2017

La que en los años 80 fuera la colección emblemática de DC, Los Jóvenes Titaneslanguideció a lo largo de los años. Ya a mediados de los 90, se tomó la decisión de anular la boda entre Nightwing y Starfire con la idea de incluir al primero de nuevo como un miembro activo de la batfamilia. La serie fue perdiendo fuelle hasta desaparecer tal y como la conocíamos. Los Nuevos 52 no solo los ignoraron completamente, sino que se ensañaron con la tremenda idea de que Wally West nunca existió. Ya sabemos que su retorno es la piedra angular en la que se basa Renacimiento, en una acertada reivindicación de Geoff Johns. Basándose en esto, han decidido relanzar el grupo con la mayoría de los miembros que tenía la formación original. ¿Ha sido una buena idea?

Titanes #1 (Renacimiento): El Regreso de Wally West
  
A pesar de que este primer tomo editado por ECC Ediciones recopila 7 números de la nueva etapa, una vez leído aún no hemos entrado en harina. Si bien en La Cacería de los Titanes se nos hace una presentación de por qué los chicos han estado separados y no se recuerdan, aquí todavía no tenemos el grupo plenamente establecido. Debo reconocer que era eso lo que esperaba, pero no por ello me ha decepcionado, a pesar de que tiene algunos puntos débiles.

El gran protagonista de la historia es Wally West. El chico, perdido en el espacio y en el tiempo, debe presentarse ante sus antiguos compañeros y amigos que no le recuerdan. Aún peor, su gran amor, Linda Park, ni siquiera sabe quién es.

Podríamos decir que este tomo reivindica sin miedo uno de los pilares que se perdieron con Los Nuevos 52: el amor tanto romántico como entre amigos. Las relaciones entre personajes icónicos perdieron su fuerza identitaria y los lazos que les unían y daban cohesión al Universo DC prácticamente se desvanecieron.

KADABRA, UN VILLANO PELIGROSO PERO POCO SERIO

El villano aparentemente responsable de lo ocurrido tiene una imagen que desentona con la gran amenaza que supone. Es terriblemente poderoso, pero la causa de su odio por Wally West no está muy trabajada que digamos. Que lo repita continuamente tampoco ayuda, es poco convincente y simplón.

El tono del cómic es juvenil y desenfadado. Si bien está alejado de los problemas existenciales que asomaban en la etapa más gloriosa del grupo, el conjunto funciona. Parecen un grupo de chicos en la veintena con la complicidad que verías en una residencia universitaria. Si explotan esa fase más sería un acierto, ya que marca una gran diferencia con el resto de colecciones DC.

En mi opinión, se han enredado demasiado en el rescate de Linda y el resto de compañeros y menos en presentar la química del grupo. Tampoco acaba de parecer que estén nunca en verdadero peligro, y no tanto por las escenas, sino por la pinta del villano como ya he dicho.

El dibujo me ha gustado mucho, todos son sexys y guapos y no cambia a lo largo de los números. Tampoco cabe esperar otra cosa en una serie de jóvenes superhéroes.

Esta era una de las series que más ganas tenía de leer de Renacimiento. Espero que más adelante ofrezca más, con los chicos en la Torre viviendo aventuras y siendo un grupo público que interacciona con el resto del Universo DC. Veremos si cumple.

TITANES NÚM. 01 (RENACIMIENTO)
ECC Ediciones
Edición original: Titans núms. 1-6 USA, Titans: Rebirth núm. 1 USA (one-shot)
Guion: Dan Abnett
Dibujo: Brett Booth
Rústica, 160 págs. A color
Precio: 14,95 €

Dentro del amplio abanico de estrenos de series televisivas, Hulu se ha destacado por esta propuesta distópica. En un futuro donde la contaminación ha liquidado la fertilidad de la mayoría de la población. Auspiciado por este panorama, un grupo religioso extremista se ha hecho con el poder en Estados Unidos y tiene sometida a la población. Aquellas que aún son capaces de concebir son secuestradas y obligadas a servir de sirvientas y úteros vivientes al servicio de sus señores.

Elisabeth Moss

La efectiva Elisabeth Moss, la inolvidable Peggy de Mad Men, es la gran protagonista de esta historia. Debe ser difícil embarcarte en otra serie después de haber sido protagonista de la que es considerada por muchos la mejor serie de la historia. De momento, parece que no se ha equivocado. 

El piloto entra pronto en el centro de la historia y atisbamos algo del pasado a través de flashbacks en los que vemos la vida cotidiana de algunas de las protagonistas. June es raptada rápidamente por los integristas y separada de su marido y su hijo, con los que formaba una familia interracial. 

La serie transmite con gran acierto la sensación de asfixia que vive la protagonista. Vestida con un hábito religioso, vive al servicio de una pareja que no puede tener hijos propios. Especialmente dura es la escena en la que el marido tiene relaciones con ella ante la presencia de su esposa, intentando darle una apariencia de conformidad con la situación. Sin mostrar absolutamente nada fuera de lugar, estando los tres vestidos, y huyendo de cualquier violencia, la expresión de June al ser penetrada por el hombre de la casa describe a la perfección el nivel de resignación al que ha llegado en su nueva situación. 

El Cuento de la Doncella

June no comulga con lo que está viviendo ni es ningún tipo de conversa, sólo es una chica que trata de sobrevivir sin llamar la atención de los tiranos. El precio a pagar por aquellos que muestran la menor rebeldía queda bastante claro en el episodio. Lo mismo con aquellos que en su vida anterior se salían del tiesto, mandados a las colonias. Se atisban estas como un lugar terrorífico donde la muerte y el sufrimiento son seguras a causa de la catástrofe ecológica que ha llevado a esta situación.

June no sabe en quien confiar, y obviamente no cuenta con el beneplácito de la señora de la casa, a pesar de su impecable comportamiento. Poco a poco parece tejer una red de confianza, aunque está por ver que realmente sea el caso. Al ser mujeres que han tenido una vida occidental, es más difícil de creer que estén de acuerdo en este nuevo régimen por convicción y no por obligación. Ya se irá viendo. 

POR DESGRACIA, ESTA ESCENA ES BASTANTE REAL EN ALGUNAS PARTES DEL MUNDO

La estética es muy bella sin que para nada sea una serie cara en apariencia. El buen gusto reina en la escenografía, sobre la que cae gran parte de la transmisión de la historia. Es imposible no recordar la novela de George Orwell 1984 con esta serie: la sensación de que estás eternamente vigilado y hay que formar parte de la masa sin demostrar ningún tipo de identidad.

Muy interesante la propuesta de esta serie, donde no sólo nos interesa saber qué será de la protagonista, con la que es facilísimo empatizar. Todo lo que rodea a esta nueva sociedad en un país tan relacionado con las libertades como Estados Unidos es intrigante. Reconozco que es una serie triste y que nadie nos garantiza que tenga que terminar bien, para que estéis avisados que risas no vais a echar ninguna. No he leído el libro de Margaret Atwood pero aquellos que lo han hecho celebran la adaptación. Sin embargo, considero que es altamente recomendable, especialmente en estos tiempos en los que en vez de avanzar, pareciera que vamos hacia atrás y ninguna posibilidad de este tipo parece ya una locura. Una gran carta de presentación de la que estaremos pendiente en las próximos semanas.

