10/01/2015 - 11/01/2015

La serie Gotham en esta segunda temporada no hace más que confirmar que es una oportunidad perdida de hacer algo grande. Sin embargo, para los que seguimos el personaje de Batman desde hace años, estos primeros episodios están ofendiendo gravemente aquello que deben respetar por encima de todo: las señas de identidad de Batman y de su mundo. Se entiende que se tomen sus libertades, como inventarse personajes (el comandante Barnes) o alteren las edades de otros (Harvey Dent es mucho mayor que Bruce). Lo que no tiene perdón es la adulteración de mandatos que deben respetar y se están saltando sin la menor vergüenza. Os dejamos con 5 de ellos.


GORDON PIDE AYUDA AL PINGÜINO.. Y COMETE ASESINATO PARA VOLVER AL CUERPO: El Gordon interpretado por Ben McKenzie no es que se vaya a convertir en un personaje icónico, pero al menos se identificaba a la primera con los chicos buenos. Sin embargo, con tal de volver al cuerpo de policía una vez expulsado, pide ayuda al Pingüino. Como si esto en sí mismo no fuera una aberración, la cosa empeora. Resulta que el trabajito que debe realizarle al villano es ni más ni menos que liquidar a un tipo que le debe dinero. Pues nada, todo sea por una nómina en estos tiempos. Allá que va Gordon diligente a cargarse al tipo. Asombroso. Todo un dechado de honestidad y principios. Ni en un millón de años esto podría darse en el personaje del Comisario Gordon.

BRUCE SOLO TIENE TIEMPO PARA LAS CHICAS: Este tema ya es sangrante. La razón de existir de Batman viene de la obsesión que creció en el desde que sus padres fueron asesinados. No tiene sentido que semejante idea le venga de un dolor que surge años después del proceso. Pues en esta serie, Bruce, lejos de estar retraído y estudiando y transformando su cuerpo, no tiene otra cosa que hacer que ir detrás de Selina. Es más, cuando Theo Galavan le habla del asesinato de sus padres, él prefiere mirar por la ventana a la chica guapa rubia que se baña en la fuente. Muy centrado no está de momento. Para rematar el disipe del chaval, es Alfred el que se preocupa que haga algo de deporte para ponerse fuerte. Con semejantes mimbres, vamos a agradecer que la serie no muestre a Batman nunca, porque lleva camino de tener la presencia de Batmito como mucho...

- ¿TU NO TENDRÍAS QUE ESTAR YA VIAJANDO POR EL MUNDO APRENDIENDO A SER BATMAN?

EL PADRE DE BRUCE TENÍA PLANEADO SU DESTINO: Aunque la muerte de los Wayne era un hecho de violencia callejera, no han perdido la ocasión en la serie de meterlo dentro de una conspiración. Ese no es el problema. El problema es que el padre de Bruce le deje una carta a su hijo poco menos que encargándole una misión. Un poco más y vemos que le tiene preparado un traje de murciélago. Total, ya puestos a inventar, lo inventamos todo. También chirrían las escenas en las que Gordon pide permiso a Bruce para todo, como si no tuviera en Gotham más crímenes que el asesinato de los Wayne.


EL JOKER TENÍA ANTECEDENTES... DE OTROS JOKERS: La mamarrachada que han hecho con Cameron Monaghan insinuando de todas las maneras posibles que era el Joker para luego asesinarlo a la primera de cambio ya tenía delito. Como si hubieran habido varios Jokers a lo largo de la historia de Gotham hasta que se llega al definitivo. Reírse de la audiencia de este modo no tiene perdón. Para mas inri, resulta que de verlo reírse por televisión, media Gotham se quede contagiada de su locura, como si las carcajadas de Jerome fuera el equivalente a su gas de la risa. Y claro, ya cualquiera puede ser el Joker del futuro. Menuda patraña.

¿POR QUÉ HABREMOS PENSADO QUE JEROME SERÍA EL VERDADERO JOKER?

EL PROBLEMA DE GOTHAM ES QUE TODOS ESTÁN LOCOS: La gente que no sabe mucho de Batman, cree que la mayoría de sus enemigos son una panda de locos disfrazados a cual más disparatado. Esta serie parece hecha por esas personas. En este Gotham tan mal documentado, no necesitan a Batman ni a la policía, necesitan camisas de fuerza y un ejército de psiquiatras que lleve algo de cordura a una ciudad que cada vez tiene menos sentido. No sé que sentido tiene sacrificarse por semejante banda de ciudadanos pirados. En The Flash también usan disfraces los villanos, pero no resultan tan sádicos y ridículos como el plantel de Gotham. Además, Batman tiene muchos enemigos y casos que resolver con villanos que no visten como villanos, y que no tienen el nivel de simpleza absoluta con el que aparecen en la serie. No estaríamos hablando de un personaje que ha cumplido 76 años si fuera el caso.

Gotham sigue por el mismo camino por el que empezó. Quizás contente a quienes busquen una serie entretenida sin muchas complicaciones, pero el universo de Batman es tan complejo y lleno de posibilidades que resulta una verdadera lástima semejante desperdicio. Esperemos que en el futuro, se den cuenta

El 18 de octubre de 1985, es decir, hace ya 30 años, se estrenó en Estados Unidos Re-Animator, uno de los films que más influyó en el subgénero de la comedia terrorífica de finales de los 80 y principios de los 90. Vagamente inspirada en una de las novelas cortas de H.P. Lovecraft menos lovecraftianas, la cinta de Stuart Gordon gira en torno a la fabulosa invención del doctor Herbert West, interpretado por Jeffrey Combs, un suero capaz de revivir a los muertos, aunque con desagradables efectos secundarios espectacularmente plasmados en la película con generosas raciones de sangre y vísceras. No vamos a contar la historia de nuevo aquí, sino las curiosidades que existen en torno a una película que se ha convertido con los años en todo un film de culto.


1. RE-ANIMATOR: LA SERIE. La idea de llevar la novela por entregas de Lovecratf Herbert West: Reanimador al cine vino de la mano de quien sería su director, Stuart Gordon quien, tras una charla entre amigos, llegó a la conclusión de que había demasiadas películas sobre Drácula y Frankenstein. Uno de sus amigos le habló de la historia de Lovecraft que Gordon, aunque admirador del genio de Providence, nunca había leído. Tras leerla, decidió que tenía que plasmarla en imágenes pero en principio no pensó en un largometraje, sino en un piloto televisivo de media hora que se ambientaba a principios del siglo XX. La media hora, claramente insuficiente y poco comercial, se transformó en 13 episodios de una hora. El productor Brian Yuzna convenció a Gordon de que la historia merecía ser contada en un largometraje, descartando definitivamente el formato televisivo.

2. HACIENDO QUE LOS MUERTOS PAREZCAN MUERTOS. Aunque el presupuesto no fue nada del otro mundo (900.000 dólares), el equipo de Gordon se tomó bastante en serio el diseño de los efectos visuales y de maquillaje. Por ejemplo, el responsable de maquillaje tomó fotografías de cadáveres reales de una morgue cercana para estudiar los distintos tonos que adopta la piel muerta y así dar mas verosimilitud a los que vemos en el film. También se emplearon mas de 94 litros de sangre falsa en la película, o la carne picada y desperdicios de novillo que se utilizaron para simular el cerebro que es lanzado a la pared de un pasillo en una de las escenas. El equipo que rodaba dicha escena, de hecho, se colocó bolsas de basura sobre la ropa porque no sabían hasta donde llegarían las salpicaduras de los "sesos" falsos.


