos niños, lo resuelven muy bien.

UNA HISTORIA INTEMPORAL A PESAR DE QUE LA TECNOLOGÍA ACTUAL ESTÉ PRESENTE

Sin embargo, aquellos que recelen de historias románticas en el cine no deben temer nada de Your Name. Las múltiples tramas que aborda la cinta, desde las relaciones familiares hasta la corrupción política, pasando por la amistad y los problemas laborales entre otros muchos, no dejarán insatisfecho a nadie. Los momentos divertidos se solapan con otros más tensos, de una manera natural, como ocurre en nuestras vidas. La historia de Your Name transcurre sin estridencias, alejada del ritmo vertiginoso de las producciones de Hollywood, consiguiendo la magia de ser perfectamente reconocible como un anime japonés, pero a la vez resultar tan universal.

La fantasía no sólo se reduce al intercambio de cuerpos anunciado en el trailer, que creo que no ha sido la manera más acertada de promocionar la película como si de una burda comedia se tratara. Debido a que no debo desvelar ninguna de las sorpresas que guarda la película, sólo criticaría lo largo que se hace el bucle en el que parece caer en la segunda mitad camino del desenlace, pudiendo confundir al espectador sobre lo que está viendo en pantalla.

EL PASO DE UN COMETA SIEMPRE SE HA ASOCIADO CON GRANDES CAMBIOS

En cuanto a la calidad del dibujo, es una auténtica obra de arte. Es una delicia observar la belleza de los paisajes. Cómo se cuida hasta el mínimo detalle, desde un lápiz escribiendo hasta una puerta que se cierra. Cada fotograma es una postal digna de admirar por tiempo indefinido.

Si bien en otras ocasiones se puede entender que una película no guste, en este caso habría que plantearse que se tiene un serio problema de criterio si no se es capaz de admirar esta producción en todos sus aspectos. Dado que al final de la misma se aplaudió en la sala y alguno repetía el visionado en menos de dos días, creo que puedo afirmar que el público aficionado al género que abarrotaba la sala le da su bendición.

Los momentos divertidos se solapan con otros más tensos, de una manera natural, como ocurre en nuestras vidas.


En cuanto al estreno limitado, los pases que han puesto con sólo dos en pocos días, siendo uno de ellos después de la medianoche, no lo acabo de entender. Entiendo que no todo el mundo está abierto a este tipo de producciones, pero ponerlo además en una sala pequeña cuando la cola para entrar era casi exclusivamente para esta película es de traca. Parece que han subestimado el potencial de esta cinta y espero que aumenten su exhibición para que nadie se quede sin verla. Y recordad, llevad la entrada comprada de internet para no quedaros sin ella. Por si acaso.

A pesar de la tremenda cantidad de novedades que ECC puso a la venta en el recién finalizado Salón del Cómic de Barcelona, el mes de mayo no viene menos cargado de nuevos lanzamientos. Al sabor clásico del Batman de Neal Adams, reunido en un nuevo tomo dedicado a la etapa setentera del personaje, se le une una nueva colección con el nombre de Superwoman. En ella veremos como Lois Lane pasa de ser la eterna damisela en apuros a vestir el traje de Chica de Acero, con Phil Jimenez a cargo de guión y dibujos.


Otra novedad destacada es el cruce entre la Liga de la Justicia y Power Rangers, el comienzo de una saga en seis entregas que reúne dos míticos grupos de mundos muy diferentes. Al guión, Tom Taylor (Injustice), un valor seguro a la hora de reinventar personajes y situaciones. También sale a la venta el primero tomo dedicado a Deathstroke, con guión de Christopher Priest (Pantera Negra), ocho números más el especial Rebirth que harán las delicias de los fans de este antihéroe del Universo DC.

A partir del 2 de mayo se pone a la venta el primer volumen de la serie Titanes, de Dan Abnett Brett Booth, una nueva versión de uno de los grupos más icónicos (y antiguos) de DC. Y ya fuera del Universo DC, en mayo llega el primero tomo (de tres) con las aventuras de Tom Strong, el héroe pulp surgido de la fértil imaginación de Alan Moore.

Para descubrir el resto de novedades que ECC Ediciones pondrá a la venta a partir del 2 de mayo, echad un vistazo al siguiente PDF.