La segunda parte de novedades del mes de junio que ECC Ediciones pone a la venta a partir del 6 y el 13 de junio prometen ser tan interesantes como la primera. En primer lugar, los fans del hombre murciélago están de enhorabuena, ya que se pone a la venta Batman: Reglas de Compromiso, una historia en la que Andy Diggle y Whilce Portacio ahondan en el peligro que pueden suponer a veces los gadgets tecnológicos del personaje. Por otro lado, llega la recopilación de la etapa del creador de Babylon 5 en la colección de Superman, con el tomo Grandes Autores de Superman: J Michael Strazynsky - Con Los Pies en la Tierra.

Green Lantern/Green Arrow de Dennis O'Neill y Neal Adams

Para los seguidores del velocista escarlata, ECC recopila en un tomo en tapa dura la etapa de otro de los grandes, Mark Waid, 12 números de la colección regular de Flash publicados originalmente en 1993. Pero si hay un personaje al que ECC está dedicando una mayor cantidad de publicaciones es a Wonder Woman. La proximidad del estreno de la película coincide con una nueva entrega de la colección Grandes Autores de Wonder Woman: George Perez - Rastros, en el que se recoge su espectacular paso por su colección a finales de los 80.

Las novedades de ECC para el mes de junio no terminan aquí. Os invito a descubrir en el siguiente PDF publicaciones como Green Lantern Presenta: Omega Men, de Tom King, Green Lantern/Green Arrow de Dennis O'Neill y Neal Adams, o Lobo: La Heredera, de Alan Grant, entre otras muchas.

Nadie puede poner en duda que Ridley Scott es un realizador excepcional; largometrajes como Los Duelistas (1977), Blade Runner (1982), Thelma & Louise (1991) o el propio Alien, el Octavo Pasajero (1979) demuestran esa afirmación. Sin embargo, quizás debido a su avanzada edad, quizás debido a factores que se me escapan, sus últimas películas no han sido todo lo satisfactorias ni han reunido los requisitos de calidad que a un director de esta talla se le presuponen. En Alien: Covenant se ponen de manifiesto con toda claridad como el realizador británico, lejos de ofrecernos un clásico instantáneo, nos deja una cinta simplona, cargada de clichés, con unos personajes completamente olvidables y un guión, en general, muy mal escrito. Si ya Prometheus (2012) levantó una gran polvareda entre quienes la defenestraban y la defendían, con Alien: Covenant sospecho que volverá a suceder lo mismo, aunque me inclino a pensar que serán los primeros, aquellos que abominan de ella, quienes estén más cargados de razones. A partir de aquí, aviso de SPOILERS.

Alien: Covenant

Tras este algo extenso preámbulo, quizás sea necesario ponernos en antecedentes. Estamos en el año 2104, 10 años después de la expedición de la Prometheus. La nave colonial Covenant se dirige a un sistema estelar el cual alberga un planeta similar a la Tierra. Con más de 2.000 colonos a bordo en hibernación, la tripulación debe ser reanimada antes de tiempo debido a una gran explosión estelar que daña seriamente los sistemas de la nave. Nuevamente, una extraña transmisión llama la atención de la tripulación de la Covenant, que cambiará de rumbo para averiguar su lugar de origen.

Claramente, el punto de partida de esta nueva película de la saga Alien es muy similar a la primera película. Y no solamente en lo que respecta al tema de la transmisión sino, otra vez, en el retrato de la tripulación, de nuevo un grupo de ingenieros, técnicos y científicos que, más que eso, parecen vulgares y malhablados matones de bar. Si bien en el film de 1979 Scott acertó plenamente al presentarnos una tripulación cada uno con sus propias filias y temores, con sentimientos y acciones totalmente plausibles en las situaciones extremas con las que debieron lidiar, en Covenant ni guionistas ni director son capaces de hacer creíbles a tan estereotipado hatajo de idiotas.

La tripulación de la Covenant
JAMES FRANCO QUERÍA APARECER EN UN FILM DE ALIEN, Y YA LO HA HECHO... MÁS O MENOS

En una reciente entrevista, Scott declaraba que había aprendido de las críticas a Prometheus para hacer una secuela mejor. Parece que no ha sido así. Es más, da la impresión que ha hecho todo lo contrario, inflando aún más los errores de bulto cometidos en el film de 2012, como el ya mencionado absurdo retrato de los protagonistas. Si en Prometheus ya nos sorprendíamos de las malas decisiones que tomaban sus personajes, en Covenant esas malas decisiones se multiplican, con cosas tan discutibles como acercarse a escasos centímetros de unos hongos alienígenas cargados de esporas, explorar un planeta extraño sin escafandras o acercar peligrosamente a una atmósfera tormentosa una enorme nave espacial cargada con 2.000 personas en hibernación.

Poco pueden hacer la excelente fotografía de Dariusz Wolski (Marte, El Desafío), el vestuario de Janty Yates (Exodus: Dioses y Reyes) o el diseño de producción de Chris Seagers (X-Men: Primera Generación) frente al penoso guion de John Logan (Skyfall, Spectre) y Dante Harper, este último debutando como guionista. Como un verdadero principiante, John Logan nos deja una cinta llena de agujeros de guion capaces de tragarse a la propia Covenant, en la que casi ningún protagonista brilla por méritos propios —quizás algo más Michael Fassbender, siempre efectivo lo pongas donde lo pongas—, ni siquiera la teórica protagonista, interpretada por  Katherine Waterston (Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos)

Ridley Scott junto a Katherine Waterston
INCLUSO NOOMI RAPACE EN PROMETHEUS INTERPRETABA UN MEJOR
PERSONAJE QUE EL DE WATERSTON

La hija del actor Sam Waterston (The Newsroom, Grace and Frankie) ha sido publicitada para esta película como la nueva Ellen Ripley, cuando en realidad poco o nada hace para distinguirse del resto de personajes. No vemos, como en el Alien del 79, a una Ripley sensata y fuerte afrontando todos los retos que se le plantean de manera natural y creíble. No vemos en Covenant a ninguna Ripley despegándose poco a poco del resto de compañeros de misión por méritos propios, convirtiéndose, finalmente, en la protagonista de la película junto al ubicuo xenomorfo. No, no vemos nada de eso en esta película. Aquí, Daniels, el personaje de Waterston, es un miembro más de una tripulación en la que ninguno destaca por nada, un puñado de "camisas rojas" que solo van a servir de carne de cañón para el alienígena de turno. Daniels salva el día solo porque sí, porque estaba ahí y porque a los demás se los han merendado de las maneras más peregrinas e incomprensibles imaginables, no porque ella haya hecho nada para acabar con la amenaza. ¿La nueva Ripley? ¡Venga ya, por favor!