3. EL SUERO LUMINOSO. Usado ampliamente en otros films fantásticos y de terror de finales de los 80 y principios de los 90, el fluido luminiscente que vemos inyectar a las cobayas humanas del Dr. West es la primera vez que se usa en una producción cinematográfica. Esta sustancia no era otra que la que rellena las barritas luminosas que se usan como luz fría en diversas actividades.

4. GUIÑOS MUSICALES. Las notas del tema de los títulos de crédito iniciales recuerda poderosamente a la banda sonora de Psicosis, obra del compositor Bernard Hermann. Incluso esos mismos créditos iniciales son todo un homenaje a los que el diseñador Saul Bass realizó para la película de Alfred Hitchcock Vértigo. Los guiños musicales de Re-Animator no terminan ahí. En una de las escenas podemos ver, sobre la cama del personaje de Bruce Abbott, el póster del documental Stop Making Sense, sobre la banda Talking Heads y estrenado el año anterior, todo un guiño a la cabeza parlante del doctor Hill (David Gale) reanimada por West.


5. ARNOLD SCHWARZENEGGER APARECE EN RE-ANIMATOR... O CASI. Melvin, el primer cadáver en ser reanimado por West, es interpretado por el actor Peter Kent, el doble de Schwarzenegger en 14 películas, desde Terminator (1984) hasta Un Padre en Apuros (1996).

6. LOS PELIGROS DE ACTUAR DEMASIADO BIEN. Una de las escenas mas perturbadoras de la cinta es aquella en la que un reanimado Dr. Hill (David Gale), abusa del personaje que interpretaba la actriz Barbara Crampton. En dicha escena, Hill tiende a una inconsciente Megan sobre una mesa y, colocando su decapitada cabeza entre las piernas de la chica, la desnuda y abusa de ella. En el audiocomentario de la edición en DVD el resto de los actores especulaba, no sabemos si en serio o en broma, con que la escena de la violación de Megan fue la causa del divorcio de David Gale, poco tiempo después del estreno de Re-Animator. Parece que la mujer de Gale se tomó demasiado en serio la interpretación de su marido... Por cierto, la cabeza cortada del Dr. Hill fue adquirida por el guitarrista de Metallica Kirk Hammett.


7. LA ISLA DE RE-ANIMATOR. Tras el éxito de Re-Animator llegaron las inevitables secuelas: La Novia de Re-Animator (1990) y Beyond Re-Animator (2003). Antes de estas dos Stuart Gordon dirigió From Beyond (1986), llamada Re-Sonator en España, y también con Jeffrey Combs y Barbara Crampton como protagonistas, y basada en otro relato corto de Lovecraft. Sin embargo, esta cinta nada tenía que ver con la saga Re-Animator. La cuarta película, La Isla de Re-Animator, iba a estar inspirada por la obra de H.G. Wells La Isla del Dr. Moreau.

Fuentes: Wikipedia, IMDB, Fast RewindComedy-Horror Films: A Chronological History, 1914-2008

La sexta temporada de The Walking Dead está resultando (por ahora) ser una de las mejores de la serie. En estos tres primeros capítulos, los cuales constituyen un arco argumental completo que aun parece que no ha acabado y cuyas consecuencias parecen imprevisibles, estamos viendo todo lo que se le puede pedir a una serie como esta, es decir, acción, tensión, drama, zombies, vísceras y algún que otro personaje eliminado de la ecuación de manera dramática. Tras un episodio centrado en Alexandria y el ataque a la comunidad por parte de los Lobos y en el que se explicaba la misteriosa sirena que se oyó al final del primer capítulo, en "Thank You" vemos como el cuidadoso plan de Rick de alejar a los zombies de la urbanización se va casi al traste con dramáticas consecuencias para algunos de los protagonistas.


Como he dicho mas arriba, "Thank You" narra los acontecimientos que paralelamente ocurren al ataque de los Lobos a Alexandria. Por lo tanto, hemos de pensar que lo que todo lo que ocurre en el episodio de la semana anterior sucede a la vez que lo que hemos visto esta semana... o no. Si os fijáis en el tiempo que va desde que cesa de sonar la sirena en este capítulo y los tiroteos que se escuchan en la lejanía procedentes de la lucha en Alexandria, no cuadran exactamente con lo que vimos la semana pasada, por lo que podríamos pensar que se ha producido un segundo ataque a la comunidad que aun no hemos visto y que probablemente veremos la semana próxima en el episodio especial de 90 minutos (incluyendo anuncios) que emitirá AMC.

Dejando de lado especulaciones sobre la sirena y los nuevos tiroteos que se oyeron en el capítulo de anoche, hay otra cuestión que no queda muy clara, y es hacia donde se dirige Daryl con la moto, dejando atrás a Sasha y Abraham conduciendo la horda de caminantes. Como suele suceder en esta serie, no están muy claras ni las distancias recorridas por los protagonistas en su devenir ni donde se ubican exactamente los lugares por donde pasan. Esto sucede con la escapada de Daryl. ¿Dónde va? ¿En busca de Rick? ¿Al pueblo? Al final lo vemos de nuevo unirse a Sasha y Abraham surgiendo de una incorporación a la derecha de estos. ¿Ha dado una gran vuelta? Este galimatías topológico solo da pie a pensar que el personaje de Daryl, por razones que se me escapan, es uno de los mas infrautilizados de estos nuevos episodios y que cualquier excusa es buena para quitarlo de en medio de las maneras mas absurdas.


Y quien parece que se han quitado de encima de una manera mas que absurda ha sido Glenn, un personaje que pocos pensaban que podría desaparecer de la serie pero que, sin embargo, nos dejó en el episodio de anoche. El episodio, tal y como estaba escrito, pedía a gritos la muerte de alguno de los protagonistas, ya que la cadena de cosas que podían ir mal en el plan de Rick no paraba de crecer, y un suceso así era la guinda de un pastel sangriento construido a base de malas decisiones, imponderables y gente poco acostumbrada a lidiar con situaciones límite. 

Si lo pensamos bien, la muerte de Glenn a manos de los caminantes ha sido algo así como una "muerte anunciada", si tenemos en cuenta que ha sido el y solo el quien ha apostado su vida por un tipo, Nicholas, al que creía redimido de sus pecados. Pero una cosa es redimirse de los pecados y otra bien distinta estar preparado para enfrentarse a una realidad tan terrible como encontrarte rodeado por una horda de caminantes. Ese es el fatal error cometido por Glenn, pensar que Nicholas, un tipo que había intentado matarlo en un par de ocasiones y un notable cobarde, estaba preparado para sortear lo que otro de sus compañeros, como Michonne o Carol, habría encarado con poca dificultad. Eso es lo que ha provocado la muerte de Glenn, su fe en la persona equivocada.


Y ahora vienen las interpretaciones de si Glenn realmente ha muerto o no a manos de los zombies. Mi opinión personal es que si lo ha hecho, aunque es algo extraño que dicha escena no haya sido la última del capítulo como se hubiera merecido. Otros apuntan a que no vemos donde cae Nicholas y que, por lo tanto, este puede haber caído sobre Glenn, convirtiéndose en un escudo humano y protegiéndolo de las fauces de los caminantes. De acuerdo a ese razonamiento, la sangre y vísceras que vemos en la desagradable escena no serían de Glenn, sino de Nicholas, que está sobre el. Pero, si aceptamos esto, ¿cómo escapa Glenn de ahí?

Aceptémoslo. Glenn se ha ido, aunque no nos guste la manera en que lo ha hecho. Es lo que tienen series como The Walking Dead, que se busca el efecto dramático aun a costa de buenos personajes para que la audiencia no permanezca indiferente ante lo que ve, guste mas o guste menos. A pesar de toda esta polémica, solo podemos calificar el episodio como excelente, una buena muestra que cuando se quieren hacer la cosas bien en una serie, se hacen bien.

