2016

Cuando una serie es descrita en algunos medios como la nueva Stranger Things, lo menos que uno puede hacer es echarle un vistazo para ver si es cierto. Y, francamente, los dos primeros capítulos que he sido capaz de aguantar me han llevado a la conclusión de que merece el título de Cosas Extrañas más que la primera. Os explico brevemente a qué se debe esta impresión de la serie.


La razón por la que he visto dos capítulos no es porque el primero me haya conseguido enganchar: ha sido para ver si soy capaz de saber de qué narices va la serie. La única conclusión que he sacado es que va de cómo hacer perder el tiempo al que la ve. Donde muchos ven genialidad por poner títulos de créditos a mitad del capítulo, o por mezclar dioses indios con sueños y castigos divinos, yo veo una serie que no es capaz de ofrecer lo más básico: una historia que enganche. Supongo que algunos dirán que hay que ver la serie entera para poder opinar, como si uno dispusiera de tantas horas para tirarlas alegremente por el desagüe. No dudo que la serie tenga un giro supergenial a última hora, que es de lo que hablan en los titulares de cómo mantuvieron el secreto a salvo de lo que ocurre en la serie. Como si tener un misterio fuera lo único necesario para mantener una serie, sin tener en cuenta cosas como la narrativa, personajes interesantes o tener algo que contar. Ese es en realidad el misterio que seguro no han sabido desvelar.

La razón por la que he visto dos capítulos no es porque el primero me haya conseguido enganchar: ha sido para ver si soy capaz de saber de qué narices va la serie.


The OA nos ¿cuenta? cómo Prairie Johnson (Brit Marling), una chica que desapareció hace 7 años siendo ciega, aparece viendo perfectamente. La impresión que causa en su vecindario y en sus padres adoptivos va creciendo mientras ella va poco a poco desvelando qué es lo que ha sucedido. La protagonista (y creadora, lo que explica el desafortunado casting) interpreta a uno de los personajes más mustios que hayan protagonizado una serie de televisión. La cara de angustia no se la quita ni para dormir, lo que a mi al menos me provoca rechazo. Si pretende ser vulnerable, no lo consigue en absoluto.

EL TIEMPO QUE NECESITA PRAIRIE PARA CONTAR SU HISTORIA ES EL DOBLE QUE TARDÓ EN VIVIRLA

Se enredan en contar cosas tanto del pasado como del presente de una manera absurda, que no parece obedecer más que a rellenar horas de metraje sin tener nada que decir. Los capítulos están regados de personajes antipáticos y desagradables, con vidas desastrosas y deprimentes. Ninguno me interesa, y eso que lo he intentado. A ese efecto ayuda a que la lógica en sus actuaciones y decisiones brilla por su ausencia, lo que les aleja aún más del espectador, al menos de mi.

Aparece gente y desaparecen a conveniencia de la historia sin que el sentido común o la credibilidad se tengan en cuenta. Esta claro que cualquier cosa puede pasar, pero que nos entretengan mientras llegamos a ella, no.


Estoy bastante harto de que me quieran convencer de que una serie merece la pena sólo porque hay un giro genial a última hora o porque no te veas venir la explicación a todo. Stranger Things tenía su misterio, pero todos los capítulos tenían su sentido y enganchaba desde el principio sin tener que descansar toda la producción en el desenlace. Espero que se pase esta moda ridícula donde se pretende hacer una serie de donde no hay nada de nada.

Si eres usuario habitual de los foros de las distintas editoriales que publican cómics en España seguramente habrás notado que la gran mayoría de peticiones de publicación se refieren a cómics que, o bien no se han editado nunca en castellano, o bien lo hicieron hace ya muchos años. Ya sea por el efecto nostalgia (la mayoría de las veces) o porque son cómics realmente relevantes, lo cierto es que los aficionados estamos cada vez más interesados en este tipo de publicaciones... y las editoriales lo saben. Otra cosa es que, por diversos motivos, esos clásicos del cómic no puedan ser reeditados, o la editorial de turno no esté interesada en hacerlo porque no vea rentabilidad en ello.

Portada del Micronautas #1, obra de Dave Cockrum

A continuación voy a intentar recopilar una selección (muy personal, eso sí) de colecciones Marvel que considero merecen ser editadas nuevamente, bien porque nunca llegaron a España, bien porque se encuentran actualmente descatalogadas.

NAMOR, THE SUB-MARINER DE JOHN BYRNE

Publicados entre abril de 1990 y abril de 1992, los 25 números escritos y dibujados por John Byrne constituyen una de las colecciones más importantes de Marvel de principios de la década de los 90. El guionista y dibujante canadiense de origen británico embarca al monarca de Atlantis en una serie de trepidantes aventuras conectadas con la participación de Namor en la II Guerra Mundial, su regreso al grupo de Los Invasores o la vuelta al Universo Marvel de un personajes como Puño de Hierro. En España, esta etapa fue publicada por Forum en 14 números de formato prestigio, entre octubre de 1990 y diciembre de 1992, y no tengo noticias de que haya sido reeditada ni haya planes de hacerlo por la editorial de Marvel en España, Panini Comics.

Portada de John Byrne para Namor the Sub-Mariner Vol 1 #13

SOLOMON KANE

Las aventuras del héroe puritano creado por Robert E. Howard aparecieron desperdigadas en diversas publicaciones de Marvel entre 1973 y 1986. La mayoría de sus historias se publicaron en los distintos magazines no sujetos al Comics Code que por aquellos entonces Marvel tenía en su catálogo: Dracula Lives, The Conan Saga, Marvel Premiere y, principalmente, La Espada Salvaje de Conan, entre otros. Autores como Roy Thomas o Doug Moench y artistas como Neal Adams, Al Williamson, Pablo Marcos o Howard Chaykin fueron los encargados de unas historias que merecen una reedición en condiciones en la lengua de Cervantes. Dark Horse, propietaria actual de los derechos del personaje, ha publicado hasta el momento dos volúmenes recopilando la etapa clásica, uno con sus historias en blanco y negro y otro en color. La última editorial española en editar material clásico de Solomon Kane fue Vértice, aunque mal traducidos y peor impresos.

Portada de Marvel Premiere Featuring: Mark of Kane #34, obra de John Buscema y Howard Chaykin

2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO DE JACK KIRBY

Entre noviembre de 1978 y julio de 1978 Editorial Bruguera lanza en España 2001: La Odisea del Espacio, una colección escrita y dibujada por Jack Kirby, la cual ahondaba en los conceptos y personajes creados por el novelista Arthur C. Clarke y plasmados en el film de Stanley Kubrick del mismo título. La colección americana constaba de dos números más, obviados por la edición de Bruguera. Debido al parecer a problemas de derechos con los estudios propietarios del film, estamos ante un material que no ha podido ser reeditado por Marvel desde entonces.

2001: La Odisea del Espacio de Jack Kirby

ROM

Inicialmente pensado como una manera de promocionar unos juguetes electrónicos, este personaje apareció por vez primera en su propia colección Marvel de la mano del guionista Bill Mantlo y el dibujante Sal Buscema a finales de 1979. Superando con creces la popularidad del juguete, la colección de Rom logró alcanzar los 75 números, desde 1979 hasta 1986. Al igual que sucede con la colección de 2001 de Kirby, los cómics de ROM no pueden ser reimpresos ni tampoco ninguna de las colecciones de Marvel en los que el personaje aparezca, a menos que se eliminen sus viñetas y cualquier referencia a el. En España, Vértice publicó los 22 primeros números USA, mientras que Forum, entre 1985 y 1992, hizo lo propio con gran parte de los siguientes, aunque no todos, insertándolos como complementos de la colección de Transformers.

Portada de ROM #9, obra de Michael Golden

VENGADORES COSTA OESTE DE JOHN BYRNE

Tras su etapa en DC Comics, John Byrne vuelve a Marvel y se encarga de la colección Avengers West Coast en su número 42. Fueron 15 números y un anual en los que el autor explora los orígenes de La Visión o la mente de Wanda Maximoff, estableciendo las bases de lo que años más tarde daría lugar a la famosa frase "No más mutantes", pronunciada por la Bruja Escarlata. Forum publicó en España esta etapa en su colección Los Nuevos Vengadores, desde julio de 1990 hasta junio de 1991. En este 2017 Panini Cómics tiene previsto lanzar el quinto tomo recopilando el volumen 2 de West Coast Avengers, que incluiría los números 25 al 32, por lo que es probable que la etapa de Byrne no se edite en España hasta finales de 2017 o principios de 2018.