Aparte del nefasto tratamiento de los personajes —ninguno de ellos superaría una entrevista de trabajo real, solo en la Weyland, que parece tener debilidad por los "capullos" para sus misiones de billones de dólares— quienes esperen respuestas a las planteadas en la anterior película van listos. Si en Prometheus se plantaban las semillas de una serie de cuestiones trascendentales acerca del verdadero origen del hombre, en Covenant no solo estos temas no aparecen por ningún lado, sino que se evitan dar las más mínimas explicaciones con un recurso muy sencillo: eliminando de un plumazo (¿o debo decir de un vasijazo?) a quienes podían arrojar algo de luz a dichos asuntos, los conocidos como Ingenieros.

David deja caer su cargamento mortal sobre los Ingenieros
DE ESTA SENCILLA FORMA EL GUIONISTA SE LIBRA DE TENER QUE HABLAR MÁS DE LOS INGENIEROS

En un alarde de chulería narrativa, el guionista se carga en una breve escena todas las posibilidades de que las preguntas sin respuestas expuestas en Prometheus se diluciden. ¿Qué hago si no tengo ni idea de como seguir con una parte de la historia? Pues me cargo a los personajes que pueden arrojar algo de claridad al asunto, en este caso los pobres Ingenieros, masacrados por David, el sintético superviviente de la Prometheus. Olvidaos de conocer más de la cultura y las motivaciones de esos alienígenas porque el guionista y Ridley Scott ya se han ocupado de que eso no pueda suceder. De hecho, el desastre perpetrado por el guionista es tan mayúsculo que la tripulación de la Covenant ni siquiera se pregunta quiénes son todos aquellos seres que yacen muertos en la ciudad fantasma a la que les conduce un encapuchado Michael Fassbender que de nuevo parece estar interpretando su personaje de Assassin's Creed.

Las malas decisiones de los personajes, su falta de carisma o la ausencia de respuestas no son los únicos problemas de esta película. A esos fallos se le une la previsibilidad de la historia. Llegado el momento del encuentro entre el androide Walter con su gemelo David, cualquier espectador mínimamente inteligente se ve venir a kilómetros de distancia el posible giro final de la película. A esta previsibilidad hay que sumarle un cúmulo de escenas absurdas protagonizadas por David y su doble, como la clase de flauta, el momento cultureta citando a Shelley o a Byron, o un momento homoerótico que no sé a qué demonios venía.

Alien: Covenant
EL ALIEN EN MINIATURA, AL QUE SOLO LE FALTÓ SACAR EL SOMBRERO
Y BAILAR COMO EN SPACEBALLS

Ni siquiera las criaturas que aparecen son capaces de salvar la película. Aunque bien modeladas en 3D, las criaturas blancuzcas fruto del patógeno de los Ingenieros no son capaces de ocultar el hecho de que las escenas de acción son confusas, oscuras y mal rodadas, por no hablar de lo predecibles que son. Tampoco voy a ahondar en las inconsistencias sobre el ciclo vital de los xenomorfos que, por arte de birlibirloque, se desarrollan en cuestión de minutos, cuando en films anteriores quedó demostrado que no alcanzaba su madurez tan rápidamente. O qué decir de ese absurdo y patético alien en miniatura surgiendo del pecho de uno de los protagonistas, cuando sabemos que en esa parte del ciclo biológico del xenomorfo este se asemeja más a una serpiente que a otra cosa.

En definitiva, Alien: Covenant ha supuesto toda una decepción, pudiendo afirmar que incluso Prometheus era mucho mejor película, con temas más interesantes y mucho más original que esta. Ridley Scott no ha hecho otra cosa que dirigir un guion que más parece un slasher barato de los 80 que una película de la saga Alien, de la cual me atrevo a decir que Alien: Covenant es la peor de todas. Que Prometheus tuviera momentos sonrojantes no le quita sus méritos, méritos que no aparecen por ningún lado en su secuela. Las malas decisiones de Covenant trascienden a los personajes y alcanzan a los responsables de la producción que, en un alarde de mercadotecnia mal enfocada, incluso han extirpado un par de escenas de la película —la única en la que aparece el actor James Franco y la que explica qué les pasó a la Dra. Shaw y a David— y la han presentado como una especie de cortos que, a menos que seas muy fan de la saga, como yo, la mayor parte del público no habrá visto.


Si eres fan de la saga Alien, una de las más importantes de la cinematografía de ciencia ficción y horror, comprenderás mi indignación ante una película que, lejos de expandir y enriquecer este particular universo, lo único que ha hecho es acercarlo más a su cancelación definitiva. Pero tranquilos, siempre habrá productores sin escrúpulos atentos a cualquier resbalón en la taquilla para canibalizar los elementos que les sean útiles de cualquier franquicia para ofrecernos un nuevo refrito. Que el dios de los Ingenieros nos coja confesados...

El canal Starz decidió llevar adelante el libro American Gods de Neil Gaiman, autor más que conocido para aquellos que somos aficionados a los cómics. Reconozco que empecé a leer este libro atraído por la maravillosa obra Qué le Sucedió al Cruzado Enmascarado, un sentido homenaje al Hombre Murciélago que me hizo interesarme por este autor. Reconozco que el libro lo dejé a la mitad, pero no porque no me gustara, sino porque me resultaba demasiado triste para el momento de mi vida en el que lo estaba leyendo y decidí darle un descanso. A pesar de todo, me parece bastante recomendable y me acerqué a este piloto con curiosidad y esperanza. 

AMERICAN GODS

El capítulo comienza con una escena que no aparece en el libro y que sin duda despistará a quienes esperaban encontrar otra cosa. Una lucha titánica por la supervivencia de unos vikingos que recuerda a las batallas vistas en Spartacus por su violencia explícita. La forma en la que ellos creen salir de ella, que aparentemente no tiene nada que ver con la historia posterior, sí que es clave para entender de qué va la serie.

Rápidamente, conocemos a Shadow, magníficamente representado por el atractivo e imponente Ricky Whittle (Los 100). Convicto por una causa que no se nos revela, recibe un tremendo golpe cuando llega la fecha de salir de prisión. En el viaje de vuelta, se le aparece un misterioso personaje que entabla contacto con él y parece saber mucho más de él que el propio Shadow. Interpretado por el reverencial Ian McShane, cuya presencia ya es más que suficiente para dar una oportunidad a una serie.  

HASTA UN BAR DE CARRETERA TIENE UNA ESCENOGRAFÍA ESPECTACULAR

La serie va mezclando momentos oníricos con reales de una manera muy conseguida, algo que no debe ser fácil de conseguir. Visualmente es muy bella, algo que es común en las series producidas por Bryan Fuller (Criando Malvas, Hannibal). Unas escenas se presentan sin tener aparentemente relación con la historia que nos están contando, pero finalmente conseguirán un puzzle cuya visión final tenga sentido. A pesar de eso, no se hace caótica ni sin sentido, de hecho me han quedado algunas cosas más claras que en el libro, todo un logro en una historia que suma lo cotidiano a lo fantástico en una aparente natural convivencia.

Los hechos más escabrosos del libro no se evaden, sino que son bastante fieles a lo que aparece en el mismo. De hecho, hay alguna escena subida de tono (que no recuerdo del libro) que nos evidencia que estamos ante una serie de cable. Lo que no me queda muy claro es cómo van a llenar la serie si lo mostrado en el piloto es prácticamente un cuarto del libro. 