Pues si, parece que finalmente ese personaje que pensábamos que nunca sucumbiría al apetito de los caminantes lo ha hecho finalmente. No es cuestión de destripar (y nunca mejor dicho) aquí el episodio emitido anoche (eso lo dejaremos para nuestra crítica, la cual publicaremos luego), pero ya incluso hay algunos que han sembrado la duda acerca de si la muerte de ese personaje es real o no. Os dejo con la promo subtitulada y los dos primeros clips del próximo episodio de la sexta temporada de The Walking Dead, titulado "Here's Not Here", por cierto de 90 minutos de duración (contando los cortes comerciales, por lo que realmente quedará en poco mas de una hora).





Noche de cine en casa. Te reúnes con los amigos a ver uno de los últimos estrenos y claro, hay que preparar algo de cenar, pero unos prefieren pizza, otros hamburguesa... ¿Qué hacer? Dr. Oetker tiene la solución al dilema: su nueva Pizzaburger, una práctica y deliciosa combinación de pizza y pan de hamburguesa que hará las delicias de tus invitados. 


Dr. Oetker vuelve a sorprender a los amantes de la pizza con un producto innovador que aúna unos ingredientes de primera en dos suculentas variedades, con el tierno pan característico de las hamburguesas. Presentadas en envases de dos unidades, las nuevas Pizzaburgers de Dr. Oetker se preparan igual que una pizza tradicional, horneando sus dos mitades y montando una sobre otra cuando estén listas. Olvídate de cubiertos y platos con la nueva Pizzaburger, ahorra tiempo, y queda como un rey ante tus visitas con una pizza que se come igual que una hamburguesa.


No olvides que la nueva Pizzaburger de Dr. Oetker se presenta en dos variedades. La Speciale, con salami, jamón, champiñón y queso, y la Diavolo, para los paladares mas atrevidos, con salami Calabrese, trocitos de chile y queso mozzarella, todo ello sobre las dos mitades de un tierno pan de hamburguesa.

Disfruta comiendo pizza como si fuera una hamburguesa con la nueva Pizzaburger de Dr. Oetker y a seguir viendo la película con los amigos.

La película The Martian (traducida ricamente en España por Marte en vez de El Marciano) está siendo todo un éxito de crítica y público. Sin embargo, como suele ocurrir en una producción de este tipo donde un humano debe sobrevivir en otro planeta, tiene sus errores. Y no me refiero solo a la elección de la banda sonora (que también), sino a inexactitudes científicas que si bien son necesarias para ver una película y no un documental, no está de mas que las sepamos. Empezamos.


LA GRAVEDAD DE MARTE ES 1/3 DE LA TERRESTRE... PERO WATNEY NO LO SABE: Marte es el planeta más parecido, en términos de habitabilidad, a la Tierra del Sistema Solar, eso no lo discute nadie. Sin embargo, lo que si es muy discutible es la campechanía y naturalidad con la que los astronautas pasean por la superficie marciana. Más o menos la misma que tenemos tu y yo haciendo senderismo. El problema es que el peso real de los chicos (y de cualquier cosa en Marte) viene a ser un tercio del de la Tierra. En ningún momento de la película vemos una gravedad distinta a la que conocemos los terrícolas, de manera que Watney podría estar tanto en Marte como en el Cañón del Colorado (de hecho, Damon en realidad estaba en el desierto jordano) gastando una broma viral: sus movimientos no delatan diferencia alguna. 

- EL KILO DE PAPAS EN MARTE SON 3 KILOS EN LA TIERRA. MEJOR NO PONGO UNA FRUTERÍA...

LA ATMÓSFERA DE MARTE ES EL 1% DE LA DENSIDAD DE LA DE LA TIERRA: Las temperaturas en Marte son bastante similares a las de la Tierra, pero con una diferencia. Puede haber 20 grados al sol, y -50 en la sombra generada por una roca expuesta a ese Sol. Esto se debe, entre otras cosas, a que la densidad de la atmósfera no retiene el calor como en la Tierra y no tienen efecto invernado. Esta poca densidad hace que las tormentas que vemos en la película que tanto daño hacen a Watney, en realidad no serían tan violentas. Vientos de 200 km hora en Marte podrían ser lo mismo que una brisa fuerte en la Tierra. 

LA VISIBILIDAD TRAS LAS TORMENTAS: Watney vive varias tormentas en Marte que le produce un gran destrozo en su habitáculo, pero la mayor parte del tiempo pasea por el planeta con un horizonte claro y despejado. Esto no es así en realidad. Las tormentas de Marte, frecuentes, levantan muchísimo polvo, este finísimo. Este polvo tarda mucho en volver a caer, incluso meses. Satélites que observaban el planeta han tenido muchos contratiempos debido a este problema a la hora de hacer sus observaciones, teniendo que esperar a que pasaran los efectos. 

- SI QUIERES QUEDARTE, QUE SEA PORQUE TE PIERDES, NO PORQUE SALES VOLANDO QUE NO CUELA

LA NASA ES AUTÓNOMA... E INMENSAMENTE RICA: La NASA que presenciamos en la película no podría soñarla ni el más entusiasta de la administración. Y es que, lejos de la que le dijo a Obama que no tenían dinero ni para un billete a Florida, dispone de todo el dinero del mundo para enviar naves tripuladas a Marte una detrás de otra. Es más, puede alargar sus misiones, y gastar tropecientos millones de dólares en volver a Marte a por un tipo que se ha quedado allí por algo que no puede suceder. Esto en un país donde los huracanes provocan miles de muertos sencillamente porque nadie fue a rescatarlos. Además, es autónoma, porque las decisiones las toma su director, que responde ante los periodistas como si fuera el Presidente de los Estados Unidos, sin que tenga otra autoridad. Que bonito todo... como dice Neil deGrasse Tyson en su tweet: La prueba de que Marte es fantasía: todos los que toman decisiones importantes son científicos.


LA RADIACIÓN DE LA SUPERFICIE DE MARTE YA ES BASTANTE PELIGROSA COMO PARA PREOCUPARSE DEL PLUTONIO: El problema de que un humano se pasee por Marte aún no está resuelto. No ya por lo que supone llegar allí, sino porque aún no hay tecnología para hacer trajes que nos protejan frente a la la radiación que soporta el planeta, sin apenas atmósfera que la proteja. Dado que la película está ambientada en un futuro, damos por sentado que ese problema se ha resuelto. Lo que no acaba de cuadrar es que Watney se asuste tanto de tener plutonio cerca, ya que si su traje lo puede proteger de lo que hay en Marte, poco le debe preocupar la radiación de nada más.

- ESTAMOS EN EL FUTURO, ¿Y SEGUIMOS TIRANDO DE GASOLINA?

A pesar de todo, la película tiene la bendición de uno de los divulgadores científicos más importantes de nuestros días, el ya mencionado Neil deGrasse Tyson, que sin embargo no dudó en destacar con bastante más sorna los errores de Gravity. Yo, sin ser científico, me pregunto cómo es posible que Watney se quejara de que sólo tenía para escuchar la música disco de su compañera. ¿Acaso no se le ocurrió llevarse un archivo con la música que a él le apeteciese si iba a estar meses en el espacio? 