Portada de West Coast Avengers #43, por John Byrne

JOHN CARTER, WARLORD OF MARS

Desde junio de 1977 a octubre de 1979 Marvel publicó la colección John Carter, Warlord of Mars, 28 números más 3 anuales, escritos por guionistas como Marv Wolfman o Chris Claremont, y dibujados por artistas como Gil Kane, Carmine Infantino, Ernie Colon o Larry Hama. Wolfman, gran fan de los libros de Burroughs, aprovechó un hueco entre los capítulos finales de Una Princesa de Marte y encajó allí las aventuras del John Carter de la Marvel. En inglés podéis encontrar recopilada esta etapa en un tomo en blanco y negro editado por Dark Horse. Marvel, por su parte, tiene otra edición omnibus, pero en color, al igual que la edición original.

Portada de John Carter Warlord of Mars #27, obra de Bob Budiansky y Joe Sinnott

MICRONAUTAS

Esta colección se comenzó a publicar bajo el sello Marvel a principios de 1979, con guiones de Bill Mantlo y dibujos de Michael Golden. Inspirada en unas figuras de la juguetera Mego Corporation, la colección seguía las aventuras de Arcturus Rann, BiotronMarionetteAcroyear, Bug y Microtron en su lucha contra el malvado Barón Karza. Ambientada en el Microverso, la etapa publicada por Marvel consistió básicamente de dos volúmenes: uno de 59 números, dos anuales y cuatro números junto a la Patrulla X; y un segundo volumen de 20 números, al término de los cuales finalizaron los derechos de publicación de Marvel. El paso de los derechos por distintas editoriales - Image, Devil's Due Publishing e IDW - ha provocado que la espléndida época de Mantlo y Golden al frente de esta colección haya podido ser reeditada como se merece, ni siquiera en USA.

Micronauts Special Edition Vol 1 #2, portada de Butch Guice y Josef Rubinstein

WHAT IF

Con nada menos que 12 volúmenes - desde 1977 hasta la actualidad - What if es una de las colecciones más longevas publicadas por la Casa de las Ideas. Sus dos primeros volúmenes, quizás los mejores, fueron publicados en España de manera incompleta por Ediciones Forum hace ya más de 20 años. Existen varias ediciones en inglés que recopilan los primeros 47 números (el primer volumen), así como tomos monográficos centrados en personajes y grupos. Aunque entre aquellas historias hay ideas realmente ingeniosas sobre realidades alternativas del Universo Marvel, las hay también ridículas. A pesar de ello es una colección que ya va siendo hora de que sea reeditada como se merece en la lengua de Cervantes.

What If? Vol 1 #35, portada obra de Ed Hannigan y Terry Austin

FACTOR-X VOL. 1

Estrenada por Marvel en 1986 como una especie de spin-off de los X-Men, Factor-X (o X-Factor, como prefiráis) tuvo un longevo primer volumen que duró hasta 1998. Tras una época inicial escrita por Louise Simonson, en 1991 llega a la colección Peter David, quien inauguraría otra de las mejores etapas del equipo de mutantes. En definitiva, 150 números que en España fueron publicados por última vez por Editorial Forum entre 1988 y 1995. En USA se han editado prácticamente la totalidad de la colección en tomos recopilatorios, por lo que es extraño que Panini España aun no haya anunciado la publicación de esta sensacional etapa en algunos de sus formatos omnibus.

X-Factor Vol 1 #18, portada obra de Walter Simonson

EL HIJO DE SATÁN

En 1973, en pleno auge de las colecciones sobrenaturales de Marvel, Stan Lee tuvo la gran idea de centrar uno de sus cómics en una figura diábolica. La idea, pulida y desarrollada finalmente por el guionista Roy Thomas, dio origen a una colección de solo ocho números protagonizada por Daimon Hellstrom y que trajo no pocos quebraderos de cabeza a la editorial por su temática ocultista. Gil Kane. Klaus Janson, Gene Colan o Joe Sinnott fueron algunos de los nombres que pasaron por esta breve pero interesante colección, no publicada en España desde que Vértice la incluyera en alguno de sus magazines dedicados al terror a mediados de los 70.

Portada de Marvel Spotlight Vol 1 #13, obra de John Romita

La lista es más amplia, pero no quiero abrumaros por ahora con más colecciones que, por múltiples causas o llevan un tiempo considerable sin estar disponibles en castellano, o no han sido editadas nunca en esta lengua. Esperemos que el auge de lo retro y de la nostalgia, factores muy importantes para el lector de cómics, facilite la publicación de unas colecciones en ocasiones muy superiores en calidad e interés a gran parte de lo que ahora se publica.

Por fin se ha editado en España la colección de Detective Cómics de la nueva etapa Renacimiento. La primera alegría la tenemos en que ECC Ediciones va a publicarla en una colección independiente en unos tomos que recopilan 3 grapas. De esta manera, podemos empezar a hilar la historia y no quedarte a medias como ocurre con las grapas de hoy día donde los autores no parecen saber contar una historia en 22 o 24 páginas. ¿Merece la pena seguir esta nueva colección del murciélago?

Batman: Detective Comics Núm. 1 (Renacimiento)

La carta de presentación está cargada de buenas intenciones. Tenemos a James Tynion IV, que ya ha guionizado a Batman pero necesita consagrarse. Esta nueva colección debería ser la que lo consiguiera. A pesar de ser alumno de Scott Snyder, debo decir que supera con mucho a tan dudable maestro, y ofrece mucho de lo que dicho autor en mi opinión carece.

Este comienzo nos muestra a Batman reclutando a una serie variopinta de colaboradores debido a una amenaza. Me ha recordado a cuando lideraba los Outsiders. La gran diferencia está en que tiene a Batwoman no como subordinada, sino como socia. Resulta curioso que es ella la gran protagonista de este tomo. No lo digo a modo de queja. La descripción del personaje es fantástica, dejando clara su forma de pensar y sus motivaciones. Algo que seguro no ha aprendido de Snyder. Supongo que más adelante las tornas irán cambiando y se irá centrando en otros personajes, incluido el propio Batman. Si lo hace así de bien, estoy deseando verlo.

UNA MUESTRA DEL EXCELENTE DIBUJO DEL TOMO

Los diálogos e interacciones entre los personajes son muy buenos, mostrando momentos cotidianos entretenidos y que nos sitúan respecto a cada personaje y sus problemas. Especialmente divertido resulta Clayface, todo un acierto hacerlo cambiar de bando. Dada la historia del personaje, le viene como anillo al dedo. También parece apuntar a una historia mayor con un trasfondo político, pero está por ver a dónde nos lleva eso.

Por poner alguna pega, creo que es demasiada gente la que sabe la identidad secreta de Batman, no me parece normal ni necesario. También he visto algo fácil de vencer a Batman en algún momento. El dibujo es excelente a cargo de Eddy Barrows, ayudado por Álvaro Martínez y Raúl Fernández. Un gran detallismo y colorido, pero sin recurrir demasiado a las viñetas que ocupan una página entera. A cambio, tenemos páginas dispuestas a modo collage (como la de arriba) y una gran expresividad en movimientos y gestos faciales. A destacar las escenas de acción, llenas de espectacularidad y dinamismo.

Una colección que está en perfecta forma camino de los 1.000 números que seguro DC Comics celebrará por todo lo alto. Si siguen así nosotros, los lectores, también.

BATMAN: DETECTIVE COMICS NÚM. 01 (RENACIMIENTO)
ECC Ediciones
Edición original: Detective Comics núms. 934 a 936 USA
Guión: James Tynion IV
Dibujo: Álvaro Martínez, Eddy Barrows, Raúl Fernández
Rústica, 72 págs. A color
Precio: 6,95 €

Este enero, aparte de las dos tandas de novedades que ECC Ediciones va a poner a la venta cada mes a partir de ahora, habrá una tercera entrega de publicaciones que podréis encontrar en vuestra librería habitual a partir del próximo día 17. Esta tercera entrega de novedades no será algo habitual y tan solo se producirá en meses puntuales.