En estos tiempos de sobredosis de series televisivas, American Gods ha conseguido destacar ofreciendo algo distinto respetando, al menos de momento, la fuente original. Neil Gaiman aparece como productor ejecutivo, aunque hay noticias de que no está conforme con alguna escena sexual subida de tono. Por lo demás, no tiene razones para no estar conforme con la adaptación de una obra tan difícil a la pequeña pantalla. Sin embargo, yo creo que una película o una miniserie de una temporada sería suficiente, y no alargar la cosa de temporada en temporada.

Una buena opción a tener en cuenta si os van las series elegantes pero sin censuras, donde todo puede ocurrir al mezclar lo fantástico con una vida cotidiana. Muy recomendable al menos de momento.

He crecido leyendo los cómics de Spider-Man desde que era pequeño. La bajada de calidad que ha venido sufriendo el personaje desde hace ya bastantes años me alejó de la continuidad. Acontecimientos como One More Day no hacían más que reafirmarme en mi decisión. Sin embargo, reconozco que echo de menos al personaje, de manera que cuando me enteré de esta nueva colección en la que, en un mundo alternativo, Peter Parker y Mary Jane vivían con su hija Anne me animé a hacerme con ella. ¿Ha sido una buena decisión?

El Asombroso Spider-Man: Renueva tus Votos

La lectura de estos tres primeros números me ha dejado sentimientos encontrados. No hace falta ser un anti-Marvel para saber que la idea de explotar a Spider-Man como padre viene del éxito que están teniendo en DC con los hijos de Batman y Superman. Francamente, no me importa si lo que nos cuentan merece la pena. El guión es obra de Gerry Conway, un legendario autor de cómics que estuvo a cargo de la muerte de Gwen Stacy, pero que no por su pasado tenía garantizado saber contar historias en el presente.

Cada uno de los tres números está contado desde un punto de vista: el primero el de Peter Parker; el segundo, Mary Jane; y el tercero el de su hija Anne. Debo reconocer que el primero es el que más me ha gustado. Recuperamos al Peter Parker de siempre, a las órdenes de J.J. Jameson a pesar de ser ya padre. Es sin duda el efecto que buscamos los nostálgicos que renegamos de las historias actuales, y a quienes va dirigido este cómic. La interacción de su familia está muy bien llevada, con líos en la cabeza sobre la lista de la compra mientras se enfrenta al villano de turno. El problema es que esta parte es la que peor se lleva en el cómic. En ningún momento la amenaza da sensación de peligro, resultando una pelea casi caricaturesca. 

LA FAMILIA PARKER HACE DE LA HEROICIDAD SU OCUPACIÓN PRINCIPAL

La cosa empeora todavía más cuando Mary Jane, que de repente ha adquirido superpoderes, aparece también en la lucha. No solo no aporta nada y no es necesario, sino que quita credibilidad al cómic. ¿Por qué han hecho eso? Es una idea pésima, por no hablar de lo imposible que resulta llevar su negocio, atender a su familia y a la vez ser superheroína. No reconozco a la Mary Jane de siempre, se me ha quedado en una heroína genérica más. 

Peor todavía resulta cuando entra en acción su hija Anne, que tan solo tiene 8 años. Resulta casi indecente que se planteen poner a una niña de esa edad a funcionar como superheroína. No costaba nada hacerla un poco mayor, ya que en este caso se entiende que tenga superpoderes heredados de su padre.

EL ASOMBROSO SPIDER-MAN: RENUEVA TUS VOTOS #2

Leídos los tres números, la impresión es que quizás está tomando un tono demasiado superficial para mi gusto, sin profundizar en lo interesante que resulta tener a una familia entera luchando contra los villanos. La aparición de algún niño relacionado con un poderoso enemigo fascinado con Anne no hace más que recalcar la idea de que estemos derivando hacia un público infantil más que el nostálgico.

En cuanto al dibujo, es muy vistoso y bonito, aunque Mary Jane parece más una adolescente poco mayor que su hija en muchas ocasiones. Salvando eso, Ryan Stegman hace un gran trabajo con muchos detalles y modernizando mucho los escenarios.

La nostalgia me puede y de momento sigo con la colección, pero no doy carta blanca en el futuro. Si sigue derivando hacia las desventuras de una niña de 8 años más que las de su padre (no su madre), no creo que la termine. Si potencian al Spider-Man clásico, que se ha hecho mayor como sus lectores y ha formado una familia con el verdadero potencial que supone, seguiré a bordo.

El Asombroso Spider-Man: Renueva tus Votos, #1 al #3
Panini Cómics
Edición original: Amazing Spider-Man: Renew Your Vows 1,2 y 3 USA
Guión: Gerry Conway
Dibujo: Ryan Stegman
Comic-book. 24 - 40 páginas
Precio: 1,95 € - 2,95 €

Con los cómics de la Liga de la Justicia muchas veces he tenido la sensación de que o bien los disfruto mucho, o todo lo contrario. En ocasiones, me resulta confusa la interacción de personajes, y la eterna amenaza alienígena mundial que deben resolver se me hace muy repetitiva. El tomo que recopila la obra de Mark Waid, recientemente editado por ECC Ediciones, debo decir que se aleja totalmente de este caso, siendo una de las historias que más he disfrutado de este autor, hasta el punto de que para mi, la mejor Liga de la Justicia es la de Waid. Os explico por qué.

Grandes Autores de la Liga de la Justicia: Mark Waid - Año Uno

El cómic, escrito en 1998, supone una nueva forma de contar cómo se formó la Liga de la Justicia. De los muchos miembros que han formado parte de La Liga a lo largo de los años, como La Cazadora o Barda, Waid acierta en elegir a los miembros que presenta en el tomo. Los afortunados son Flash, Green Lantern, Aquaman, Canario Negro y El Detective Marciano. A pesar de que aparezca en la portada, Batman no interviene apenas en la historia. En contra de lo que muchos parecen pensar, Batman no es para nada imprescindible para construir una buena historia de la Liga de la Justicia.

Waid aprovecha para presentarnos a una incipiente Dinah Lance, con las inseguridades de su edad y muy alejada aún de la pareja que formará en el futuro con Green Arrow. Conocemos que su pelo en realidad es negro, y lo que supone ser la única chica en un grupo de hombres, tonteos incluidos. También a través de ella sabemos algo de la ya retirada Sociedad de la Justicia, lo que amplía mucho el marco de un grupo que muchas veces, no parece tener más frontera que La Atalaya.

PUES SI, PODEMOS TENER LIGA DE LA JUSTICIA SIN BATMAN, SIN SUPERMAN Y SIN WONDER WOMAN

Waid no muestra héroes perfectos, sino un grupo de chicos inseguros, con choque de caracteres, que sospechan los unos de los otros, pero que a la vez saben que son la única oportunidad para que la Tierra sobreviva. Las fricciones entre ellos dan lugar a momentos realmente divertidos, algo no muy común. Como veis, no falta la casi inevitable amenaza alienígena, pero Waid lo transforma en una lucha emocionante, divertida y trepidante. 