El 21 de octubre de 2015 Marty McFly llegaba al futuro con el DeLorean modificado del Doctor Brown, un futuro que, sin embargo, dista mucho del presente en el que vivimos, como ya os contamos en un post dedicado a las predicciones fallidas de Regreso Al Futuro II. El film de Robert Zemeckis, aunque habitualmente encuadrado en la categoría de películas sobre viajes en el tiempo, encaja también en la subcategoría de historia alternativa o ucronías, es decir, aquellas historias que se desarrollan en un tiempo que, siendo similar al presente, presenta diferencias mas o menos fundamentales con nuestra realidad.


La verdad es que encontrar siquiera cinco películas que ubicar en esta categoría no ha sido tarea fácil ya que, siguiendo estrictamente la definición de historia alternativa existen pocas producciones. La mayoría de cintas en las que la realidad no es la que conocemos son, en su mayoría, viajes en el tiempo, o sea, nuestra misma realidad solo que extrapolada en un futuro mas o menos distante. Tampoco podemos meter en la categoría de realidades alternas aquellos universos paralelos al nuestro que vemos en algunas películas o series, viniéndome a la mente el de la serie Fringe. También debemos descartar aquellas historias ambientadas en realidades alteradas por un viajero temporal, sea consciente o inconscientemente (El Efecto Mariposa es un buen ejemplo). Así pues, la lista se reduce a solo cinco películas, ya que he descartado varios falsos documentales que han explorado el terreno de la realidad alternativa, como C.S.A.: The Confederate States of America, en el que veíamos la terrible realidad de unos Estados Unidos donde el Sur ganó la Guerra de Secesión.

PATRIA (FATHERLAND, 1994) Estamos en realidad ante un telefilm producido por la HBO en el que vemos una realidad en la que el Día D fracasó, forzando la retirada de las tropas de los Estados Unidos de Europa, dejando vía libre a los nazis. Mientras las naciones europeas, aglutinadas bajo el nombre de Germania, continúan en 1960 en guerra contra la Unión Soviética, los nazis intentan una aproximación a los Estados Unidos, gobernada por el presidente Joseph Kennedy. El film adaptaba una novela de Robert Harris (Enigma, The Ghost Writer) y estaba protagonizado por Rutger Hauer y Miranda Richardson.


EL CUENTO DE LA DONCELLA (THE HANDMAID'S TALE, 1990) Adaptación de la novela del mismo título de la escritora canadiense Margaret Atwood, protagonizada por Natasha RichardsonRobert Duvall y Faye Dunaway y dirigida por Volker Schlöndorff (El Tambor de Hojalata). Tras un atentado islámico en el que son asesinados el presidente y la mayoría del congreso de los EE.UU, un grupo extremista inicia una revolución y suspende la constitución con el pretexto de restaurar el orden. Como consecuencia, el país es renombrado como República de Gilead, un lugar donde los derechos de la mujer son duramente recortados en un régimen cristiano fundamentalista.


ATRAPADO (WHITE MAN'S BURDEN, 1995) En esta alegoría contra el racismo protagonizada por John Travolta Harry Belafonte nos vemos sumergidos en una realidad alternativa en la que los roles sociales de blancos y negros en los Estados Unidos se han visto intercambiados: la clase dominante es afroamericana, mientras los blancos viven en guetos y se enfrentan a todo tipo de prejuicios raciales.


RESISTANCE (2011) En este drama británico basado en la novela del mismo título del escritor galés Owen Sheers asistimos a una II Guerra Mundial alternativa en la que la Unión Soviética ha caído bajo la maquinaria nazi y el Día D ha sido todo un fracaso, lo que da pie a la invasión de las Islas Británicas por la Wehrmacht alemana. La película, protagonizada por Michael Sheen (Masters of Sex), se centra en la resistencia civil contra los ocupantes nazis y como este contingente armado crea el caos entre las tropas alemanas. Al parecer, el propio Winston Churchill impulsó la British Resistance Organisation ante la mas que probable ocupación nazi de Gran Bretaña. Afortunadamente, nunca hubo de recurrirse a ella.


RICARDO III (RICHARD III, 1995) Antes que Ian McKellen y Robert Downey Jr. se hicieran mundialmente populares gracias a su papeles como personajes de los cómics Marvel protagonizaron este drama británico basado en la obra del mismo título de William Shakespeare. Ambientada en una Gran Bretaña de los años 30 en la que la iconografía que rodea al poder se asemeja enormemente a la de los nazis, Ricardo III nos presenta un país en el que incluso algunos de sus monumentos y edificios mas destacados no son como los conocemos o no están en el lugar que deberían. McKellen interpreta a Richard, Duque de Gloucester, quien lidera un gobierno fascista en Gran Bretaña muy similar a la Alemania de Hitler.


El próximo 20 de noviembre se estrena Jessica Jones, la segunda de las series que Marvel Television ha encomendado a la cadena de streaming Netflix, por cierto recién implantada en España con un primer mes de suscripción completamente gratuito como fenomenal reclamo. Como había sido anunciado, hoy se ha dado a conocer su primer tráiler completo, mas de dos minutos de metraje que aun no habíamos visto, donde el personaje de Krysten Ritter (Breaking Bad) nos muestra sus poderes en toda su extensión y atisbamos una muestra del terrible adversario que va a suponer para la heroína El Hombre Púrpura, a quien da vida David Tennant (Dr. Who). Os dejo con el tráiler en versión original subtitulada en castellano.



Este mes de octubre, las novedades de Tyrannosaurus Books son mas interesantes que nunca. Con la festividad de Halloween a las puertas no podía faltar un cómic como Lecturas de Cementerio, una divertida propuesta de Dkillerpanda, un estudio gráfico barcelonés que ha recibido varios premios en los ámbitos de la ilustración y el cómic. En este volumen, Dkillerpanda homenajea en clave de humor a los personajes mas clásicos del terror, como el hombre lobo, Frankenstein, o el fantasma de la opera, entre otros.


En 1977 se publica El Martillo de Lucifer, de Larry Niven y Jerry Pournelle, una novela post-apocalíptica en la que, con una enfoque tremendamente realista, se narran las consecuencias que tendría en nuestro planeta y en nuestra civilización, la caída de un gran cometa. Tyrannosaurus Books rescata esta sensacional novela, todo un clásico de la ciencia ficción, descatalogada en nuestro país desde 1983. Niven y Pournelle relatan con gran verismo las consecuencias de una catástrofe planetaria y como es la vida de los humanos supervivientes.

Y para los amantes del cine de terror en general y del cine de David Fincher en particular, Tyrannosaurus Books lanza este mes Seven. Los Pecados de David Fincher, un estudio exhaustivo del icónico film desde el punto de vista de autores como Ángel Sala (director del festival de Sitges), John Tones, Quim Casas, Fausto Fernández, Daniel Ausente, Noel Ceballos y Jorge Gorostiza, todos ellos coordinado por Desirée de Fez, crítica cinematográfica.

Que actualmente vivimos la época dorada de la televisión nadie lo duda. Sin embargo, podríamos preguntarnos cómo empezó todo, ya que esta situación no se debe a la pura casualidad. ¿Cuál fue la primera serie que apostó por un cambio, por creer que se puede hacer cine en la televisión? La respuesta más unánime que encontraréis es la siguiente: Los Soprano. En 1999, simbolizando que el cambio de siglo y milenio también supondría una revolución en la televisión, se estrenó en HBO Los Soprano. Este hecho no es baladí, ya que la serie estuvo a punto de estrenarse en FOX, canal en abierto que no habría podido permitir los cientos de insultos y el nivel de violencia que contenía la serie. David Chase, su controlador creador y guionista que no ha permitido un cambio en sus diálogos durante los 86 episodios, seguramente habría preferido dejarla en una película de dos horas antes que dejar que adulterasen su producto para poderlo emitir.