Batman y Superman. Colección Novelas Gráficas

La primera novedad importante de esta tercera tanda de publicaciones es Cages: Edición 25 Aniversario, el multipremiado cómic de Dave McKean, descatalogado durante mucho tiempo, y que ECC te brinda la oportunidad de descubrir. Este enero comienza además la publicación de Batman y Superman. Colección Novelas Gráficas, un coleccionable que intenta recopilar los mejores cómics centrados en estos dos personajes. Entre los 60 volúmenes de que consta la colección encontraremos obras como All-Star Superman, Batman: Amanecer Dorado o el maravilloso cómic de John Byrne Batman/Superman: Generaciones, nunca publicado en España de manera completa.

Podéis ver el resto de novedades que ECC Ediciones os tiene preparadas en el siguiente PDF.

Uno de los títulos más esperados de este Rebirth de DC era sin duda el de Batman. Aunque es el personaje que menos ha sido afectado por los cambios, los ha tenido y no muy positivos. La división en tres colecciones diferentes es otra alegría que nos llevamos, tras la demasiado caótica edición que juntaba Batman y Detective Cómics. Todo un reto intentar leer sólo Detective Cómics con la antigua edición, yo me rendí teniendo todas las grapas.


Ya dejé claro aquí que la era de Snyder me pareció nefasta y que difícilmente quien le siguiera podría empeorar la cosa. Tom King ha hecho un gran trabajo en Grayson, pero hay que reconocer que alejando a Dick Grayson de su ambiente y personalidad. Como este Rebirth va precisamente de recuperar en lo posible lo perdido, tenía ganas de ver cómo enfocaba este autor la serie de Batman junto a un dibujante como David Finch. ¿Merece la pena?

El tomo recopila dos números con el último de Snyder, que tiene a su favor eso mismo... que es el último. El dibujo de Mikel Janin adorna este grapa donde Bruce Wayne hace cosas absurdas como pavonearse delante de Lucius Fox colgándose desde lo alto de un rascacielos como un loco de atar. La solución al conflicto que veníamos arrastrando es la de siempre con Snyder: rápido y sin mucho sentido, faltando como siempre explicaciones, viñetas y desarrollo. Por el contrario, uno que no falta es Duke Thomas chuleando, el personaje mas innecesario actualmente en el universo de Batman. Se pasa por allí para  amenazar con seguir apareciendo en su papel de Robin que no necesita a Batman.

El dibujo de Janin es menos precioso que en Grayson. De hecho, a primera vista Bruce Wayne tiene la misma cara que el Agente 37, solo que algo mayor. Debería haberle buscado otro aspecto, pero qué le vamos a hacer, compensa en otros aspectos y ofrece algunas viñetas impactantes, como en la que se anuncia que Snyder abandona la colección... pero sigue en All Star. ¡Dios, dame fuerzas!

ES UN GRAN DIBUJO, PERO FINCH SABE HACERLO TODAVÍA MEJOR

Y llegamos a lo que de verdad me interesa, el primer número guionizado por King. Debo decir que me ha capturado y encantado, y eso que, a pesar de un gran cliffhanger, podríamos considerarlo una historia de una sola grapa. En ella, un avión corre peligro en Gotham. Detesto profundamente las historias en las que se olvidan que Batman no tiene superpoderes. Sin embargo, a pesar de que aquí lo vemos desviar un avión, está contado de una manera que te la puedes creer. A nivel de cómic, pero te lo puedes creer. Se justifica cada paso que da y se le da una explicación, aunque me sigue sobrando Duke habiendo tantos Robins y teniendo además a Alfred. No falta James Gordon en su clásico papel, ese en el que no parece que nunca haya sido Batman. Hay acción, tensión y emoción a raudales. Tienes la sensación de que Batman está en verdadero peligro, y la reacción de Alfred ante el posible desenlace es realmente emotiva. Una emoción que para mi Snyder no ha sabido transmitir en sus eternos años a cargo del murciélago.

No vemos dónde está el resto de la batfamilia, pero se siente su existencia y tampoco 24 páginas dan para más. El final es fantástico, y desde luego que me ha dejado con ganas de saber cómo sigue la historia. El dibujo de Finch no es el mejor que le he visto pero tampoco se le pueden poner pegas. Una carta de presentación que por supuesto dependerá de lo que siga para ver qué podemos esperar de esta nueva etapa en Batman. Ojalá que esté al nivel de este primer número.

BATMAN NÚM. 56 /1 (RENACIMIENTO)
ECC Ediciones
Edición original: Batman: Rebirth núm. 1 USA (one-shot), Batman núm. 1 USA
Guión: Scott Snyder, Tom King
Dibujo: David Finch, Mikel Janin
Grapa, 48 págs. A color.
Precio: 1 €



Dentro de las novedades de ECC Ediciones de este mes pertenecientes al evento Renacimiento, me apetecía probar con La Liga de La Justicia. Con un grupo tan variado de componentes y con tantas historias como tienen a sus espaldas, uno no sabe que esperar de la JLA. A estas alturas, ya nos hemos encontrado de todo, en el buen y en el mal sentido. No sigo actualmente la colección de la JLA, así que me planteé iniciarla ahora con este Rebirth. ¿Se ha convertido esta colección en otra más a seguir?

Liga de la Justicia: Renacimiento, Número 56/1

Pues la verdad, no será por este número que yo, ni creo que nadie, se enganche a la colección de la JLA. Me sorprende que una cabecera tan importante haya sacado un primer número así. O les ha cogido a contramano, o no me lo explico.

La amenaza que deben enfrentar está realmente muy vista: un ataque alienígena que supuestamente sólo puede vencer la Liga de la Justicia. Y eso que no tengo precisamente una abultada colección de cómics de la JLA. Parece que Bryan Hitch no tenía ni idea de lo que contar, ni cómo dibujarlo, y ha optado por lo más fácil. Se le ha olvidado hacer que el grupo interactúe con sentido. O que los rostros sean reconocibles. También ha desperdiciado una oportunidad única de que aparezcan componentes con los que no se suele contar y que son de lo más interesante. Aparte de la inclusión del nuevo Superman y de las típicas frases desconfiadas de Batman, poco más ofrece este cómic.

VOY A TENER PESADILLAS CON ESA WONDER WOMAN

Deberían haber hecho como con la colección Super Sons y retrasar el lanzamiento si la cosa no estaba lista. Un número así debería impactar. Y lo hace, pero en el mal sentido. Encima de que la historia de unos alienígenas tomando el control de los ciudadanos está ya escrita mil veces, el final no puede ser mas simplón y decepcionante. En vez de elegir qué miembros de la JLA pueden ser más efectivos para cada caso, Batman que no falte. Qué más da si tiene sentido o no su presencia. Que salga y ya está.

Parece que Bryan Hitch no tenía ni idea de lo que contar, ni cómo dibujarlo, y ha optado por lo más fácil. 


Un comienzo de una gran trama, sin prisas, sin necesidad de que termine en el mismo número, sería lo suyo. Dan tanto juego los distintos miembros que no sería necesaria la acción a granel. Eso se desaprovecha y apenas se distingue a uno de otro. Menos mal que llevan uniformes distintos que si no...

Espero que más adelante la cosa se enderece y nos ofrezcan argumentos que merezcan la pena con un dibujo a la altura. De momento, esta grapa no va a formar parte de ninguna de ellas. Hasta la portada da la sensación de haberse visto ya en otras ocasiones. Una verdadera pena.

LIGA DE LA JUSTICIA NÚM. 56/ 1 (RENACIMIENTO)
ECC Ediciones
Edición Original:  Justice League: Rebirth núm. 1 USA (one-shot)
Guión: Bryan Hitch
Dibujo: Bryan Hitch
Formato: Grapa, 24 págs. A color.
Precio: 1 €


Lo prometido es deuda, así que aquí está la segunda tanda de novedades para el próximo mes que ECC Ediciones pondrá a la venta a partir del 3 enero. Destacamos de este segundo lanzamiento el primero tomo de la colección Grandes Autores de Batman dedicado a Ed Brubaker, uno de los mejores guionistas con los que ha contado el hombre murciélago en los últimos 15 años. También llega a las librerías el volumen Action Comics (1938-2013): 75 Años de Superman, un completo tomo que selecciona algunos de los autores más relevantes que han pasado por las colecciones del último hijo de Krypton.