A lo largo de los 12 números que componen el tomo nos da tiempo en profundizar en los personajes, sus vidas personales y profesionales, de una manera cuidada y pensada. Waid no recurre a tópicos, sino que aporta momentos interesantes tanto para los villanos como para los héroes. Los medios de comunicación también cumple su parte en la historia, algo que se suele obviar en un acontecimiento tan importante como ataques alienígenas o supertipos enfrentándolos. Tampoco faltan misterios e incógnitas que deberemos ir descubriendo poco a poco.

CEREBRO DESMEMBRANDO LA LIGA DE LA JUSTICIA... LITERALMENTE

El dibujo, a manos de Barry Kitson, hoy día está muy superado, ya que se centra mucho en los personajes y muy poco en los fondos, por no decir que directamente ni los dibuja. No es un genio de la expresividad tampoco, pero hay que reconocer que para lo que necesita la historia cumple con su cometido.

En definitiva, un excelente cómic que he disfrutado muchísimo. De hecho, he leído otras obras de Waid, incluidas en el coleccionable de La Liga de la Justicia de Morrison y, aunque sean historias autoconclusivas, mantienen el ritmo, la diversión y la frescura. Un excelente cómic que reivindica a la JLA como uno de los grupos superheróicos más versátiles e interesantes del mundo de los cómics cuando se saben tratar.

GRANDES AUTORES DE LA LIGA DE LA JUSTICIA: MARK WAID - AÑO UNO
ECC Ediciones
Edición original: JLA: Year One núms. 1 a 12 USA
Guion: Brian Augustyn, Mark Waid
Dibujo: Barry Kitson
Cartoné, 328 págs. A color.
Precio: 31 €

El 7 de mayo de 1997 se estrena en Francia El Quinto Elemento (Le Cinquième Élément), cinta de ciencia ficción dirigida y coescrita por el realizador galo Luc Besson. Protagonizada por Bruce Willis y Milla Jovovich, el film de Besson se convirtió con el paso de los años en un clásico de culto de la ciencia ficción. Ello no significa que en su estreno fuera un fracaso, al contrario, ya que logró triplicar su presupuesto en la taquilla global. A continuación os dejo con algunos de los hechos y curiosidades de esta mítica película, de nuevo de moda por el próximo estreno de Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas, también dirigida por Besson.

Bruce Willis y Milla Jovovich

VALERIAN+EL INCAL= EL QUINTO ELEMENTO

Devorador en su juventud de cómics de ciencia ficción franceses y belgas, Luc Besson tomó numerosos elementos de los mismos para El Quinto Elemento, sobre todo de autores como Jean-Claude Mézières —precisamente el creador de Valerian, Agente Espacio-Temporal— y Jean Giraud "Moebius". El realizador galo, de hecho, contrató a ambos artistas para la película, diseñando conceptualmente escenarios, vehículos y personajes. Sin embargo, ello no le libró de una demanda por plagio del propio Moebius y su por entonces colaborador en la saga El Incal, Alejandro Jodorowsky. Más tarde, Jodorowsky reconocería que no fueron él y Moebius quienes presentaron la demanda, sino el editor de estos.

PRINCE, ¿EN EL QUINTO ELEMENTO?

Según el diseñador de vestuario de la película, Jean Paul Gaultier, Besson había considerado para los papeles protagonistas a Julia Roberts, Mel Gibson y Prince. Debido a problemas de financiación, el proyecto se retrasó y Roberts y Gibson quedaron fuera del mismo, pero no Prince, quien aprovechando su estancia en París para un concierto, le fueron mostrados los diseños del film. El recientemente fallecido protagonista de Purple Rain rechazó el papel debido a que el vestuario le parecía "un poco afeminado". El papel de Prince recayó finalmente en Chris Tucker y, sí, su vestuario le hace parecer bastante afeminado.

Ruby Rhod (Chris Tucker)
RUBY RHOD (CHRIS TUCKER)

DIVA PLAVALAGUNA

El aspecto de la cantante de ópera alienígena que aparece en la película —Diva Plavalaguna, encarnada por Maïwenn Le Besco, por entonces esposa de Besson hasta que se cruzó Jovovich— permaneció en el más absoluto de los misterios para los actores hasta el rodaje de su escena. Besson quería que las expresiones de sorpresa de los actores en el momento de la actuación de Diva fueran lo más naturales y espontáneos posibles. La alienígena —con la voz de la soprano Inva Mula— interpretaba la canción "Il dolce suono", de la ópera Lucia de Lammermoor. Su nombre no era casual, ya que se inspiraba en el resort croata Plava Laguna, donde Besson solía pasar sus vacaciones.

JEAN PAUL GAULTIER SE GANÓ EL SUELDO COMO DISEÑADOR DE VESTUARIO

Jean Paul Gaultier diseñó más de 1.000 trajes y vestidos diferentes para la producción. Su cometido no se limitó a diseñarlos, sino a asegurarse que todos los extras del film en las escenas de masas lucieran acorde a sus creaciones. Para ello, cada vez que se rodaba una escena en la que había muchos extras involucrados, como una en la que intervinieron más de 500, el propio Gaultier se encargaba uno a uno de que el vestuario no desentonara con sus diseños. Solo una de sus chaquetas costaba cerca de 5.000 dólares.

GAULTIER JUNTO A ALGUNOS DE SUS DISEÑOS PARA LA PELÍCULA

LEELOO

Uno de los innumerables detalles interesantes de la película es el lenguaje de Leeloo, el personaje de Jovovich, inventado por Besson y perfeccionado por la actriz, que ya dominaba cuatro idiomas. Al final del rodaje Jovovich era capaz de mantener conversaciones completas con sus poco más de 400 palabras. La primera vez que Willis y Jovovich rodaron una escena juntos, Besson no avisó al protagonista de La Jungla de Cristal que la actriz le hablaría en el "lenguaje divino", por lo que su reacción de sorpresa es real.

Leeloo (Milla Jovovich)

Otra de las señas de identidad de Leeloo era su pelo anaranjado. El cabello de Jovovich —castaño—debía ser teñido regularmente para que el naranja no perdiera intensidad, dañándolo finalmente, así que hubo que fabricar una peluca que es la que llevó el resto del rodaje.

Elizabeth Berkley fue considerada para el papel de Leeloo, pero el fracaso de Showgirls (1995) fue determinante para que no fuera contratada. Más de 3.000 aspirantes hicieron la prueba para el papel.

Fuentes: IMDb, Mentalfloss, Wikipedia

Guardianes de la Galaxia Vol. 2 es una de las excepciones del dicho "segundas partes nunca fueron buenas". Lejos de los fallos en los que frecuentemente caen las segundas partes de las franquicias, el film dirigido y escrito por James Gunn aporta todo lo que podríamos esperar de una nueva entrega de Guardianes de la Galaxia. Era fácil caer en la repetición, en abundar de nuevo en los mismos temas, pero Marvel y Gunn han sabido, respetando la fórmula que hizo de la película de 2014 todo un éxito, ofrecer un espectáculo a la altura de lo que esperábamos de estos épicos personajes galácticos.