La historia de Tony Soprano, un nombre que ya ha forma parte de la cultura popular, y que conocerás aunque no hayas visto la serie, caló tanto en la audiencia como en la crítica. Por un lado, se convirtió en la serie más rentable del cable, con audiencias que podían competir con la de las series emitidas en abierto, e incrementando las carísimas suscripciones a HBO. Por el otro, la serie fue una mina de ganar premios, siendo la primera serie de cable en conseguir un Globo de Oro y un Emmy a la mejor serie dramática. HBO mimó su producto hasta el punto de permitir a su creador, David Chase, tardar más de lo normal entre temporada y temporada, para poder tener tiempo suficiente de quedar satisfecho con el resultado de sus guiones.

Uno de los secretos de la serie es su realismo en mostrar las inquietudes de un capo de la mafia que, en realidad, se parece al resto de nosotros más de lo que creeríamos. Desde Livia, la retorcida madre de Tony, inspirada en la madre del propio Chase, y sobre todo los problemas familiares, laborales y las dudas existenciales que llevan a Tony a consultar a una psiquiatra. Todo es perfectamente reconocible en Los Soprano. De hecho, a Chase no sólo le felicitaban verdaderos capos de la mafia, sino que le daban consejos para la serie. 


Los Soprano se convirtió en un fenómeno mediático que permanece hasta hoy día, teniendo desde videojuegos online hasta un variado merchandising que sigue en plena forma. Por desgracia, la prematura muerte de James Gandolfini en 2013 cerró las puertas a una posible recuperación del personaje de Tony Soprano en una hipotética séptima temporada. 

Es posible que, si la ves ahora, te parezca que técnicamente Mad Men o Boardwalk Empire están mejor realizadas o tengan menos fallos narrativos. Sin embargo, ni la una ni la otra habrían existido sin Los Soprano. Y no solo porque buena parte del equipo creativo de ambas series provenga de Los Soprano, sino porque gracias a Tony Soprano, la televisión perdió el miedo a hacer protagonista a un villano, a mostrar la verdadera violencia sin tapujos y el lenguaje de las calles. Un punto de inflexión que ha hecho no sólo temblar al cine, sino que estrellas de la gran pantalla dejen de considerar la televisión algo menor y deseen tener su propia serie. Un cambio que, de momento, no parece tener vuelta atrás.

Como he mencionado, esta serie se convirtió en un fenómeno cultural tan importante que, aparte de libros de cocina o filosofía inspirados en el modo de vida de sus protagonistas, incluso se lanzaron juegos de apuestas, como las tragaperras de Los Sopranos de slotsheaven.cl, un casino online con una gran variedad de juegos como el blackjack, el póker, los dados o la ruleta, entre otros muchos. Este portal de juegos te da la opción de jugar online o descargarte la aplicación, lo cual otorga grandes ventajas y promociones. Jugar es muy sencillo: regístrate, deposita tu apuesta y juega en uno de los casinos online mas seguros de la web, con asistencia personalizada las 24 horas y el que cuenta con una mayor y mejor variedad de juegos temáticos, como las tragaperras de Los Sopranos, de todo internet.

Este segundo episodio de la sexta temporada de The Walking Dead se aleja bastante del temido episodio tranquilo que no aporta nada que hemos sufrido en otras ocasiones. El comienzo ha sido algo extraño. Conocemos cómo llego Enid, la lánguida y triste adolescente, a Alexandria. La verdad es que la muerte de sus padres, o no está bien contada, o directamente eran estúpidos. Sin embargo, lejos de ser un episodio de transición o de presentación de personajes, estamos ante el que puede ser uno de los capítulos más brutales de la serie que no puede dejar indiferente a nadie.


Si nos quedamos la semana pasada con la intriga de saber de dónde provenía la bocina que hizo que las hordas zombies se dirigieran a Alexandria, las emociones de este episodio han sido tan fuertes que ni me acordaba para cuando se resuelve el misterio. Este episodio evidencia la frase que tanto le gusta recordar a Kirkman sobre su serie: el peligro no son tanto los zombies como el ser humano. La acción se ha centrado totalmente en Alexandria, hasta el punto que no hemos visto ni a Rick ni a su grupo en este capítulo. Ni falta que ha hecho viendo lo trepidante que ha resultado. Una banda de asesinos crueles y despiadados toma Alexandria con la misión de degollar sin piedad (es más, disfrutando con ello) a todo el que pillen. La filosofía que han seguido los habitantes de Alexandria hasta la llegada de Rick los ha hecho presas no fáciles, sino facilísimas ante esta panda de salvajes propia de la era de los bárbaros. La violencia ha sido extrema, ya que al no contar con armas sino con cuchillos, las escenas han sido muy brutales. Uno se pregunta si este tipo de actitudes tendrían sentido ante una hecatombe zombie o no son más que búsqueda de espectáculo por parte de los creadores de la serie. El enemigo está claro y es común a todos los supervivientes, y la unión es la opción lógica ante esta situación. Sin embargo, comprobando las noticias, recuerdo cómo soldados de las Naciones Unidas que supuestamente han ido a ayudar en situaciones de guerra, han terminado cometiendo toda clase de abusos aprovechando la aparente impunidad de sus actos. Y no son gente que se han criado lejos de la barbarie de otras tierras donde nacen pegados a un machete, sino gente que ha crecido en sociedades desarrolladas. 

QUE ME EXPLIQUEN QUE HACE UN PALO FRENTE A UN MACHETE...

Este grupo de asesinos ha llegado a la edad adulta en una sociedad normal, pero las circunstancias han podido sacar lo peor de ellos, hasta el punto de disfrutar de la matanza que han perpetrado. La clave la tenemos en la respuesta que ofrece uno ante la pregunta de Morgan: "No podemos elegir". Es evidente que están sometidos a un jefe, que suponemos conoceremos en breve. Por cierto, el papel que ha adoptado Morgan me cuesta de creer. Hasta Teresa de Calcuta habría renunciado a la pose pacifista ante semejante ataque. Sin embargo, el renuncia a matar a una panda de locos irracionales que degüellan a todo el que se cruzan. Tampoco me convence que un grupo de tipos armados, aunque sea con armas blancas, se fuera a amilanar con un tipo de mediana edad y un palito, por habilidoso que sea. Me lo puedo creer en Daredevil, que para eso es una serie de superhéroes, pero en TWD no. Carol ha demostrado dos cosas a la vez: que es una gran guerrera en todos los sentidos, y que no piensa encariñarse con ningún niño más. Atención a la frase que le dirige al hijo de Jessie. Difícilmente volverá a pasar por una inofensiva ama de casa que pierde el sentido con las recetas. Dejarla en Alexandria  ha sido la mejor elección por parte de Rick.

W Y JSS, UN EPISODIO LLENO DE SIGLAS

Sin embargo, el momento más emocionante del episodio no lo consideraría las muertes tan brutales que hemos visto, sino el momento en el que la antigua senadora, Deanna, se protege de los ataques y con la mirada, se da cuenta de lo equivocado que ha sido no estar preparados ante posibles ataques de humanos. Hasta Jessie termina defendiendo a Rick ante su hijo con la perspectiva del tiempo. Por cierto, los adolescentes, como ya advertimos, no parecen estar muy al tanto de lo que les rodea. Desde Enid que decide irse (¿a dónde?) como si nada pasara, hasta el hijo de Jessie, con broncas estúpidas en una situación en la que no se las pueden permitir. Parece que los chicos traman algo mas allá de lo que conocemos, con las reuniones sospechosas que observa Carl. Ya veremos si deriva en algo, aunque reconozco que son bastante odiosos todos y si los zombies se los comieran o los salvajes los capturaran tampoco iba a ser una tragedia, al menos para este que os escribe. 