Grandes Autores de Wonder Woman: William Messner-Loebs, Mike Deodato, Jr.: El torneo

Dentro también de la colección Grandes Autores llega la etapa del guionista William Messner-Loebs y el dibujante Mike Deodato, Jr a cargo de Wonder Woman, un volumen que recoge 10 números de una colección publicada en 1994 que revitalizaría al personaje. Y para terminar, el lanzamiento de la colección Pura Maldad, una serie de volúmenes monográficos en los que se recopilarán las historias más representativas de los grandes villanos del Universo DC

Os dejo con el PDF en el que encontrareis estas y el resto de novedades que ECC Ediciones nos tiene preparadas para este mes de enero.

Cuando hace unas semanas saltó la noticia según la cual se estaban volviendo a rodar gran cantidad de escenas de Rogue One: Una Historia de Star Wars, y que el guionista y realizador Tony Gilroy se había hecho cargo, nada más y nada menos, que de arreglar el final de la película, todos los fans de la saga cruzamos los dedos temerosos de lo peor. Sin embargo, y tras ver ayer la película, las dudas y temores acerca de este spin-off de la saga se disiparon... al menos en parte. Y digo parcialmente porque, aunque la cinta que dirige Gareth Edwards (Godzilla) se eleva a la altura de otras entregas de la franquicia en cuanto a entretenimiento, interés y unos brillantes efectos visuales, no consigue satisfacer en otros aspectos que conviene señalar.

Rogue One: Una Historia de Star Wars

El argumento de Rogue One: Una Historia de Star Wars se centra en Jyn Erso, interpretada por Felicity Jones (La Teoría del Todo), Cassian Andor (Diego Luna) y su heterogéneo grupo de rebeldes. Planteada como un precuela directa de los hechos que suceden en el Episodio IV, la cinta de Edwards nos desvela la operación de la Alianza Rebelde que condujo al robo de los planos de la primera Estrella de la Muerte. De esta manera, Rogue One hunde sus raíces profundamente en el Universo Star Wars, enlazando de manera directa y sin solución de continuidad con el film de George Lucas de 1977.

Este encaje milimétrico con los hechos del Episodio IV cumple la labor de contentar al fan más duro de Star Wars y, aunque el esfuerzo puede pasar desapercibido para el público en general, no supone en absoluto un lastre para la película sino más bien un valor añadido. Edwards, los guionistas y el equipo de Rogue One han realizado una labor titánica a la hora de recrear el aspecto visual de las películas originales hasta en sus más mínimos detalles. Localizaciones, naves, atrezzo, vestuario, personajes exóticos, decorados y demás elementos son actualizados, pero sin perder las señas de identidad que los asimilan a esta franquicia. 

Diego Luna, Felicity Jones y el robot K-2SO (Alan Tudyk)

Obviamente, estamos hablando de un film de 2016 frente a una saga iniciada en 1977, por lo que siempre habrá grandes diferencias visuales pero, en esencia, todo lo que vemos en Rogue One parece, efectivamente, perteneciente al Universo Star Wars. Entran aquí en juego los abundantes huevos de pascua más o menos escondidos a lo largo de su metraje, como el tropiezo de Jyn Erso con Cornelius Evazan, el tipo malencarado de la cantina de Mos Eisley del Episodio IV, el breve cameo de R2-D2 y C-3PO, o el recipiente de leche azul de Bantha en la casa de Galen Erso, por citar solo tres de ellos.

Rogue One hunde sus raíces profundamente en el Universo Star Wars, enlazando de manera directa y sin solución de continuidad con el film de George Lucas de 1977.


Mientras que a Rogue One poco se le puede reprochar en cuanto a fidelidad visual en comparación con los films originales, si analizamos sus personajes el veredicto es muy distinto. Tanto Felicity Jones como Diego Luna fallan a la hora de conectar con el espectador, pero sospecho que en parte no ocurre por su culpa. El guión de Chris Weitz y Tony Gilroy, basado en una historia de John Knoll y Gary Whitta, intenta que el dúo protagonista deje una huella en el espectador, pero sin éxito. Al intentar humanizar a Cassian Andor otorgándole una brújula moral más bien discutible pretenden equipararle a una especie de Han Solo, aunque sin el carisma desbordante de Harrison Ford. Jones, por su parte, hace lo que puede con el personaje de Erso, una superviviente nata que se ve envuelta en la rebelión sin comerlo ni beberlo. Son dos personajes asentados en la realidad en un universo de fantasía que, lejos de que conectemos y suframos junto a ellos en su viaje, a lo sumo que llegamos es a asistir impávidos al final de sus aventuras.

Los actores chinos Donnie Yen y Jiang Wen (izquierda)

Mientras que los personajes de Andor y Erso apenas despiertan ninguna emoción, no puede decirse lo mismo de los secundarios, mucho más interesantes que los propios protagonistas. Incluso el cáustico robot K-2SO al que pone voz Alan Tudyk (Firefly) cae mejor que los propios protagonistas. Tanto Chirrut Îmwe (Donnie Yen) como su inseparable compañero Baze Malbus (Jiang Wen) dejan también una buena impresión, al igual que la breve aparición de Forest Whitaker como Saw Gerrera, por cierto un personaje de la serie animada Star Wars: The Clone Wars. Son personajes esquemáticos, apenas esbozados, y que hubieran merecido ser dotados de algo más de trasfondo. Lo mismo le ocurre al piloto imperial renegado Bodhi Rook (Riz Ahmed), tan esquemático que apenas nos explican como y por qué decidió traicionar al Imperio y ayudar a la Alianza Rebelde. ¿Solo porque Galen Erso se lo pidió?

Mientras que los personajes de Andor y Erso apenas despiertan ninguna emoción, no puede decirse lo mismo de los secundarios, mucho más interesantes que los propios protagonistas.


En cuanto al resto del elenco, cumplen su función de manera adecuada, incluyendo algunas viejas caras conocidas que posiblemente sorprenderán a más de uno. Ben Mendelsohn, por su parte, hace un buen papel como el Director Orson Krennic, un villano con bastante más entidad que la que tuvo en El Despertar de la Fuerza Domhnall Gleeson como General HuxMads Mikkelsen, esta vez haciendo de bueno para variar, encarna Galen Erso, padre de Jyn, y el científico responsable del desarrollo y construcción de la primera Estrella de la Muerte. Su personaje es moralmente ambiguo, y las elecciones que hace no son lo suficientemente entendibles por mucho que los guionistas nos lo hayan querido vender como alguien al que no le quedaban otras salidas.

Ben Mendelsohn

Dejando de lado la historia y los protagonistas de la misma, Rogue One: Una Historia de Star Wars peca, en su primera parte, de ser demasiado oscura... literalmente, entrando ya en el apartado técnico propiamente dicho. Primera y segunda parte del film son películas completamente distintas en lo que a la fotografía se refiere. En la primera mitad las escenas más luminosas se reducen a las que transcurren en el planeta Jedha. El resto, tanto las que suceden en la base rebelde de Yavin 4 como las del centro tecnológico imperial, adolecen de una fotografía muy oscura en la que apenas atisbamos los rostros de los personajes. Desde mi punto de vista es un gran fallo porque, aunque comprendo que hayan querido plasmar una historia más asentada en la realidad y, por lo tanto, más oscura, ello no implica que el espectador tenga que quemarse las pestañas en intentar discernir los rostros de los actores en las escenas con menos iluminación. Por cierto, el consejo rebelde parece más una reunión de vecinos en un portal medio oscuro que una verdadera reunión de líderes, nada que ver con el excelente decorado visto en las películas originales.

Dejando de lado la historia y los protagonistas de la misma, Rogue One: Una Historia de Star Wars peca, en su primera parte, de ser demasiado oscura... literalmente.