Guardianes de la Galaxia Vol. 2

Tras escapar por los pelos de la armada de los Soberanos, una raza de seres humanoides dorados y bastante orgullosos (que no existen en los cómics Marvel), Star-Lord  (Chris Pratt), el resto del grupo y Nebula (Karen Gillan) hacen un aterrizaje de emergencia en un planeta cercano. Allí conocerán a Ego (Kurt Russell), un ser de aspecto humano que se revela como el padre de Peter Quill, y que se convertirá en el eje central de la película.

Como he comentado al principio, la película de James Gunn sigue ofreciendo lo que podíamos esperar de la continuación de Guardianes de la Galaxia. Ya conocemos los personajes, su situación, por lo que Gunn tiene ahora tiempo de desarrollarlos plenamente, haciéndolos interactuar entre ellos. De este modo, en el generoso metraje del film (136 minutos) vemos como evoluciona la relación de Gamora (Zoe Saldana) y su hermana Nebula, la conexión que se establece entre dos outsiders como Mapache Cohete Yondu Udonta (Michael Rooker), las jocosas conversaciones entre Drax (Dave Bautista) y Mantis (Pom Klementieff) y, lo más importante, el lazo que establecen padre e hijo, Peter y Ego, el Planeta Viviente.

BABY GROOT
BABY GROOT SE CONVIERTE EN UN AUTÉNTICO "ROBAESCENAS" POR MÉRITOS PROPIOS

Estas interacciones entre las distintas parejas de protagonistas de la película añaden aún más interés y profundidad a la cinta que, no nos engañemos, no es más que un espléndido divertimento épico-espacial sin más pretensiones. Aún así, este Volumen 2 me ha resultado bastante más divertida que la primera, a pesar de que la frescura de lo novedoso ya no está presente. Gunn no podía prescindir del tono ligero de la primera entrega, ya que parte del éxito de la franquicia se basa en los chistes, acertados algunos, desafortunados otros, que plagan toda la cinta.

Uno de los aciertos de la película es el personaje que interpreta Kurt Russell. Su papel como Ego, el Planeta Viviente, una especie de Grizzly Adams viviendo en su barroco y solitario paraíso espacial, es uno de los que mejor funcionan. La relación que establece con su hijo, al principio receloso, está bien dibujada y se convierte en el eje central de la película. Peor explicados están, en cambio, los motivos que mueven a su personaje a hacer lo que hace, motivos que no quiero desvelar por si no has visto aún la película.

EGO (KURT RUSSELL)
EGO (KURT RUSSELL), EL MISTERIOSO PADRE DE PETER QUILL

Guardianes de la Galaxia Vol. 2 renueva la fórmula de la primera y la mejora sensiblemente. Esta entrega es más interesante, más épica, más divertida y expande el universo Marvel hasta límites insospechados. El recurrente cameo de Stan Lee con ciertos seres de enorme cabeza, las nuevas razas, el papel de los Saqueadores en esta historia (personajes también ideados por Gunn), con Sylvester Stallone al frente de ellos, o la promesa en una de las cinco escenas post-créditos de la aparición en próximas películas de cierto ser artificial todopoderoso, hacen de Guardianes 2 una de las películas más interesantes de la Fase 3 de Marvel Studios. Sin embargo, es una de las más autocontenidas, ya que los sucesos que en ella suceden poco o nada repercuten en el resto de películas del Universo Cinematográfico Marvel.

Este último punto es otro de los fallos de la cinta de James Gunn, precisamente la falta de repercusiones de los hechos de los que somos espectadores en el resto de este universo. Los planes del villano de la película apenas parecen tener un verdadero impacto, como no sea dejarnos un par de escenas donde Gunn rinde homenaje a la película La Masa Devoradora (The Blob, 1958). En ningún momento parece que los Guardianes estén verdaderamente salvando el universo, más bien solo a ellos mismos. A pesar de ello, eso me basta como espectador porque lo que me cuentan y como me lo cuentan es impresionante, bien narrado y sobre todo, muy divertido. A veces salvar el universo solo es una excusa, y en este caso Gunn aplica esta máxima en toda su extensión.

En resumidas cuentas, Guardianes de la Galaxia Vol. 2, de nuevo con su inteligente uso de la música, su sentido del humor y de la épica, y el interés que despiertan en el espectador sus protagonistas, se convierte en el mejor film de la Fase 3 de Marvel, seguido de cerca por Doctor Extraño y Capitán América: Civil War. Ni la falta de un villano verdaderamente definido ni sus ocasionales fallos narrativos impide que la película se disfrute plenamente y que muchas de sus escenas persistan en nuestra memoria mucho tiempo después de haberse encendido las luces de la sala de proyección. ¿Qué más se le puede pedir a una película de superhéroes?

El mes de junio es el mes de Wonder Woman. Con motivo del estreno de la película en España el 23 de junio, ECC Ediciones tiene preparadas una serie de publicaciones centradas en la princesa de las amazonas que harán las delicias de sus seguidores. A la grapa mensual de Wonder Woman que guioniza Greg Rucka se une el lanzamiento de un coleccionable semanal de 10 tomos que recogen una de las etapas más relevantes del personaje, la que encabezan Brian Azzarello al guion y Cliff Chiang a los lápices.

ECC Ediciones: Novedades de Junio 2017 (Primera Salida)

El cruzado de Gotham también cuenta con grandes lanzamientos, como el tomo Batman: Detective Comics - Anarquía, un volumen en el que se recoge la etapa de Francis Manapul a cargo de la colección del murciélago entre 2014 y 2015. También se pone a la venta dentro de la colección Grandes Autores de Batman el volumen dedicado a Ed Brubaker y su arco La Escena del Crimen, un volumen que recoge los números 598-607 USA de la colección de Batman.

En junio llega también El Nuevo Super-Man, de Gene Luen Yang y dibujos de Viktor Bogdanovic, un superhéroe de "fabricación" china que no dejará indiferente a nadie, sobre todo a los fans de Superman de toda la vida. Y dentro de las reediciones de grandes historias del personaje, en junio sale a la venta el tomo La Boda de Superman, un evento del año 1996 que aún deja sentir sus efectos en el Universo DC actual.

DC CON SPAIN

Además, los días 13, 14 y 15 de mayo se celebra en Kinépolis Madrid Ciudad de la Imagen la DC Con Spain, un evento en el que ECC Ediciones tendrá una presencia destacada. Si queréis conocer más detalles de este encuentro, pinchad en este enlace.

Por supuesto, estas no son las únicas novedades que ECC Ediciones os tiene preparadas para esta primera tanda de lanzamientos de junio. Para conocer el resto, aquí os dejo el PDF con todos sus lanzamientos, a la venta a partir del 23 y 30 de junio.

La línea editorial Hachette Heroes está especializada en publicaciones que podemos enmarcar en lo que se conoce como "cultura pop". Desde los protagonistas de Star Wars hasta los entrañables personaje de las producciones Disney, esta editorial ofrece a grandes y pequeños un catálogo excepcional, con libros temáticos o álbumes para colorear. 