DEANNA SE ARREPIENTE DE NO HABER DADO CURSILLOS DE TIRO EN ALEXANDRIA

Este episodio también nos ha servido para conocer un poco mejor a los habitantes de la comunidad, como Denise, a la que de poco le han servido sus estudios de medicina para salvar a una chica atacada por los salvajes. Por supuesto, Eugene, solo se dedica a estorbar, como el odioso cura. A ver cuando empieza a ser de utilidad y deja de enredar para variar. En definitiva, un buen episodio que no ha dado un respiro. Y si, nos hemos enterado de dónde venía la bocina. Lo que no sabemos es si finalmente los zombies llegarán a Alexandria, o se les ha podido controlar una vez la bocina dejó de sonar. En el próximo episodio lo sabremos.

Uno de los retos que un director como Guillermo del Toro tiene que superar cada día es toda esa legión de gente que ve al realizador mexicano como alguien disperso, que no termina casi nunca de rematar adecuadamente las empresas (en este caso películas) que emprende. Muchos son los rumores que hablan de Del Toro y de sus eternos proyectos enquistados, como la adaptación de la novela corta de H.P. Lovecraft En Las Montañas de la Locura, el film sobre la Liga de la Justicia Oscura, en el limbo de Warner Bros., o la tercera parte de la saga Hellboy, que los fans del personaje creado por Mike Mignola (y John Byrne, no lo olvidemos) tanto estamos demandando. Y mejor no hablar de las contradictorias noticias sobre la secuela de Pacific Rim, que un día se hará y al siguiente no... A pesar de todos estos altibajos y contratiempos, Del Toro encuentra lugar en ocasiones para realizar proyectos que, una vez estrenados, demuestran el profundo amor del mexicano por el fantástico en su vertiente mas clásica. Uno de esos proyectos mimados por Del Toro es Crimson Peak (La Cumbre Escarlata aquí en España, una película con una desbordante imaginería visual a caballo entre el drama romántico gótico y el cuento de fantasmas decimonónico.


Mia Wasikowska (Alicia en el País de las Maravillas) es Edith Cushing (atentos al guiño en su apellido), una chica de clase acomodada empeñada en dedicar su vida a la escritura en un mundo eminentemente masculino. Un día, un atractivo noble británico venido a menos, encarnado de manera sobresaliente por Tom Hiddleston (Los Vengadores), se cruza en su camino cuando este acude a su padre a pedir financiación para una maquinaria de extraer arcilla de su invención. Embelesada por el encanto desbordante de Sir Thomas Sharpe, Edith, en un dramático giro de los acontecimientos, se verá arrastrada junto a este y su inquietante hermana (Jessica Chastain) al viejo mundo, a la mansión familiar de los Sharpe conocida con el sobrenombre de La Cumbre Escarlata.

Ante todo hay que decir que La Cumbre Escarlata no es una película de horror en el sentido en el que el término es conocido en la actualidad. En los tiempos que corren en los que tan de moda están las cintas de terror de metraje encontrado hechas con cuatro duros, los espectáculos gore, o cintas zafias de serie directamente Z, es raro encontrar producciones como Crimson Peak. El film de Del Toro, como defino en el primer párrafo, remite mas al horror clásico de fantasmas y casas encantadas que a nada que actualmente llegue a las carteleras (o plataformas de V.O.D.), con un estilo retro que supone toda una delicia para los sentidos.


Sin embargo, y por otro lado, no podemos definir La Cumbre Escarlata como estrictamente un film de horror, sino mas bien como un drama romántico gótico, con todos sus ingredientes, aunque sin caer en la exageración ni la parodia involuntaria, como si ha sucedido con otras producciones similares. Y es que, si eliminamos el elemento sobrenatural del guión de Del ToroMatthew Robbins (guionista sin acreditar de THX 1138 y Encuentros en la Tercera Fase y autor del libreto de Mimic), la historia no se ve sensiblemente alterada. 

Al funcionamiento del film contribuyen de manera notable la verdadera pareja protagonista del film: Lucille y Thomas Sharpe, los hermanos interpretados respectivamente por Chastain y Hiddleston. El intérprete británico deja atrás los excesos del dios nórdico de la mentira y nos deleita con un personaje mas matizado, cuyo encanto no solo encandila a la joven Edith, sino a la propia audiencia. Hiddleston encarna al perfecto noble parásito, un tipo encantador que, incluso a pesar de que el espectador es consciente de sus oscuras intenciones, cae bien hasta el final. Chastain, por su parte, nos regala también una gran interpretación, un papel de bella mujer con el alma negra de esos que tanto gustan al espectador.


En lo que respecta al apartado visual, Del Toro cuida en extremo la decoración de las estancias donde transcurre la historia, una vetusta mansión que se cae a trozos (literalmente) que, sin embargo, conserva una belleza hipnóticamente atrayente, toda una metáfora de la pareja de hermanos que encarnan Hiddleston y Chastain. Y es que la mansión de los Sharpe es el cuarto de los protagonistas tras los dos hermanos y Edith Cushing, un ser enorme y sombrío que incluso sangra a través de sus viejos tablones la roja arcilla que da nombre al paraje en el que lentamente se hunde. No es extraño que la historia haya sido pensada para ser representada entre las lóbregas paredes de la vieja mansión la mayor parte del metraje, un rasgo teatral que no solo no resta espectacularidad a la película sino que le añade aun mas interés si cabe y que le sienta como un guante.

En definitiva, pequeñas joyas como La Cumbre Escarlata, todo un homenaje de Del Toro al horror en su sentido mas clásico, son las que, contradictoriamente, dan vida y renuevan un género, el terror, que parece atrapado por lugares tan comunes y trillados como el found footage, la serie Z mas casposa, los exorcismos o, como no, los zombies. Muy recomendable para los amantes del terror y para todos aquellos que aun no han perdido la fe en un director cuya trayectoria, si le dejan, puede aun depararnos muchas y gratas sorpresas.

A la espera de que AMC revela la sinopsis del episodio tercero de la sexta temporada, titulado "Thank You", el cual se emitirá el próximo 25 de octubre en USA, os dejo con la promo y el primer clip subtitulados en español, en los que vemos que los caminantes están a un lejos de dejar de ser una amenaza para la comunidad de Alexandria.




Tras una reciente trayectoria ciertamente irregular, Ridley Scott parece haber dado en la tecla con su última película, Marte (The Martian). Con un nada desdeñable reparto, la cinta cuenta la historia de supervivencia del astronauta, botánico e ingeniero Mark Watney (Matt Damon) quien, tras ser dado por muerto por sus compañeros de misión, es abandonado en el planeta rojo con casi nulas posibilidades de supervivencia hasta la llegada de la siguiente nave de rescate. La película, centrada casi exclusivamente en el personaje de Damon, una especie de Robinson Crusoe espacial, es una entretenida historia de supervivencia en la que se combinan de manera bastante acertada las explicaciones científicas y la ficción pura y dura. La película, sin embargo, no es redonda, a pesar de las casi unánimes críticas positivas que está cosechando a nivel mundial.


Sin duda, el punto fuerte del film de Scott es su ritmo. A pesar de los 140 minutos de duración de The Martian, la acción tiene pocos altibajos, aunque esto es en detrimento de algunos elementos que hubieran aportado algo mas de realismo a la historia, elementos estos de los que hablaré mas adelante. Así, desde el mismo inicio del film con el astronauta Watney siendo abandonado en Marte hasta el final de la cinta, la dirección de Scott y el guión de Drew Goddard dejan poco respiro ni al propio protagonista ni al espectador. 