La segunda parte de la película, por el contrario, tiene toda la luz que le falta a la primera siendo, irónicamente, bastante más dramática. A la batalla final en la base imperial, tanto la que se desarrolla en el espacio como la que sucede en la superficie del planeta, pocas pegas se le pueden poner. La batalla entre la armada imperial y la rebelde, liderada por un comandante calamariano (¡Es una trampa!), trajo a mi memoria instantáneamente la que acontece al final de El Retorno del Jedi, y si bien en esta ocasión eché en falta a personajes tan carismáticos como Lando Calrissian y su copiloto Nien Nunb, no puedo negar que ha sido resuelta de manera espectacular.

Orson Krennic comparece ante Darth Vader

Rogue One, básicamente, repite el esquema de películas anteriores, un detalle que no escapa al espectador. Aun así, la película de Gareth Edwards entretiene gracias a un buen ritmo, unas interpretaciones decentes (aunque Felicity Jones solo parezca tener un registro, el de chica enfadada) y la estrecha conexión con la primera película de la saga original. Darth Vader, en el par de escenas en las que aparece, sigue impresionando... aunque en la versión doblada le falte la voz del inmortal actor Constantino Romero. En cuanto a los personajes humanos recreados digitalmente, y cuya identidad no quiero desvelar, no serán ninguna sorpresa para el fan de la saga. Tan solo añadir que uno de ellos, aunque recreado de una manera muy fiel, todavía se aprecia demasiado su naturaleza artificial, sacando un poco al espectador de las escenas donde aparece.

La batalla entre la armada imperial y la rebelde, liderada por un comandante calamariano, trajo a mi memoria instantáneamente la que acontece al final de El Retorno del Jedi


En definitiva, Rogue One: Una Historia de Star Wars cumple su misión de entretener y contar un capítulo de la saga que, aunque mencionado de pasada en el Episodio IV, sería de gran trascendencia para todo lo que sucedió después. La conexión, a través de multitud de recursos, con el film de 1977 sirve como anclaje y punto de referencia a quienes amamos este fantástico universo, una especie de fan fiction monumental que, sin embargo, cojea en el enfoque dado a sus protagonistas y en una primera parte tan oscura en su planteamiento como en su fotografía. No es un mal comienzo para los esperados spin-offs de la saga centrados en algunos de sus personajes más icónicos, pero Disney quizás debería plantearse que, cuanto más asentadas en la realidad estén esas películas, más alejadas estarán de lo que en su día no fue más que pura fantasía ambientada en una galaxia, muy, muy lejana.

Si a los de nuestra generación, los que nacimos a principios de la década de los 70, nos preguntaran cuales fueron los programas que marcaron de manera decisiva nuestra manera de ver televisión, entre ellos estará, indudablemente, el concurso "Un, dos, tres". La noche de los viernes era la noche más esperada de la semana, no porque al día siguiente no hubiera clase, sino porque se emitía el programa que creara Chicho Ibáñez Serrador.

UN, DOS, TRES, RESPONDA OTRA VEZ. LA HISTORIA DEL MEJOR PROGRAMA DE NUESTRAS VIDAS

Miguel Herrero, verdadero especialista en todo lo referente a los programas de televisión españoles de los 70 y los 80, nos desvela con su obra "Un, dos, tres, Responda Otra Vez. Historia del Mejor Programa de Nuestras Vidas", un libro magníficamente editado por Diábolo Ediciones, los orígenes de este concurso, su evolución, las anécdotas y entresijos, su inevitable final y la influencia que tuvo en la manera de hacer televisión en España. Os dejo con cinco de las muchas curiosidades que el autor nos desvela en su libro, un regalo perfecto, dicho sea de paso, para las inminentes fiestas navideñas.

DON CICUTA

Don Cicuta fue introducido por Chicho Ibánez Serrador como una especia de representación de la censura, ya que era un personaje al que le molestaba cualquier alegría ajena. La dirección de Televisión Española se resistía a que el personaje apareciera en el "Un, dos, tres" ya que, por aquellos entonces, en 1972, aun existía la figura del censor en televisión. Valentín Tornos, que ya contaba con 71 años, fue el único actor que aceptó hacerse cargo del personaje, pues nadie quería interpretarlo por su ridiculez.

VALENTÍN TORNOS, "DON CICUTA"

LAS SECRETARIAS

Las seis secretarias del "Un, dos, tres" llegaron, al igual que Don Cicuta, llegaron a convertirse en todo un icono de la televisión con sus provocativos uniformes (para la época) y sus grandes gafas redondas. Una de las azafatas que más polémica causó en aquellos primeros años del programa fue Agatha Lys, una chica tan guapa que, como confesó Chicho Ibáñez en una entrevista, tuvo que sustituir porque posiblemente a la esposa de algún ministro le pareció demasiado sexy para un programa tan familiar.

LAS SECRETARIAS DE LA SEGUNDA TEMPORADA JUNTO AL PRESENTADOR KIKO LEDGARD

LA CALABAZA RUPERTA

No sería hasta la segunda temporada del programa, ya en 1976, cuando se introduce a la calabaza Ruperta como mascota del "Un, dos, tres" cantando la canción que se convertiría en seña de identidad del concurso. Diseñada por los Estudios Moro, el dibujo animado de Ruperta contó con la propia voz de Chicho Ibáñez Serrador, el padre del programa. 

LOS SUCESORES DE DON CICUTA

Fallecido Valentín Tornos en 1976, Serrador introduce unos nuevos personajes en el programa para que siguieran poniendo el contrapunto negativo a las respuestas de los concursantes: el Profesor Lápiz, Don Rácano y Don Estrecho, este último encarnado por el prestidigitador y showman Juan Tamariz. Cuando alguno de los concursantes se equivocaba en su respuesta, el Profesor Lápiz soltaba una rima humorística con la palabra errada de una manera que parecía espontánea. El truco estaba en que Chicho inventaba las rimas mientras se paraba el programa para consultar los errores de los concursantes, comunicándoselas al actor a través de un micro.

LEDGARD ACOMPAÑADO DEL PROFESOR LÁPIZ, DON RÁCANO Y DON ESTRECHO

RUPERTA VS. NARANJITO

La tercera temporada del concurso se extendió desde 1982 a 1984 y ya se pensaba en sustituir a Doña Ruperta como mascota del "Un, dos, tres". Sin embargo, la simpática calabaza saltó a la primera plana de la actualidad porque la mascota del mundial de fútbol de España 82, Naranjito, guardaba un sospechoso parecido con ella. De hecho, los dibujantes de Ruperta llegaron a demandar judicialmente a los creadores de Naranjito. Incluso Chicho Ibáñez declararía en una entrevista que una mascota como Naranjito no reflejaba la creatividad y el talento de los dibujantes españoles.


Estas anécdotas son solo una muestra de la enorme cantidad de información y curiosidades de todo tipo que Miguel Herrero recoge en su libro. Acompañando al ameno texto de Herrero, cientos de fotografías a todo color nos trasladan a como era aquel concurso, sus caras visibles y las distintas publicaciones sobre televisión que, periódicamente, se hacían eco de cualquier información relacionada con el "Un, dos, tres".

El autor recorre la trayectoria del programa a lo largo de sus 10 etapas, cada una de ellas marcada por alguna característica que la hacía distinta a la anterior, como las diferentes mascotas, la renovación de las azafatas o los cambios en la mecánica del concurso. El final del concurso, en junio de 2004, supuso el final de una era para la cadena pública española, dejando impregnada la memoria de quienes crecimos con este programa con frases, situaciones y, en definitiva, con momentos irrepetibles vividos en familia delante del televisor. 

UN, DOS, TRES, RESPONDA OTRA VEZ. Historia del mejor programa de nuestras vidas
Autor: Miguel Herrero
Diábolo Ediciones
Cartoné, 300 páginas, a color.
Precio: 23,95 €





En un mercado tan altamente competitivo como el cinematográfico tiene cada vez más peso una buena campaña de marketing. Desde muchos meses antes del estreno de cualquier producción se nos bombardea desde los diversos medios de comunicación con avances, clips, publirreportajes, entrevistas, pósters, vídeos virales y toda una serie de estrategias publicitarias, la mayoría de ellas impactantes. Muchas de estas campañas de marketing tienen lugar en la Red, y tienen como objeto hacer llegar a más personas en internet la promoción de un film de una manera impensable hace tan solo algunos años. 