Star Wars. ROGUE ONE

Dentro de su línea Disney/Arteterapia, ya está a la venta el álbum Personajes Clásicos Disney, 100 ilustraciones de personajes Disney de toda la vida para colorear. Estas bellas ilustraciones se inspiran en dos de los más grandes movimientos artísticos del pasado siglo: el art decó y el modernismo. Sin duda alguna, un volumen pensado para que te relajes coloreando estas bellas estampas.


Incluido en su colección Disney/Colorear, ya podéis encontrar en librerías el volumen Disney. Carteles Míticos para Colorear, un excepcional álbum de 112 páginas con mandalas para colorear. Esta vez son los carteles originales de los títulos clásicos de Disney los que sirven de base para dar color a esos momentos en los que tú o tu hijo pequeño deciden sentarse a colorear.


Y si, como yo, preferís el Universo Star Wars, ya está disponible en vuestra librería habitual el álbum Star Wars. ROGUE ONE, un libro para colorear con 60 ilustraciones de la última película de la saga. 

Descubre las excepcionales publicaciones sobre cultura popular de Hachette Heroes en su página web oficial.

Ya estamos en mayo, antesala de las vacaciones de verano, el periodo del año preferido para emprender grandes viajes. Por ello, La Casita Roja ha elegido este mes para lanzar dos nuevas publicaciones para los más pequeños: Vida en Marte, de Jon Agee, y Viaje al Fin del Mundo, de Frank Viva. En la primera publicación, el neoyorquino Jon Agee relata las aventuras de un joven astronauta que, convencido de la existencia de vida en el planeta rojo, decide emprender en solitario tan largo viaje, armado solo con su ilusión y unas magdalenas de chocolate para regalar a los marcianos. En definitiva, una entrañable epopeya espacial para niños a partir de 3 añitos.

Ediciones La Casita Roja: Novedades de Mayo de 2017

En Viaje al Fin del Mundo nos desplazaremos a la Antártida de la mano de un pequeño explorador y su mascota, Ratón, quien no parará de preguntar cuando volverán a casa. Pensado para niños a partir de los dos años, este maravilloso cuento está basado en un viaje que el propio autor realizó a la Antártida, y que le valió en 2012 el prestigioso premio Cybils.  

Descubre otras publicaciones de La Casita Roja en su página web oficial.

Tenemos doble bombazo. A pesar de que recomendábamos que Warner se aplicara en HBO con las series DC, extrañamente no nos han echado cuenta y han hecho otros planes. Van a realizar una plataforma de descarga a lo NETFLIX con productos como la tercera temporada de Young Justice y la segunda bomba, una serie de imagen real sobre Los Titanes. Como poco más sabemos de este nuevo servicio, nos conformamos aconsejar de nuevo a los mandamases de Warner para que tengan en cuenta nuestras humildes peticiones sobre el emblemático grupo de jóvenes superhéroes: 


QUE RESPETE LA ALINEACIÓN CLÁSICA

La alineación original de Los Titanes estaba formada por Robin, Wonder Girl, Speedy, Wally West y Aqualad. La serie de cómics no se cerró por malas ventas, sino porque la calidad de la misma era pésima. A pesar de que tuvieron que esperar a que Wolfman y Perez los rescataran en 1980 y los llevaran a ser el grupo superheróico número uno en ventas, estas primeras historias merecen al menos el respeto de que se mencione que hubo un tiempo en que estos chicos eran los Titanes

QUE SE ALEJE DE LAS SERIES ACTUALES DE DC

No me extenderé mucho ya que me da para otro artículo, pero si de verdad esperan que alguien pague por ver una serie parecida a Arrow, The Flash o Supergirl, van listos. Más les vale esforzarse por revolucionar el género, que va necesitando un paso adelante (y no el de Legión precisamente) y aportar una nueva visión de lo que implica formar parte de un grupo de superhéroes. La fórmula Berlanti está agotada y no da para más.

EL CAMINO MARCADO POR RENACIMIENTO SERÍA UNO DE LOS MÁS INTERESANTES PARA LA SERIE

QUE TENGA UN GRAN PRESUPUESTO

Juego de Tronos se acaba y Westworld no es digna de considerarse su heredera. Necesitamos una nueva serie que deje con la boca abierta al personal, En estos tiempos donde la inmensa cantidad de series hace cada vez más difícil destacar, Los Titanes tendrían lo necesario para marcar la diferencia y llamar la atención como serie obsesiva colectiva. Es evidente que los efectos especiales deben ser lo nunca visto en televisión y, si es posible, tampoco en el cine. Sólo tienen que jugar bien sus cartas porque lo más importante, el material de base, lo tienen.

TONO ADULTO A LO WOLFMAN Y PEREZ

Uno de los grandes logros de la etapa de Wolfman y Perez al frente de los Titanes es cómo profundizaron en la psicología de cada uno de los personajes. No sólo eso, las decisiones que van tomando van teniendo consecuencias y vemos cómo van madurando y cumpliendo años. Al ritmo de los cómics, pero cumpliéndolos. No queremos otra serie insustancial donde no se explota debidamente el potencial de las interacciones entre los personajes, las filias, fobias, amoríos y enemistades... y los momentos de humor inherentes a un grupo de chavales.

EL RESPETO A LA OBRA DE WOLFMAN Y PEREZ NO INCLUYE EL TRAJE DE NIGHTWING...

AVENTURAS ESPACIALES Y TERRENALES

Gran parte de las aventuras de Los Titanes ocurren fuera de la Tierra, luchando en otros mundos como Tamaran, el planeta originario de Starfire, o con criaturas mitológicas. Sería un buen recurso para evitar caer en la rutina y poder contar historias que abarcaran varios capítulos pero no tardaran demasiado en cerrarse. También se encargan de casos más mundanos, de manera que la serie transmitiera la idea de que todo es posible y podemos esperarnos cualquier cosa, como en los cómics. 

A pesar de mis deseos, que el multiatareado Geoff Johns esté ya trabajando en el guión no me da demasiada confianza. Que Berlanti esté en la producción directamente me da ganas de llorar. Todavía hay que levantar el Universo DC en el cine y anunciar películas sin ton ni son cada semana de las que a veces no volvemos a saber nada no da buena espina. Ojalá que se pongan en serio con esta serie y consigan asombrar con ella. Falta nos hace.

En mi post dedicado a los 10 mejores ilustradores de la ciencia ficción cometí el error de no incluir entre ellos a Robert McCall. Bien por olvido, bien porque debía limitar mi lista a solo a 10 artistas, Robert McCall quedó fuera de mi selección personal, cuando hubiera merecido figurar en ella más que justificadamente. 

Exploring The Space Frontier

Robert T. McCall nació en Columbus, Ohio, el 23 de diciembre de 1919. Sus primeros trabajos importantes fueron sus ilustraciones para la revista Life a principios de los años 60 en las que plasmaba el futuro de la exploración espacial, un tema candente en aquellos años. Su arte llamó la atención de la NASA, y le fue encomendado ilustrar sus logros en la carrera espacial. Algunos de sus murales sobre la exploración espacial cubren las paredes del museo del espacio de Washington D.C o el Pentágono, entre otros edificios gubernamentales estadounidenses.