Como es de esperar, el foco de la historia está puesto casi permanentemente en el personaje de Damon, un papel en el que este vuelve a interpretar a un explorador espacial, como ya hizo en la reciente Interestellar, de Christopher Nolan. Sin embargo, ahí quedan las similitudes, ya que Mark Watney en nada se parece al tipo que vimos en el film de Nolan. En The Martian, en cambio, Damon da vida al típico chico simpático y bonachón, con el que no es difícil conectar casi de inmediato. Quizás lo mas extraño sea la decisión del guionista (no se si es así en la novela de Andy Weir en la que se basa el film) de no otorgar a Watney una familia, tan solo unos padres que este brevemente menciona casi al final de la película, ya que el resto de sus compañeros de misión si que la tienen.

EL HUERTO DE PATATAS MARCIANAS DE WATNEY

Sin embargo, y aunque el foco principal de la acción se centra en Watney y sus intentos de supervivencia en un lugar tan hostil, tenemos una segunda trama argumental en la Tierra, con el control de la misión Ares III ayudando en la distancia al náufrago espacial. Ahí tenemos a personajes como el interpretado por Jeff Daniels, Teddy Sanders, director de la NASA, Mitch Henderson (Sean Bean), director de vuelo de la Ares, Chiwetel Ejiofor como el director de la misión a Marte, Kristen Wiig como la relaciones públicas de la agencia, y papeles menores como el de la técnica de satélites Mindy Park (Mackenzie Davis)Rich Purnell (Donald Glover), un joven astrónomo. Esta subtrama, a la vez que ofrece un contraste necesario a la soledad de Watney en el planeta rojo, ofrece también una perspectiva de las consecuencias del suceso en la Tierra, llegando incluso a que el gobierno chino desvele su programa espacial secreto para ayudar a traer de vuelta al astronauta. Este es precisamente uno de los elementos desafortunados de la película, no solo por su implausibilidad, sino porque es un descarado guiño a la taquilla china, donde gestos tan políticamente correctos como este seguro que son bien recibidos.

Otro de los elementos flojos de la película es la infrautilización de los compañeros de misión de Watney. Obviamente, la historia se centra en dicho personaje y sus tribulaciones para sobrevivir en Marte pero ello da pie a que actores como Jessica Chastain (también compañera de reparto de Damon en Interestellar), Kate Mara (4 Fantásticos), Michael Peña (Ant-Man) o Sebastian Stan (Capitán América: El Soldado de Invierno) enseguida desaparezcan de la película y no sea casi hasta su último tercio cuando de nuevo tengan cierta relevancia. Esto provoca que, cuando volvemos a encontrarnos con ellos, tan solo sirven como meros figurantes sin relieve en el último acto del film, simples estereotipos de como debe ser un astronauta ideal, casualmente todos ellos con familias o parejas felizmente esperando su regreso a casa. No hay asomo en el guión de Goddard de roces ni caracteres difíciles, y no hay discusión ni voces disidentes cuando las decisiones mas difíciles deben ser tomadas en la misión, decisiones que pueden costar la vida a todos ellos.

WATNEY JUNTO A SUS COMPAÑEROS DE MISIÓN

En lo que respecta al punto de vista técnico y visual de The Martian, pocas pegas podemos poner a la película. Tanto los interiores del habitáculo marciano de Watney como la Ares III, primorosamente construidos en unos estudios de Budapest, reflejan con bastante realismo lo que podríamos observar en una misión de estas características. El diseñador de la producción, Arthur Max, colaborador habitual de Ridley Scott, ha sido el encargado del look visual de la película, con habitáculos, naves, enseres, vehículos y vestuario coherente con lo que una misión de esta envergadura puede ser en un futuro próximo (el film parece estar ambientado 20 años en el futuro). El polaco Dariusz Wolski tampoco hace un trabajo desdeñable como responsable de la fotografía haciendo que el desierto jordano se parezca a las planicies marcianas donde se desarrolla la historia.

La solvente banda sonora, de Harry Gregson-Williams, solo se ve enturbiada en ocasiones por la elección de música disco de los 70, la cual, aunque me encanta, me chirría como música de fondo para esta película. La elección de este tipo de música buenrollista no es casual. Si analizamos el mensaje del film, este nos transporta a un futuro cercano en el que, lejos de guerras y distopías, nos espera un luminoso destino en las estrellas, con Marte como primera parada (por cierto, una elección exploratoria tachada de machista por ciertas asociaciones ultrafeministas norteamericanas, quienes apostaban en su lugar por ¡Venus!). Este escenario optimista se subraya no solo con la solvencia y determinación de su protagonista principal, sino con la música disco setentera, la única que parece estar disponible en su reducido hábitat marciano. Por cierto, pequeño guiño del compositor Gregson-Willians en el tema de los créditos iniciales al film Alien, en el cual, si escucháis atentamente, suenan unas notas que os trasladarán momentáneamente al film de 1979.

Concluyendo, Marte (The Martian), a pesar de ser un film entretenido, inteligente e incluso didáctico, se ve lastrado por algunos clichés del género que hacen que el conjunto no sea tan redondo como cabría esperar ante unas críticas casi unánimemente positivas. El tono triunfalista y el tufillo a anuncio promocional de la NASA nos acompaña durante toda la película, aunque podemos casi perdonárselo a Scott y Goddard ya que, al menos, no nos han aburrido. Las intenciones del realizador británico de mostrarnos un futuro en el que la exploración espacial se haya revitalizado (hoy día eso es pura ciencia ficción, en vista de como está el mundo) supone un esfuerzo noble y loable, apartándose de visiones mas pesimistas. Sin embargo, la ejecución de dicha idea, la de inspirar a una nueva generación para que vuelva a mirar al espacio, no es todo lo redonda que debería haber sido, lastrada como muchas superproducciones americanas, por unos lugares comunes de los que Hollywood se resiste a desprenderse. 

Los juegos de azar se basan, como su propio nombre indica, en la probabilidad. Todos hemos soñado alguna vez con entrar en un casino y, manipulando las leyes del azar a nuestro favor, hacer saltar la banca. El azar y su manipulación ha sido un superpoder recurrente en los cómics de superhéroes, con personajes que, tanto para hacer el bien como para hacer el mal, han usado sus dones para poner la suerte de su lado, como los cinco que os presento a continuación.

1. RULETA. Jennifer Stavros, con el nombre en clave Ruleta, es una mutante del Universo Marvel capaz de generar discos de energía psíquica que alteran las leyes de la probabilidad. Cada vez que uno de estos discos de energía impactan en alguien alteran sus probabilidades, dependiendo si el disco es rojo (buena suerte) o negro (mala suerte). 


2. GATA NEGRA. Esta antigua villana de los cómics Marvel, convertida en superheroina aliada de Spider-Man, en sus inicios no poseía ningún superpoder, tan solo su destreza en artes marciales y acrobacia. Pero al serle inyectada una droga por el villano Kingpin, desarrolló la capacidad de inducir la mala suerte a quien se hallara dentro de su campo visual. Desgraciadamente, esta superpoder tenía un efecto secundario que afectaba a cualquier persona que pasara mucho tiempo en su compañía, lo que convierte a Felicia Hardy en la peor acompañante posible para una divertida velada en el casino. 