A continuación os dejo con una selección de campañas de marketing cinematográfico que marcaron tendencia o se distinguieron por su originalidad o espectacularidad.

EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR (1999)

En la era previa a la llegada de las redes sociales y la expansión de Youtube, un par de estudiantes de la Universidad de Miami, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, llevaron a cabo una de las campañas de marketing cinematográfico más sorprendentes de finales de los 90. El Proyecto de la Bruja de Blair, un film rodado con apenas 60.000 dólares, consiguió recaudar en todo el mundo la friolera de casi 250 millones, gracias en gran medida a su original promoción. 

Antes de su estreno se divulgó el rumor de que en realidad el film era un documental, basado en hechos reales. Se prepararon falsas noticias de periódico sobre la supuesta desaparición de los personajes de la película, para añadir aún más credibilidad. Además, la página oficial de la película no la mencionaba, sino que se limitaba a narrar una serie de supuestos sucesos relacionados con la Bruja de Blair. Esta campaña viral, la cual duró cerca de un año, hizo que la película fuera, finalmente, todo un fenómeno de masas.

EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR
FALSO CARTEL ANUNCIANDO LA DESAPARICIÓN DE LOS PROTAGONISTAS DEL FILM


MONSTRUOSO (2008)

Producida por J.J. Abrams a través de su compañía Bad Robot, Monstruoso (Cloverfield) es uno de los ejemplos más sobresalientes de marketing viral. A seis meses de su estreno llegó el primer tráiler, el cual mostraba muy poco del film, ni siquiera su título. La fuerza del mismo residía en la imagen de la cabeza de la Estatua de la Libertad cayendo en medio de una avenida de la Gran Manzana. A medida que se acercaba el estreno, sucesivas páginas webs se iban activando para ofrecer misteriosos contenidos y mensajes virales, como números de teléfono que daban acceso a fondos de pantalla o tonos de llamada con el rugido de la criatura del film, todo ello con el fin de conseguir visitas

La expectación ante la falta de información acerca de film fue tal que prácticamente todos los medios se pusieron a lanzar teorías acerca del argumento de la película. Toda esta cantidad de marketing viral dio a la película de Matt Reeves un contexto, una mitología propia, en la cual enmarcarla, como si lo narrado en ella fuera parte de la realidad. Monstruoso contó con 25 millones de dólares de presupuesto, recaudando más de 170 millones.

MONSTRUOSO (2008)
WEB DE LA COMPAÑÍA FICTICIA TAGRUATO LANZADA COMO PROMOCIÓN DEL FILM MONSTRUOSO


INCEPTION (ORIGEN) (2010)

Como es habitual con las películas de Christopher Nolan, Origen estuvo envuelta en un manto de misterio hasta casi el día de su estreno. Durante varios meses, la página oficial de la película solo mostraba una enigmática peonza girando sin parar. El paso siguiente fue plantear una serie de juegos a los visitantes de la web para acceder al póster del film. La campaña se hizo viral cuando fueron apareciendo personas con camisetas en las que figuraba un misterioso código QR que daba acceso a varias webs de temática conspiranoica. Warner también envió a distintos medios cajas con un pen drive y la famosa peonza, incluso un libro con supuesta información clasificada sobre los sueños. El presupuesto de Origen fue de 160 millones de dólares, y recaudó más de 825 en todo el mundo.

INCEPTION (ORIGEN) (2010)
LA MISTERIOSA CAJA ENVIADA POR LA PRODUCTORA A DISTINTOS MEDIOS ESPECIALIZADOS


CHRONICLE (2012)

¿Cual sería tu reacción si vieras a personas realmente volando en los cielos de Nueva York? Esto fue lo que los creativos de la empresa Thinkmodo utilizaron para la campaña viral previa al estreno del film Chronicle, del realizador Max Landis. Esta empresa de marketing, famosa por sus sorprendentes campañas, ideó cinco muñecos voladores muy similares a una persona, cuya fabricación fue encargada a una compañía constructora de aviones a escala. Controlados por control remoto, tres maniquís sobrevolaron durante cinco minutos la Estatua de la Libertad y el entorno del río Hudson, tal y como lo harían los protagonistas de la cinta. La película costó 12 millones de dólares; su recaudación ascendió a los 126 millones.


Estos son solo cuatro ejemplos de como el marketing puede ir siempre un paso más allá a la hora de promocionar una producción cinematográfica. No es de extrañar que los estudios destinen a veces casi tanto a las campañas de promoción de sus películas como a producirlas, ya que en muchas ocasiones una publicidad certera e impactante puede ser decisiva para que una producción cinematográfica obtenga beneficios.

Cuando se anunció por parte de ECC Ediciones el próximo lanzamiento de este tomo, la alegría por los distintos foros no se hizo esperar. La verdad es que no tenía conocimiento de esta obra, pero sí del innegable talento de Darwyn Cooke a los lápices y al guión, así que me lancé a hacerme con este precioso ejemplar para comprobar si era merecedor de tales alabanzas. Una vez leído... ¿cuál es la conclusión?

JLA: LA NUEVA FRONTERA, DE DARWYN COOKE Y DAVE STEWART

Mi conclusión es que estamos ante una obra muy diferente a lo que solemos entender por cómic de superhéroes, al menos actualmente. La obra de Cooke se ambienta en los años 50 norteamericanos. En ella intenta plasmar las impresiones que le quedaron al autor de su infancia: la Guerra Fría, el recuerdo de la II Guerra Mundial, los problemas raciales, la sospecha a la que se ven sometidos los incipientes héroes que terminarán formando la Liga de la Justicia...

Es una obra realmente densa, que a veces me ha dado la sensación de querer abarcar demasiado. Vemos a los héroes luchando contra monstruos increíbles, al más puro estilo pulp, para luego ver enfrentamientos entre los políticos y los héroes que se niegan a ser utilizados por éstos. Por otro lado, se respira la inocencia de la época, con un optimismo que se refleja tanto en los exquisitos dibujos de Cooke, de los que luego hablaré, como en los quizás excesivos mensajes sobre el idealismo, sacrificios imposibles por los compañeros o discursos acerca del sacrificio por los demás.

Es una obra realmente densa, que a veces me ha dado la sensación de querer abarcar demasiado. 


Aparecen tantos héroes que yo, al menos, he tenido el problema de querer más de algunos de ellos, y menos enredos sobre otros temas, como los militares, que no me aportaban nada. También me sobra alguna trama secundaria que distrae todavía más sobre lo que me resulta más interesante de un cómic de superhéroes: los superhéroes.

BATMAN ES UN FORAJIDO EN ESTE TOMO 

Parece que la intención de Cooke es reflejar una época que él vivió, y cómo los héroes hubieran tenido que encajar en ella. Sin embargo, no he tenido la sensación de que éstos sean los verdaderos protagonistas. Casi que podría contar mucho de lo que aquí cuenta sin ellos, dando por momentos la impresión de que son solo una excusa. Vemos aparecer personajes como Selina Kyle, pero sin ejercer de Catwoman ante nosotros. Tal despliegue de personajes complica mucho el empatizar con todos ellos, y más cuando a veces son difíciles de distinguir aunque conozcas bastante del Universo DC, no te digo ya si te son ajenos. Sin embargo, cuando Cooke dedica tiempo a un personaje en cuestión, como El Detective Marciano o Flash, lo consigue con creces. Yo habría dedicado más tiempo a los personajes de La Liga que a luchas con monstruos imposibles, que no dudo que otra persona distinta a mí pueda valorar.

Parece que la intención de Cooke es reflejar una época que él vivió, y cómo los héroes hubieran tenido que encajar en ella.


Destaco también a su favor, algunos momentos realmente emotivos, apoyados más en el precioso dibujo de Cooke que en los diálogos. La expresividad de sus personajes y la belleza de sus diseños pueden adornar cualquier póster. El trabajo que hay detrás de esta obra es asombroso. Si no vais a comprarla, al menos ojeadla cuando podáis en cualquier librería, bien lo merece.