Sin embargo, puede que sus ilustraciones más conocidas por el gran público sean sus pósters y arte conceptual para películas como 2001: Una Odisea del Espacio, El Abismo Negro o Star Trek: La Película. Incluso en un episodio de Star Trek: The Next Generation, el comandante Will Riker alaba las ilustraciones de este gran artista. Robert McCall falleció en 2010 de un ataque al corazón. 

L1 Spaceport


Another Busy Day On Mars

Undersea Horizons



The Prologue and The Promise (detail)


Arizona Solar Farm
Argosy
Alien Intellect
Star Trek: The Motion Picture
2001: A Space Odyssey

The Black Hole
Podeis ver más ilustraciones en su página web oficial, mccallstudios.com.

Para los que somos más o menos aficionados al cine, o lo intentamos, hemos notado que se está perdiendo un curioso arte patrio: las traducciones libres de los títulos de las películas estadounidenses. Si bien cada vez más se prescinde siquiera de traducir, (¿alguien ha visto un cartel donde diga Capitán América: Guerra Civil en vez de Civil War?) en los tiempos de Franco algo así era impensable. Afortunadamente, a cargo de dicha tarea estaba gente realmente capacitada para la tarea, auténticos profesionales que con su inventiva consiguieron mejorar, y mucho, algunos de los títulos que traían dichas películas de Norteamérica. Es por eso que hemos pensado en hacerles un homenaje a través de esta lista de grandes clásicos del cine que debieran haber cambiado sus nombres originales por las geniales traslaciones, que no traducciones, made in spain.

LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (THE SEVEN YEAR ITCH, 1955)

El título original hacía referencia a la crisis matrimonial que se dice aparece tras 7 años de convivencia por aquello de la rutina. Como si Marilyn Monroe no pudiera causar una crisis en un matrimonio hasta en 7 segundos... En un país como España en el que en aquella época ni siquiera existía el divorcio, semejante referencia era todo un atrevimiento. Aquí las riñas matrimoniales eran las que arreglaba Manolo Escobar bailando y cantando a su mujer en un andamio, así que había que pensar algo menos explícito. La Tentación Vive Arriba no solo está lleno de clase, sino que nada dice en el título de que el hombre tentado estaba casado y solo en casa. Porque mirar, lo que se dice mirar, no lo podía prohibir ni Franco.

LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (THE SEVEN YEAR ITCH, 1955)
LA VERDAD, LA PELÍCULA NO ME PARECIÓ PARA TANTO


¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ (DR STRANGELOVE, 1964)

A ver quien va a ver una película que se llama Dr. Amor Extraño, que parece la vida del primo del Doctor Dolittle... Lo último que parece es una sátira de la tensión insoportable que se vivía con la Guerra Fría. En el título españolizado al menos es evidente de qué va la película. Porque ahora nos quejamos de la crisis económica, pero aquello de que una guerra atómica se pudiera desatar a la mínima de cambio no era moco de pavo, aunque Stanley Kubrick supo reírse como nadie. Al final tienen razón los que opinan que cualquier tiempo pasado fue peor.

¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ (DR STRANGELOVE, 1964)
PUES SÍ, HEMOS TENIDO CRISIS PEORES QUE LA ACTUAL


EVASIÓN O VICTORIA (VICTORY, 1981)


En la versión patria, al menos no te cuentan el final de la película. Porque llamándose así, VICTORIA, ya sabe uno como termina el partido de fútbol de los protagonistas. Al menos con el título español te queda la duda de qué pasaría al final e iba uno al cine más inocente. Eso de Victoria también podría ser el nombre de una mujer, en plan biografía tormentosa del siglo XIX, o de la famosa reina británica. Si van un grupo de viejas a verla al cine con esas ideas y se encuentran a Sylvester Stallone en calzones en sus años mozos lo mismo no les sentaba demasiado bien. O lo mismo sí, pensándolo bien...

JOHN HUSTON INTENTANDO ENSEÑAR A LOS AMERICANOS ALGO DE FÚTBOL


CON FALDAS Y A LO LOCO (SOME LIKE IT HOT, 1959)

Algo muy caliente no es tampoco un título que fuera apto para entusiasmar a la censura franquista. Nuevamente Marilyn volvía locos a los hombres. Así que le dieron a la cabeza más que en latinoamérica, donde la titularon Dos Adanes y una Eva, y dieron con el título. Aunque también tiene su mérito, inventándose uno de los títulos más famosos de la historia del cine... al menos de los Pirineos para abajo.

CON FALDAS Y A LO LOCO (SOME LIKE IT HOT, 1959)
OTRO CLÁSICO QUE AFORTUNADAMENTE TOM CRUISE FINALMENTE NO VOLVIÓ A HACER


CENTAUROS DEL DESIERTO (THE SEARCHERS, 1956)

Toma título con poderío y presencia. Con un nombre tan bueno la película solo puede ser un clásico de aupa. Si sabes que sale John Wayne ya sabes que va del oeste. Lo que no queda nada claro es que hacen exactamente Los Buscadores en él. ¿Qué buscaban? ¿Problemas? ¿Oro? Ni idea, vaya título para anticipar que buscaban a una niña raptada por los indios y uno de los grandes clásicos de la historia del cine. También es la película donde más veces se dice tío Ethan del mundo, pero eso no creo que lo tengan en cuenta en el Guinness de los Récords.

CENTAUROS DEL DESIERTO (THE SEARCHERS, 1956)
JOHN WAYNE ES MÁS TÍPICO DEL OESTE QUE LOS CACTUS


SOLO ANTE EL PELIGRO (HIGH NOON, 1952)


Una de las películas que más recuerdo de mi infancia y cuyo título en castellano define perfectamente la situación del atribulado protagonista. La angustia que pasé de pequeño viendo como todo el mundo dejaba solo al buenazo de Gary Cooper y tuvo que valerse por sí mismo ante su enemigo todavía me dura. Una gran película y una gran canción como tema principal que no hay quien anticipe si la hubieran llamado Mediodía como en inglés. 

SOLO ANTE EL PELIGRO (HIGH NOON, 1952)
UN CLÁSICO QUE TRANSCURRE APARENTEMENTE EN TIEMPO REAL


LA SEMILLA DEL DIABLO (ROSEMARY'S BABY, 1968)


Ya me diréis si tiene interés alguno ver una película que se llama El Bebé de Rosa Mari. Nadie duda que un bebé es una monada, pero yo en el cine busco otras cosas. Pues de aquí salió el icónico corte de pelo de Mia Farrow hecho por Vidal Sassoon, para los que no supierais que antes que champú, fue peluquero. Además, aquí sabíamos que por el título, la cosa podría ir de miedo. Y vaya si daba miedo la cosa, sin necesidad de recurrir a sanguinolentas escenas ni trucos baratos. La serie reciente basada en la película no tuvo tanta suerte.

LA SEMILLA DEL DIABLO (ROSEMARY'S BABY, 1968)
PARA UN PADRE, VER UN CARRITO SOLO AL BORDE DE UNA MONTAÑA
YA ES LO MÁS TERRORÍFICO DEL MUNDO

Más adelante os reseñaremos películas más recientes cuyas traducciones son de lo más demenciales.