3. LONGSHOT. Este mutante del Universo Marvel, procedente de otra dimensión, está dotado de una suerte increíble, que le protege de todo peligro siempre que las intenciones de Longshot sean buenas. En caso de que las motivaciones de Longshot no fueran del todo legítimas, el poder se volvería en su contra, cargándolo de mala suerte, por lo que a nuestro héroe le sería muy difícil usar su "suerte" para ganar al poker. Otro de los inconvenientes de su poder es que cada vez que altera las leyes del azar a su favor, involuntariamente sustrae la buena suerte de alguna otra persona, lo que convierte a Longshot en el gafe oficial del universo Marvel.


4. SHAMROCK. Esta superheroína irlandesa de los cómics Marvel es, lo que podríamos llamar, una mutante mística, ya que su principal habilidad consiste en canalizar los espíritus de las víctimas inocentes de la guerra, algo parecido a una médium. Estos espíritus se manifiestan brevemente causando buena suerte a Shamrock y mala suerte a los que se enfrentan a ella.


5. DOMINO. Neena Thurman, conocida con el nombre en clave de Domino, es una mutante del Universo Marvel con la habilidad psíquica de alterar las probabilidades a su favor, haciendo improbables (aunque no imposibles) que sucedan ciertos sucesos que tengan lugar en su línea de visión. De esta manera, causa mala suerte a sus oponentes y atrae la buena hacia ella. Su poder es similar al de Longshot, ya que Domino tampoco lo controla conscientemente. Sin embargo, Domino ha de atraer la suerte activamente, es decir, ha de intentar evitar el suceso que puede dañarla para que su poder sea efectivo.


Tras la absoluta pérdida de tiempo que ha supuesto la precuela de The Walking Dead, Fear The Walking Dead (lo explicamos aquí), uno aprecia más a Rick y a sus chicos. Y mira que a lo largo de 5 temporadas terminadas, hemos tenido momentos malos. Sin embargo, a la hora de juzgar la vuelta de la veterana serie de zombies, no debemos tener en cuenta lo malas que llegan a ser las demás series que intentan subirse al carro de los no-muertos, sino que tenemos que juzgar este primer capítulo por si mismo. ¿Estamos ante un regreso por la puerta grande o se han agotado las ideas?


Pues a pesar de los temores, TWD estrena su sexta temporada con fuerza y energías renovadas. Para empezar, han optado por un episodio más largo de lo normal, en el que nos contaban a modo de flashbacks en blanco y negro lo que ha ido sucediendo en estos meses. Visto el episodio, ha sido una buena idea, ya que de otra forma habría sido algo confuso el visionado del presente mezclado con el pasado. 

Las escenas del pasado continúan con el final de la quinta temporada, en la que Rick dispara en la cabeza al marido maltratador de Jessie cuando éste asesina cruelmente al marido de Deanna. La confianza de la antigua senadora en Rick y los demás no convence a toda Alexandría, ya que comprobamos como algunos intentan rebelarse contra estos con conspiraciones secretas. Sin embargo, los habitantes de la ciudad, ajenos como han estado al peligro zombie, son fácilmente sometidos no solo por Rick, sino por cualquiera de los miembros del grupo (salvo Eugene y la pequeña Judith... o por lo menos Eugene).

HEATH, UN PERSONAJE QUE MANTIENE UN PELAZO A PESAR DE LA HECATOMBE ZOMBIE

Precisamente el por qué de que Alexandria sea una Arcadia feliz donde no había que estar preparado para un ataque zombie se nos explica en este episodio. Resulta que los zombies se iban acumulando en una cantera por la propia forma del terreno, de manera que pocos llegaban a Axejandria. El problema es cuando la cantera rebosa de zombies, como les ha terminado ocurriendo. Creo que este es el episodio donde más zombies hemos visto aparecer de toda la serie. Hordas impresionantes de lejos, y detalles del aspecto que tienen mucho más cerca. Así hemos visto desfilar zombies que no son ajenos al paso del tiempo, totalmente desgastados y consumidos por la falta de alimento. Visto lo visto, pareciera que con esperar algo más de tiempo a que se consuman del todo ya tendrían la batalla ganada contra ellos. Muy cobarde pero muy práctico.

El plan de Rick y el grupo es dirigir a las hordas lejos de Alexandria, aunque no sabemos bien ni hacia dónde los quieren llevar, ni qué pretenden hacer con ellos. El cebo ha sido Daryl (seguido de cerca por un coche conducido por Abraham y Sasha) que con una seguridad pasmosa se pone delante de miles y miles de zombies con su moto, a una velocidad de caracol reumático, para que le puedan seguir sin perderlo de vista. Los chicos tienen preparado el camino, construyendo vallas metálicas donde no quieren que pasen los zombies. Ya sabemos que voluntad queda poca cuando te conviertes en un no muerto, así que éstos van allá donde ven carne fresca, o donde oyen un sonido... Los que se quejaban de no ver muchos zombies en TWD, hoy estarán satisfechos. Escenas fabulosas, bien cuidadas, con tensión, y dando la sensación de verdadero peligro. 

DARYL EN EL PEOR DÍA DE SU VIDA PARA DAR UN RESBALÓN O TENER UN PINCHAZO...

Menos tiempo hemos tenido para ver cómo se encuentran con detalle los miembros del grupo. Carol ha tenido un buen momento defendiendo su papel de ama de casa inofensiva. Morgan ha sabido calarla sin problemas, veremos hasta dónde llega el juego. Jessie deja claro a Rick que no quiere saber nada de él. Es lo que tiene meter un tiro en la cabeza al padre de sus hijos, por malo que fuera. Eugene casi la lía, algo que parece ser la única función de semejante personaje. Claro que los liantes oficiales son los adolescentes de la serie. Ni un apocalipsis zombie parece espabilar a este temible sector de la sociedad.

Glenn ha tenido que instruir a varios habitantes de Alexandria en el arte de liquidar zombies, donde demuestra ser ya un verdadero maestro del tema. Se nota mucho el contraste de los miembros del grupo con los neófitos, que al menos parecen entender en su mayoría que no les queda otra. Michonne ha estado perfilando el desfile zombie tras las vallas metálicas, y no parece haber tenido tiempo para ir robando barritas de cereales...

CADA VEZ QUE CAMBIÁIS A LA BEBÉ QUE HACE DE JUDITH, ¿NO PODRÍA PARECERSE UN POCO A LA DE ANTES?

Por si el comienzo de la serie no hubiera tenido bastante emoción, el cliffhanger de la semana que viene es directamente brutal. La bocina que desvía del camino las multitudes de zombies hacia Alexandria no sabemos de quien puede provenir. ¿Acaso del hijo de Jessie como venganza psicótica por el asesinato de su padre? Lo mismo nos llevamos una sorpresa la semana que viene.

No podemos hablar por el resto de la temporada, pero sí podemos confirmar que, en lo que al comienzo se refiere, viene con ganas e ideas. Esperemos que podamos decir lo mismo al cierre de la misma.

En los tiempos que corren, vigilar de cerca los gastos se ha convertido para muchos en toda una necesidad. Comida, calzado, facturas del hogar, son algunos ejemplos de gastos donde poco podemos recortar, siendo principalmente las compras relacionadas con el ocio las que primero se resienten. Sin embargo, el ocio y la cultura, aunque no son baratos, son también bienes de primera necesidad, artículos y diversiones que deberían estar al alcance de todos. Dentro de esa categoría de bienes culturales de primera necesidad entrarían por supuesto las películas, las series, los cómics, los libros y demás productos relacionados que tanto nos gustan y que tan caros nos parecen. ¿Y si os dijera que esos caprichos no duelen tanto a nuestro bolsillo y que hay una forma de hacerse con ellos a precios en ocasiones imbatibles?


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