MALOS TIEMPOS PARA LA LÍRICA... Y PARA LOS SUPERHÉROES

El tomo incluye de complemento portadas que merecen se enmarcadas, y distintos bocetos. Como sorpresa, tres historias que se ambientan en esta realidad, y en la que Cooke sí se centra en los héroes. Las he disfrutado enormemente y me habría encantado una línea de cómics basada en este mundo. Genial el enfrentamiento entre Batman y Superman, y la historia de Robin y Kid Flash. Simpática la última protagonizada por chicas. Estas últimas historias sí son lo que yo buscaba en el tomo.

Es innegable la calidad de este volumen, y que estamos ante una obra que callaría cualquier boca que esté en contra del género de los superhéroes. Otra cosa es que yo particularmente esperara más de superhéroes y menos de otros temas que no me resultan tan interesantes. Seguramente muchos no opinen como yo, y sepan disfrutar este tomo tal como ha sido concebido. Lo que es seguro es que no vamos a ver nada parecido nunca más. 

JLA: LA NUEVA FRONTERA
ECC Ediciones
Edición original: DC: The New Frontier Deluxe Edition USA 
Guión:  Darwyn Cooke
Dibujo: Darwyn Cooke, David Bullock, J. Bone
Cartoné, 520 págs. A color.
Precio: 43 €

A diferencia de otras temporadas, nos ha sido imposible desde el blog tener puntualmente la reseña de cada episodio. De hecho, hemos tenido que ver a veces el capítulo de la semana con varios días de retraso. Sin embargo, tras un primer e impactante episodio, no se nos escapa que el resto de episodios no ha estado a la altura. Casi nos hemos encontrado con una temporada sandwich sin relleno, donde sólo valían el primer y el último episodio. Os dejamos con una lista de razones por las que no nos ha convencido esta primera parte de la séptima temporada.

Negan (Jeffrey Dean Morgan)

LO FUERTE PASÓ EN EL PRIMER EPISODIO

Sorprender después de siete temporadas tiene mérito, y más si eres una serie líder de audiencia que es analizada en los medios con cada acontecimiento. Pues lo consiguieron. Los asesinatos de Glenn y Abraham fueron brutales, y el impacto que causó Negan y su Lucille innegables. Si bien era esperable que el siguiente episodio fuera más tranquilo se han tirado casi toda la temporada sin hacer nada interesante. Hasta la muerte de Spencer Monroe era previsible, dado lo inocuo de su personaje. Como si ya toda la temporada fuera a vivir de las rentas de lo visto en el primer capítulo.

CENTRARSE EN PERSONAJES SIN INTERÉS

Que un personaje lleve tiempo apareciendo no lo hace atrayente por si solo. Es el caso de Tara. El episodio centrado en ella comienza mal, con dos desconocidas queriendo pescar cuando a lo que pescan es a Tara. Pero lo que sigue es aun peor: un improbable asentamiento solo de mujeres del cual no saben nada estando tan cerca de donde hay otras poblaciones. Y Tara atrapada en medio de todo, que no ha demostrado demasiada destreza para la supervivencia y sin el carisma suficiente para que todo un episodio descanse sobre ella sin llegar al bostezo. Lo cual nos lleva al siguiente punto.

UNA TEMPORADA QUE HA DEJADO MUCHO QUE DESEAR

MOMENTOS INVEROSÍMILES

Vemos a Tara sobrevivir a un tiroteo de la manera más increíble. Pero luego la reciben de una manera cordial, para luego intentar asesinarla de la manera más evidente. De nuevo, escapa ante el asombro del espectador. La chica que la descubrió en la playa, que no gana nada dejándola vivir y lo perdería todo si se enteran de que no la ha matado, la deja escapar. Pero el premio gordo se lo lleva Carl. Criado a estas alturas con una escopeta en las manos, asesina sin problemas a dos secuaces de Negan que poca elección tenían, para luego dudar cuando tiene a Negan a tiro. Muy coherente todo, si señor. Pero la cosa no acaba aquí. Una vez Negan captura a Carl de la manera más fácil del mundo, no liquida al chico, se dedica pasearlo e intentar machacarlo emocionalmente. Una forma un poco rara de demostrar a los demás qué les ocurre cuando se va contra el.

DESAPROVECHAR A LOS CLÁSICOS 

¿Alguien ha visto a Rick, Carol, Maggie o Michonne esta temporada? Porque yo apenas los he visto. ¿Cómo no están unidos para luchar contra Negan? Tienen la suerte de que no hay cámaras, así que, al menos para desahogarse, podrían ir pensando algo. Daryl no para de ser torturado por Negan para que le termine sirviendo. Apenas ha hecho otra cosa que poner mala cara cuando le vemos, y es evidente que terminaría escapando. Carol está tan tranquila en su cabaña cerca de El Reino, y la conversación entre Rick y Michonne debió ocurrir en el segundo capítulo, no en el último.

CAROL, UNA ZOMBIE MÁS ESTA TEMPORADA

UN NEGAN INCOHERENTE

El más terrorífico de los villanos nunca vistos en The Walking Dead tiene más agujeros que un colador. Una cosa es que no liquide a Rick para controlar al resto. Otra cosa es que deje vivo a Daryl cuando está bastante claro que no se va a dejar dominar por Negan y ha tenido actitudes que no podría tolerar. Tampoco el tour que le hace a Carl tiene demasiado sentido.Y que deje viva a Rosita después de que intenta matarle con un disparo (casi imposible de fallar, otro momento Carl) es imposible. Semejante ego actuaría sin pensar liquidándola. El sometimiento de sus secuaces al mismo tampoco se sostiene demasiado, estando a tiro de muchos que nada tienen que perder por quitarlo de en medio. Al menos el Gobernador ocultaba su naturaleza a sus conciudadanos, Negan no debe tener nadie que lo aprecie, pues a todos humilla.

En resumen, una temporada con poco que recordar. No han ido avanzando, sino que se han perdido en diálogos aburridos que nada aportan. Han desaprovechado la oportunidad de ver al grupo recomponerse poco a poco, no en una emotiva escena final donde faltan los vigilantes de Negan, el cual sorprendentemente deja vivos a todo aquel que demuestra carácter y liquida a quien menos daño puede hacerle. Veremos cuanto nos dura Negan, ojalá que no demasiado.

The Walking Dead no volverá hasta el próximo 12 de febrero, después del parón de mitad de temporada, con un episodio aun sin título. En dicho episodio, continuará la visita de Negan a Alexandria, mientras algunos miembros del grupo continúan buscando suministros. Sin embargo, y como es habitual en este show, las cosas rápidamente se volverán fuera de control. Os dejo con la promo y los dos primeros avances subtitulados.

THE WALKING DEAD, EPISODIO 7X09



Desde que en 2013 fuera anunciado que HBO produciría una serie basada en la película de 1973 Westworld (Almas de Metal), la expectación en torno a este proyecto no ha dejado de crecer. Concluida su primera temporada, y con el anuncio por parte de la cadena de cable de su renovación, el hype y el impacto mediático de Westworld sigue en pleno auge, alimentado por unas críticas, tanto de la audiencia como de medios especializados, que elevan la serie de Jonathan Nolan y Lisa Joy casi al nivel de obra maestra. Pero ¿es Westworld una obra maestra de la televisión? ¿Se convertirá en digna sucesora de Juego de Tronos cuando esta finalice en un par de años? No lo creo, y quiero explicaros por qué. A partir de aquí, aviso de spoilers.


BIENVENIDOS A WESTWORLD, DONDE DESCUBRIRÁN UNA NUEVA DIMENSIÓN DEL TÉRMINO LENTITUD

Aunque esta primera temporada ha contado solo con 10 episodios, en realidad me han parecido 20. Un episodio piloto cocinado a fuego lento ya presagiaba lo que vendría a continuación, es decir, una narrativa con demasiados meandros en los que es fácil perder la paciencia y más fácil aun apretar el botón de avance rápido del mando a distancia. Westworld no es una serie de acción, sino una historia más bien algo pretenciosa construida alrededor de interminables y tediosos discursos sobre qué nos hace realmente humanos.

SI VAS A WESTWORLD, PREGUNTA POR LA DOLORES

Evan Rachel Wood es Dolores Abernathy, uno de los "anfitriones" más antiguos del parque. Dolores es el eje central de la historia y, desde un primer momento y hasta el final, casi toda la acción gira en torno a ella. Aunque no tengo nada que objetar a la interpretación de Rachel Wood, toda su historia me ha resultado demasiado confusa y cogida por los pelos. Los primeros episodios fueron una continua sucesión de escenas en las que Dolores era la protagonista. "Buenos días Dolores" o "No le cuentes a nadie nuestra conversación, Dolores" son solo algunas de las frases que tan machaconamente se nos repitieron a lo largo de un buen puñado de episodios.

JAMES MARSDEN Y EVAN RACHEL WOOD

¡NO VISTAS A LOS ROBOTS, DEGENERADO!

Desde que tuvimos las primeras noticias acerca de esta serie ya estaba claro que íbamos a tener sexo y violencia a raudales. Las series de HBO como Juego de Tronos no se cortan a la hora de mostrar esos elementos y Westworld no iba a ser menos. Sin embargo, y a diferencia de Juego de Tronos, en Westworld los desnudos son bastante gratuitos, por no hablar de la violencia. Un ejemplo de ello es la decisión de los responsable de que los robots estén desnudos mientras se someten a mantenimiento y reparaciones. ¿Por qué? ¿Para no confundirlos con los técnicos? Es absurdo. Incluso taparlos con sábanas o dejarlos vestidos mientras se reparan está mal visto por los técnicos del parque. En realidad, los desnudos plenamente justificados han sido escasos, como los del burdel o el de la bacanal estilo Eyes Wide Shut.

SEÑORES CLIENTES, NO DAÑEN LAS ATRACCIONES

El parque está construido para deleite de sus visitantes, y gran parte de ese deleite consiste en matar, en muchos casos aleatoria e injustificadamente, a los robots o anfitriones. Dejando de lado la viabilidad de una empresa basada en que sus clientes se carguen las atracciones, la violencia mostrada en la serie rebasa muchas veces la frontera de lo admisible. Cuchilladas, disparos, cortes y ahorcamientos son moneda corriente en Westworld, por parte de unos clientes que, más que ricos adinerados, parecen sacados directamente de una prisión para psicópatas sanguinarios. Y luego está la gran incongruencia de las balas. ¿Por qué son capaces de dañar los objetos pero no a los visitantes del parque? ¿Cómo lo hacen para que ningún humano salga herido? Y otra pregunta más importante aún: ¿como distinguen los visitantes a los otros visitantes de los robots?

SIR ANTHONY HOPKINS Y JEFFREY WRIGHT

SI SE ABURRE EN WESTWORLD LE DEVOLVEMOS SU DINERO

Westworld debe ser un parque muy aburrido en realidad. Y así lo creo porque los pocos humanos que vemos interactuando con los anfitriones parecen más aburridos que otra cosa. Además, casi todos ellos aparecen en el burdel poniendo cara de sorpresa cuando alguna chica sintética se le echa encima. En realidad se nos muestran a muy pocos humanos en el parque, dando la impresión que la inmensa mayoría de personas que por allí deambulan son sintéticas. También vemos niños en algunas escenas, lo cual es absurdo en un parque de las características de Westworld.

TÉCNICOS SALIDOS Y MALHABLADOS

Parece que en Westworld los guionistas han vuelto a recurrir al cansino cliché de los científicos salidos y malhablados. En serio ¿hay científicos que se comportan así en su trabajo? Una de las tramas más increíbles de esta primera temporada ha tenido como protagonistas precisamente a dos técnicos de mantenimiento de anfitriones. Uno de ellos, cautivado por la anfitrión Maeve Millay (Thandie Newton), es obligado a alterar su código para escapar del parque, en una de las líneas argumentales más inverosímiles de esta primera temporada. ¿Acaso no hay cámaras en los laboratorios y talleres de Westworld? Parece ser que solo para vigilar a los técnicos necrófilos, no para evitar que una anfitrión obligue a un par de técnicos a que la ayuden a escapar de allí.

Shannon Woodward y Sidse Babett Knudsen (dcha.)

DÍAS DEL FUTURO PASADO

Debo confesar que el giro de guión en el que se nos desvela que hemos estado asistiendo al desarrollo de dos líneas temporales distintas en estos 10 episodios es brillante. La verdad, no lo esperaba. Sin embargo, la forma de llevarnos hasta el momento en el que se nos desvela es caótica. En realidad, parece un inmenso deus ex machina construido solamente para unir las cientos de piezas que conforman el guión de estos primeros 10 capítulos. Unir finalmente en uno dos personajes como William (Jimmi Simpson) y El Hombre de Negro (Ed Harris) es sorprendente (aunque mucho listillo ya se lo hubiese olido en los foros), pero no el modo en que nos han conducido hasta ello.

BEYOND WESTWORLD

Beyond Westworld (Más Allá de Westworld) es precisamente el título de la serie de 1980 basada en el film de 1973 y su secuela, Futureworld (1976). En cambio, en la serie de Jonathan Nolan y Lisa Joy parece no haber nada más allá del parque. Cuando William y su futuro cuñado Logan (Ben Barner) llegan a sus límites no vemos nada en el paisaje que nos diga que hay más allá aparte de una interminable campiña. Tampoco se nos desvela exactamente donde se ubica el parque y cuales son sus dimensiones exactas; solo percibimos que es enormemente extenso. ¿Acaso dejan este misterio para la segunda temporada? Las teorías que han surgido en distintos foros van desde una posible ubicación en Marte hasta otras dimensiones. ¿Por qué no dejarnos atisbar como es el mundo de fuera? Sin duda, una oportunidad perdida de enganchar a un espectador a esas alturas perdido entre tanta divagación filosófica de salón.

Ed Harris

UN VIAJE AL CENTRO DEL LABERINTO

El verdadero laberinto ha sido, sin duda alguna, el guión de esta primera temporada de Westworld. La serie del hermano de Christopher Nolan me ha defraudado por sus diálogos vanos y cargados de pomposidad, rellenos de digresiones que nada aportan al verdadero meollo de la historia. Los espectadores nos hemos llevado 10 largos capítulos acompañando a Dolores en su viaje al interior de su mente consciente... cuando esto podría haberse contado en mucho menos. La falta de conexión con los protagonistas ha sido otro de los grandes retos de esta temporada, ya que la práctica totalidad de los humanos son odiosos... mientras que el resto son máquinas. Tan solo Jeffrey Wright con su interpretación de Bernard ha sido capaz de interesarme un poco. Incluso Anthony Hopkins y Ed Harris, sujetos a diálogos rimbombantes y soporíferos, no han sido capaces de despertar en mi el más mínimo interés por sus personajes.

"PERDIDOS" EN WESTWORLD

He leído algunas críticas de la serie y en muchas de ellas ya se la compara con Perdidos (Lost)... y no precisamente para bien. Y es que Nolan y Joy parecen haber cogido la misma senda que tomó J.J. Abrams (quien también figura como productor ejecutivo de Westworld) en su serie Lost, sembrando cada episodio con secretos y mentiras, trampas y giros de guión que conducían finalmente a ¿nada? Todo en Westworld esconde un secreto, un misterio, un laberinto que ha de ser recorrido en busca de algo que está, o bien en el presente, o bien en el pasado. Es una fórmula que cansa, sobre todo cuando muchos de nosotros ya venimos escaldados de tantas y tantas series que prometían mucho y finalmente no ofrecieron nada o casi nada, tan solo cientos de miles de teorías en diversos foros de internet.


A pesar de lo decepcionante de esta primera temporada, y siendo totalmente sincero, Westworld ha conseguido despertar en mi cierta curiosidad por lo que podría deparar su segunda temporada que, posiblemente, no llegará hasta 2018. El extraordinario diseño de producción, la ambientación, vestuario, efectos visuales, su fotografía, son elementos destacables de una serie que, en mi opinión, se ha perdido demasiado en circunloquios que han lastrado en demasía su narrativa. Quizás en su segunda temporada, resuelto ya el enigma del laberinto, podamos ver una serie menos dispersa y más centrada, con hilos argumentales más coherentes ni tantos secretos metidos unos dentro de otros como muñecas matrioskas